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En Did You Know There’s a Tunnel Under Ocean Blvd, Lana Del Rey explora su alma como nunca antes

La intérprete dedica su noveno LP a la introspección y nos recuerda que su creatividad es de otro mundo

Por  BRITTANY SPANOS

marzo 24, 2023

Neil Krug

Al principio de Did You Know That There’s a Tunnel Under Ocean Blvd, Lana Del Rey destaca un sermón del pastor Judah Smith. Al más puro estilo Del Rey, está claro que fue grabado con su teléfono durante una misa: se oyen sus risitas y las de una amiga en primer plano, por encima de la voz de Smith y de un piano instrumental que mantiene el ritmo.

Smith hace proselitismo sobre el amor y la lujuria, leyendo el Libro de los Salmos. Su presencia resulta sorprendentemente superflua en el contexto del noveno álbum de Del Rey (sobre todo si se piensa demasiado en sus opiniones anteriores sobre el aborto y la homosexualidad). Pero la forma en que encaja en su visión queda más clara en sus dos últimas líneas: 

“Solía pensar que mis sermones se centraban sobre todo en ustedes”, dice en tono de conspiración a lo que probablemente sea una sala de cientos, sino miles, de fieles. “Y esto no les va a gustar, pero les voy a decir la verdad: he descubierto que mi predicación trata sobre todo de mí”.

El núcleo de Ocean Blvd es Del Rey tratando de acercarse a sí misma, dando la vuelta a la historia tal y como hemos llegado a entender (e incluso a malinterpretar) lo que está tratando de decirnos. A través de historias de su familia, de una relación fallida, de su conflictivo deseo de ser vista y a la vez esconderse, Del Rey expone algo más que quién es: por qué es quien es. 

La familia es un tema central en Ocean Blvd, con Del Rey procesando el dolor, la soledad y el desamor en su historia familiar. Arranca el disco con ‘The Grants’, una sombría reflexión sobre la pérdida y el dolor que realiza con la ayuda de Melodye Perry, Pattie Howard y Shikena Jones, que aparecieron en el documental de 2013 20 Feet From Stardom

En ‘Grandfather Please Stand on the Shoulders of My Father While He’s Deep-Sea Fishing’, reflexiona sobre el más allá, ofreciendo una plegaria de protección para su padre, Rob Grant, de su difunto abuelo. ‘Kintsugi’ aborda la horrible experiencia de ver morir a un ser querido.

Canciones como la excelente ‘A&W’ -llamada así en referencia a la expresión “american whore” (puta americana), no a la cerveza de raíz- y ‘Fingertips’ son las dos caras de una misma moneda que narra la vida. Ambas reflexionan sobre el desarrollo sexual, una madre distanciada y la desgarradora realidad de arrastrar un trauma hasta la edad adulta. Mientras que ‘A&W’ centra la atención en los medios de comunicación y las parejas de la cantante, ‘Fingertips’ la muestra hablándole a un espejo mientras busca apoyo en su querido padre y sus hermanos, Charlie y Caroline. 

Hay un trasfondo de angustia que late bajo la superficie, especialmente en la primera mitad. (Del Rey colocó una única valla publicitaria para promocionar el álbum nada menos que en Tulsa, Oklahoma. Notablemente, esa es la ciudad donde vive su ex novio). “Ya no se trata de tener a alguien que me quiera”, afirma sin rodeos en ‘A&W’. No se pone en plan tierra quemada, sino que opta por recuperar su propia magia en ‘Sweet’ o por celebrar el don de la claridad: “When you know, you know/It’s time, it’s time to go” [Cuando lo sabes, lo sabes/Es el momento, es el momento de irse], canta en este tema deslumbrante y tenue.

En medio de su autoevaluación, Del Rey no puede evitar mirar también a su pasado musical. Canciones como la escurridiza ‘Candy Necklace’ presentan la entrega coqueta de su debut de 2012 Born to Die y su seguimiento de la era Ultraviolence que dejó claro que estaba en un camino musical diferente a cualquier otro que estuviéramos experimentando en ese momento. Norman Fucking Rockwell! de 2019 recibe múltiples guiños a lo largo del proyecto: La canción que da título al disco se interpola en ‘A&W’, la primera línea de ‘Cinnamon Girl’ abre ‘Candy Necklace’, y el “VB” de ‘Taco Truck x VB’ significa, por supuesto, ‘Venice Bitch’, con su enloquecimiento psicodélico cerrando el álbum por completo.

Desde el punto de vista sonoro, Ocean Blvd es una versión mejorada de Born to Die: el tipo de fusión anacrónica de la poesía beat de los sesenta, el pop de piano FM de los setenta y la producción más actual de rap y música de baile que sólo Del Rey puede conseguir. El álbum es casi sorprendentemente tranquilo, en comparación con gran parte de su obra, apoyándose principalmente en el piano para la mayoría de las canciones. Los artistas Jon Batiste y Riopy ofrecen sus extraordinarios talentos en sus respectivos papeles, dando una sensación de salón mientras Del Rey deja que sus reflexiones de flujo de conciencia guíen el camino.

La magistral y estimulante ‘A&W’ ofrece un cambio en la segunda mitad al estilo de ‘Venice Bitch’, girando hacia un rap sexy con ritmo trap. La segunda mitad se adentra en un territorio sorprendente, gracias a la trampa y los sintetizadores de ‘Fishtail’ y a la aparición de Tommy Genesis en ‘Peppers’, que samplea el tema de Genesis, ‘Angelina’. Esta última contiene algunas de las frases más cumbres de Del Rey: “Mi novio y yo escuchamos a los Chili Peppers” antes de colar más tarde “ My boyfriend tested positive for Covid/It don’t matter/We’ve been kissin’/So whatever he has, I have/I can’t cry”. [Mi novio dio positivo en Covid/No importa/nos hemos estado besando/así que lo que tenga él, lo tengo yo/no puedo llorar].

Algunos de los pensamientos más oscuros de Del Rey se filtran en las letras, pero el elemento más radical de su composición en este proyecto es la esperanza que deja entrever. El dolor se combina con una visión del cielo que le permite reunirse algún día con los familiares y amigos perdidos. En ‘Margaret’, canta sobre cómo su amigo y frecuente colaborador Jack Antonoff conoció a su prometida Margaret Qualley. Le da la vuelta a la resignada claridad de ‘Paris, Texas’ en el estribillo: “Cuando lo sabes, lo sabes”, canta, asintiendo a la belleza de esperar lo inesperado a ambos lados del significado de esa frase. (Curiosamente, es la segunda vez en la carrera de productor de Antonoff que un artista con el que trabaja se conmueve tanto por su historia de amor que escribe una canción entera sobre ella). ‘Let the Light In’, de Father John Misty, se mueve como un recuerdo de la chica despreocupada y enamorada que llora en canciones como ‘Fishtail’ y ‘A&W’. Pero su brillo podría ser una invitación abierta para que esa chica vuelva cuando esté preparada.

Con todas las referencias a NFR! en el álbum, la pregunta que muchos se hacen ya parece ser si éste o cualquier otro trabajo podría superar a esa obra maestra de su discografía. Pero esa pregunta es inútil. Lo que ha hecho desde entonces, incluidos Chemtrails Over the Country Club y Blue Banisters, ha demostrado ser una notable expansión de la visión artística que expuso en ese álbum, que la sitúa en una clase creativa propia. Al predicarse a sí misma, ha descubierto el tipo de arte que sus oyentes apreciarán toda la vida.