El cine en español atraviesa un período de extraordinaria riqueza creativa. Mientras algunos realizadores consagrados continúan explorando los grandes interrogantes de la existencia humana, una nueva generación de cineastas está transformando las maneras de narrar nuestras realidades, revisitar la historia y representar las contradicciones de nuestras sociedades. Las doce películas nominadas a Película del Año en los ZYN Premios Rolling Stone en Español 2026 constituyen una muestra de esa diversidad, con historias que atraviesan la memoria, el exilio, la sexualidad, la religión, la violencia política, la familia y la necesidad de encontrarle algún sentido a la vida.
Desde la intimidad de un apartamento mexicano hasta las inmensidades del desierto marroquí, pasando por una Venezuela desgarrada, las carreteras mexicanas, los recuerdos familiares de Galicia y las calles de Medellín, estas producciones comparten una convicción. El cine sigue siendo una poderosa herramienta para comprender nuestra época y examinar aquello que nos hace humanos. Estas son las doce obras que compiten por el reconocimiento a Película del Año.
Amarga Navidad
Después de explorar la memoria personal en Dolor y gloria, Pedro Almodóvar regresa a los territorios de la autoficción con una película que examina las relaciones entre la creación artística, el duelo y la apropiación de las experiencias ajenas. Bárbara Lennie interpreta a Elsa, una directora de publicidad que intenta sobreponerse a la muerte de su madre refugiándose en el trabajo hasta que una crisis emocional la obliga a detenerse. Su historia se entrelaza con la de Raúl (Leonardo Sbaraglia), un cineasta que convierte las vidas de quienes lo rodean en materia prima para sus relatos.
Acompañado por Aitana Sánchez-Gijón, Victoria Luengo y Patrick Criado, Almodóvar construye un juego entre realidad y ficción que interroga la responsabilidad del artista frente a sus personajes. Su nominación reconoce una obra que prolonga las preocupaciones más personales del realizador manchego y encuentra nuevas preguntas en su relación con la escritura, la memoria y las personas que terminan convertidas en ficción.
Aún es de noche en Caracas
Inspirada en la novela La hija de la española, de Karina Sainz Borgo, esta película convierte la crisis venezolana en un thriller de supervivencia. Natalia Reyes interpreta a Adelaida, una mujer que, después de la muerte de su madre, descubre que su apartamento ha sido ocupado por un grupo de milicianas. En una Caracas dominada por la represión, la escasez y la violencia, deberá encontrar la manera de escapar de un país donde hasta la identidad puede convertirse en una mercancía.
Las directoras Marité Ugás y Mariana Rondón, responsables de la maravillosa Pelo malo, utilizan los mecanismos del suspenso para explorar las consecuencias humanas del autoritarismo. Con la participación de Édgar Ramírez, Moisés Angola y Sheila Monterola, la película consigue que la tragedia colectiva adquiera la dimensión concreta de una mujer despojada de su hogar, sus derechos y su futuro. Su fuerza proviene de mostrar cómo el derrumbe de una sociedad termina alterando incluso las decisiones morales más elementales de sus habitantes.
Belén
Dolores Fonzi dirige y protagoniza este drama judicial inspirado en un caso real que sacudió a Argentina y contribuyó a transformar el debate sobre los derechos reproductivos. Camila Pláate interpreta a una joven de Tucumán que llega a un hospital buscando asistencia médica y termina acusada de haberse provocado un aborto. Fonzi encarna a Soledad Deza, la abogada que asume su defensa y se enfrenta a un sistema judicial atravesado por los prejuicios religiosos, las desigualdades sociales y la discriminación de género.
Con Laura Paredes y Julieta Cardinali, Belén combina la reconstrucción de un proceso judicial con el retrato de la movilización colectiva que convirtió una injusticia particular en una causa nacional. Fonzi evita reducir la historia a un expediente y concentra buena parte de su fuerza dramática en las consecuencias de la criminalización sobre el cuerpo y la vida de una mujer. Es un cine político que encuentra su potencia en los rostros de sus protagonistas y en la comprensión de que los derechos conquistados siempre tienen detrás historias personales.
Ceniza en la boca
Diego Luna adapta la novela de Brenda Navarro para explorar las heridas que provoca la migración y las responsabilidades que recaen sobre quienes deben convertirse en adultos demasiado pronto. Anna Díaz interpreta a Lucila, una joven mexicana que llega a España con su hermano menor, Diego (Sergio Bautista), para reunirse con una madre que emigró años atrás. Lo que debería representar una oportunidad para reconstruir la familia se convierte en una experiencia marcada por la precariedad laboral, la soledad y las dificultades para pertenecer a un lugar extraño.
Con Adriana Paz, Irene Escolar y Laura Gómez en el reparto, Luna construye un retrato de la inmigración alejado de las simplificaciones habituales. Su cámara acompaña las jornadas laborales, los desplazamientos y las pequeñas humillaciones que van erosionando las expectativas de Lucila. La película destaca por su aproximación al desarraigo como una fractura emocional que trasciende las fronteras geográficas y por la poderosa interpretación de Anna Díaz, quien sostiene una historia sobre el precio de sobrevivir lejos de casa.
En el camino
El director mexicano David Pablos convierte las carreteras y los paraderos de camiones en el escenario de una historia de deseo, violencia y afecto entre dos hombres pertenecientes a mundos aparentemente irreconciliables. Víctor Prieto interpreta a Veneno, un joven que sobrevive mediante encuentros sexuales ocasionales y pequeños engaños, mientras Osvaldo Sánchez encarna a Muñeco, un camionero que termina ofreciéndole compañía y protección durante un viaje atravesado por las amenazas del pasado.
Pablos explora la masculinidad en un territorio donde la vulnerabilidad suele confundirse con debilidad y las expresiones de afecto están condicionadas por códigos profundamente arraigados. El vínculo entre los protagonistas transforma una historia de carretera en una reflexión sobre la posibilidad de amar en espacios definidos por la violencia y la exclusión. Producida por Diego Luna y ganadora del premio a mejor película de la sección Orizzonti del Festival de Venecia, En el camino confirma la capacidad de su director para encontrar una dimensión humana en personajes condenados a permanecer en los márgenes.
La bola negra
Javier Calvo y Javier Ambrossi, conocidos como Los Javis, se inspiran en una obra inconclusa de Federico García Lorca para construir una narración que conecta tres épocas a través de la homosexualidad, el deseo y las huellas que deja la represión. Guitarricadelafuente y Miguel Bernardeau protagonizan uno de sus relatos, ambientado durante la Guerra Civil española, en el que un soldado y un prisionero desarrollan un vínculo marcado por el peligro y la proximidad de la muerte. El reparto incluye también a Penélope Cruz, Glenn Close, Lola Dueñas y Carlos González.
La película expande el universo lorquiano mediante una estructura que relaciona el pasado con las experiencias de generaciones posteriores, examinando cuánto han cambiado las libertades individuales y cuáles heridas continúan abiertas. Calvo y Ambrossi combinan la intensidad emocional del melodrama con una ambiciosa reconstrucción histórica que reivindica las historias expulsadas durante décadas de los relatos oficiales. Su nominación reconoce una obra de gran envergadura que encuentra en la memoria cultural española una manera de interrogar el presente.
La misteriosa mirada del flamenco
En un pueblo minero del desierto chileno, a comienzos de los años ochenta, una comunidad de mujeres trans y artistas queer es acusada de propagar una misteriosa enfermedad que, según los rumores, puede transmitirse mediante la mirada de un hombre enamorado de otro. Tamara Cortés interpreta a Lidia, una niña de once años que crece bajo el cuidado de esta familia elegida, integrada por personajes como Flamenco (Matías Catalán) y Mamá Boa (Paula Dinamarca).
En su primer largometraje, Diego Céspedes combina el western, el melodrama y los elementos fantásticos para reconstruir el miedo y la ignorancia que acompañaron la aparición del VIH/sida. La película transforma los prejuicios de una comunidad en una mitología cruel, donde el verdadero peligro proviene del odio y la intolerancia. Ganadora del premio principal de Un Certain Regard en Cannes, destaca por su imaginación cinematográfica y por la ternura con la que retrata a personajes que encuentran en el afecto y la solidaridad una familia más auténtica que aquella definida por los vínculos de sangre.
Los domingos
Ainara (Blanca Soroa) es una adolescente de diecisiete años que anuncia su intención de ingresar en un convento de clausura, provocando una profunda crisis en su familia. Su tía Maite (Patricia López Arnaiz) considera que la joven está siendo manipulada por la Iglesia, mientras su padre (Miguel Garcés) intenta comprender una decisión que amenaza con transformar definitivamente sus relaciones familiares.
Alauda Ruiz de Azúa, directora de Cinco lobitos, construye un drama de extraordinaria precisión psicológica que enfrenta la libertad individual con las expectativas de quienes creen saber qué es lo mejor para sus seres queridos. La película examina la fe religiosa desde perspectivas contradictorias y permite que cada personaje revele sus propias necesidades, temores y convicciones. La interpretación de Blanca Soroa y el trabajo de Patricia López Arnaiz enriquecen una historia que cuestiona hasta dónde llega el derecho de una familia a intervenir en las decisiones personales. Ganadora de la Concha de Oro en San Sebastián, Los domingos demuestra que una conversación alrededor de una mesa puede revelar conflictos tan profundos como cualquier gran tragedia.
Moscas
Olga (Teresita Sánchez) es una mujer solitaria que ha construido su existencia alrededor de una serie de rutinas inflexibles. Cuando las dificultades económicas la obligan a alquilar una habitación de su apartamento, su vida se altera con la llegada de Tulio (Hugo Ramírez), un hombre que intenta permanecer cerca del hospital donde está internada su esposa. Lo acompaña clandestinamente su pequeño hijo Cristian (Bastian Escobar), cuya presencia termina transformando la relación de Olga con el mundo.
Fernando Eimbcke, responsable de Temporada de patos y Lake Tahoe, vuelve a demostrar su extraordinaria sensibilidad para encontrar humor, ternura y melancolía en las situaciones más cotidianas. Filmada en blanco y negro, Moscas utiliza los silencios, los espacios domésticos, los videojuegos y las pequeñas interacciones entre sus personajes para hablar de la soledad, la enfermedad y la necesidad de compañía. La química entre Teresita Sánchez y Bastian Escobar sostiene una película que encuentra su emoción en los gestos más discretos y confirma la capacidad del realizador mexicano para revelar la complejidad de la vida mediante una narración aparentemente sencilla.
Romería
Después de Verano 1993 y Alcarràs, Carla Simón continúa explorando la memoria familiar con una película inspirada en su propia historia. Llúcia García interpreta a Marina, una joven de dieciocho años que viaja a Galicia para conocer a la familia de su padre fallecido y reconstruir la vida de unos progenitores a quienes apenas pudo conocer. Durante su estancia descubre versiones contradictorias del pasado, secretos familiares y los rastros de una generación marcada por las drogas y la epidemia del sida.
Con Tristán Ulloa y Mitch Martín, Romería combina la observación de las relaciones familiares con una dimensión evocadora en la que los recuerdos y la imaginación permiten reconstruir aquello que el tiempo ha borrado. Simón entiende que nuestra identidad también se compone de las historias que otros nos cuentan y de los silencios que heredamos. La película sobresale por su sensibilidad para mostrar cómo una joven descubre su lugar en el mundo mientras intenta comprender quiénes fueron sus padres, prolongando la exploración autobiográfica que ha convertido a su directora en una de las voces fundamentales del cine español contemporáneo.
Sirāt
Luis (Sergi López) llega con su hijo Esteban (Bruno Núñez) a una fiesta de música electrónica en el desierto marroquí buscando a su hija desaparecida. La búsqueda los conduce a un viaje junto a un grupo de jóvenes nómadas que atraviesan paisajes desolados, mientras las noticias de una posible catástrofe mundial anuncian el derrumbe del orden conocido.
Oliver Laxe transforma esta premisa en una experiencia cinematográfica tan hipnótica como devastadora, donde la música electrónica, el desierto y la amenaza constante de la muerte adquieren una dimensión espiritual. Sirāt combina elementos de la película de carretera, el cine apocalíptico y la alegoría religiosa para explorar la fragilidad humana frente a fuerzas que escapan a nuestro control. La interpretación de Sergi López aporta una humanidad esencial a una propuesta de extraordinaria intensidad sensorial, mientras el diseño sonoro convierte el viaje en una experiencia casi física. Reconocida con el Premio del Jurado en Cannes, es una de las apuestas cinematográficas más radicales y audaces del período.
Un poeta
Óscar Restrepo (Ubeimar Ríos) es un poeta de Medellín que ha convertido su fracaso literario en el centro de su existencia. Sin reconocimiento, sin estabilidad económica y atrapado en una relación tormentosa con su propia vocación, encuentra una oportunidad de redención cuando conoce a Yurlady (Rebeca Andrade), una adolescente de origen humilde cuyo talento poético despierta su entusiasmo. Sin embargo, su intención de convertirla en una gran escritora amenaza con reproducir las frustraciones y contradicciones que han marcado su vida.
Simón Mesa construye una comedia amarga sobre el narcisismo artístico, la obsesión por el reconocimiento y las dificultades de quienes confunden el sufrimiento con una garantía de talento. La extraordinaria interpretación de Ubeimar Ríos, actor sin experiencia profesional previa, convierte a Óscar en un personaje tan exasperante como profundamente humano. Filmada en 16 mm, Un poeta también examina las tensiones entre la cultura y las diferencias de clase, mientras se pregunta cuánto sacrificio exige una vocación y si la creación artística puede justificar una vida dedicada al fracaso. Ganadora del Premio del Jurado de Un Certain Regard en Cannes, es una sátira mordaz y conmovedora sobre el arte, la educación y los peligros de vivir enamorado de la propia tragedia.
Estas doce nominadas demuestran que el cine en español continúa ampliando sus horizontes artísticos y temáticos. Sus realizadores recurren a géneros tan distintos como el thriller político, el drama judicial, el western, la comedia negra, el cine intimista y la fábula apocalíptica para explorar los desafíos de nuestro tiempo. España, México, Argentina, Colombia, Venezuela y Chile participan de una conversación cinematográfica que trasciende las fronteras nacionales y encuentra en la diversidad de experiencias una fuente inagotable de historias.
La categoría de Película del Año de los ZYN Premios Rolling Stone en Español 2026 celebra precisamente esa pluralidad de miradas y reconoce a unos cineastas que, desde sus propias sensibilidades, continúan demostrando la capacidad del séptimo arte para conmovernos, cuestionar nuestras certezas y ofrecernos nuevas maneras de comprender el mundo.
