1. Benny Moré, Bonito y sabroso (1951)
2. Ritchie Valens, La Bamba (1958)
3. Sérgio Mendes & Brasil ‘66, Mas que nada (1966)
El líder de la banda y padrino del bossa nova, Sérgio Mendes, fue el artista más célebre de los 60. Su canción más popular, Mas que nada, fue escrita y grabada por Jorge
Ben, un antiguo miembro de la banda. Según el libro de 1990 Bossa Nova: La historia y las historias, escrito por Ruy Castro, antes de un show en Los Ángeles, Ben fue por un corte de pelo; pero siguiendo las leyes de Jim Crow, rechazaron al brasileño de ascendencia africana. Ahí fue cuando supuestamente Ben abandonó la gira y volvió a Suramérica; no obstante, su canción permaneció con Mendes. Una junta militar se tomó Brasil ese año, y utilizando un feroz nacionalismo y antiimperialismo, evitaron toda influencia de la cultura occidental. Mendes hizo de los E.E.U.U. su hogar y con la ayuda de Herb Alpert y su sello discográfico, A&M Records, formó una banda de estadounidenses y exiliados brasileños llamada Brasil ’66. En su versión de Mas que nada, los gemidos roncos de Ben fueron reemplazados por las voces reservadas de Lani Hall y Bibi Vogel en una samba alegre. Su álbum debut Herb Alpert Presents: Sérgio Mendes and Brasil ’66, recibió disco de oro en los E.E.U.U. y llegó al Top 10 de Billboard 200. Mientras tanto, en Brasil se comenzó a formar el movimiento antiautoritario y contracultural, dejando la era apolítica del bossa nova en el olvido. La canción sigue siendo una de las más importantes en la historia de la música brasileña. En 2006, Mendes volvió a grabarla junto a Black Eyed Peas, pero la versión de 1966 sigue mejorando con el tiempo. S.E.
4. Santana, Oye cómo va (1979)
Oye cómo vafue escrita originalmente en 1963 por la leyenda del mambo, Tito Puente, como un suave jazz latino. La novedosa agrupación Santana mostró un nuevo lado del rock latino con su propia versión de la canción. Reemplazaron la característica sección de vientos de Puente por la combinación del organista, Gregg Rolie, y el dios de la guitarra, Carlos Santana, generando así, un sonido más eléctrico. Su remake –publicado como el segundo sencillo del álbum de 1970 Abraxas, el cual es considerado uno de los mejores álbumes de rock latino de todos los tiempos- fue todo un éxito al llegar al Número 13 en el listado Hot 100 de Billboard. Con Oye cómo va, Santana da paso a la salsa de los 70 y a una mayor expansión de la música latina. Así mismo, como Dylan hizo con Hendrix, Puente cedió su canción más famosa a Santana: “Hermoso Santana”, dijo el cantautor durante el inicio de Oye cómo va en su álbum en vivo de 1999, Mambo Birdland. “[Carlos Santana] llevó nuestra música, el rock latino, a todo el mundo. Y me gustaría agradecerle públicamente porque grabó la canción y me dio el crédito como compositor de la misma. Así que, desde ese día, todo lo que tocamos es la música de Santana”. J.O.
5. Héctor Lavoe, Periódico de ayer (1976)
Héctor Lavoe fue inmortalizado en la película biográfica El Cantante, protagonizada por Marc Anthony. El puertorriqueño fue un superhéroe de la salsa; un diamante en bruto que podía canalizar todas las emociones humanas en una sola nota. En 1967, Lavoe se encontró por primera vez con el cantante de salsa Willie Colón, y comenzaron a trabajar juntos en el legendario sello discográfico, Fania Records, en la ciudad de Nueva York. Sin embargo, el dinero no representó algo bueno en la vida de Lavoe; comenzó a consumir heroína y cocaína, eventualmente muriendo de una complicación de sida. Algunos fans recuerdan con cariño las presentaciones de sus canciones más famosas como Mi gente, o El cantante, escrita por Rubén Blades. Pero es la versión de Lavoe de Periódico de ayer –originalmente grabada por Tite Curet Alonso-, la que posee una importancia incomparable en la salsa hasta el día de hoy. “Tu amor es un periódico de ayer/Que nadie mas procura ya leer” canta Lavoe. Interpretada de forma poco convencional, en una tonalidad menor, la canción se vuelve aún más devastadora con el tiempo, y su optimismo tropical da paso a una extensa meditación orquestal. Es difícil contener el llanto tan pronto los instrumentos de cuerda entran en acción. S.E.
6. Rubén Blades y Willie Colón, Plástico (1978)
El espíritu polémico de la salsa se ve completamente reflejado en Plástico; no obstante, la canción no empieza con timbales o una tumbadora, sino con el sonido característico de la música disco. Luego, sin previo aviso, el retumbar del soul latino toma el lugar del falso 4/4, haciendo un llamado de unión a Latinoamérica. El cantautor panameño, Blades, y su frecuente colega, Willie Colón, se burlan de la asimilación del hombre blanco, en donde los “buenos” inmigrantes demuestran lo que valen entregando sus vidas a la autoabsorción y al materialismo. La canción es más conocida por sus dolorosa letra, pero su coro “Se ven las caras pero nunca el corazón” es el que llega al alma. A.C.
7. Los Fabulosos Cadillacs, Matador (1993)
Con Matador, Los Fabulos Cadillacs –la revolucionaria banda argentina– crean un arranque de frenesí y ska punk, respaldado por ruidosas percusiones candombe, que arrasan en batalla. Es una dura crítica disfrazada de himno de carnaval. La canción cuenta la historia de un líder revolucionario que es capturado por un policía, durante un autoritarismo desenfrenado en Latinoamérica. También hace referencia a los héroes como Víctor Jara, un protestante chileno, a quien asesinaron durante el régimen de Pinochet por sus canciones tan directas. I.R.
8. Juan Gabriel, Querida (1984)
La canción estrella del artista más melodramático de la música latina, Querida, muestra a Juan Gabriel en su máxima expresión; vulnerable pero masculino, extravagante pero realista. Juanga logra fusionar el estilo pop orquestal de Sinatra con un ritmo que los Beatles aprobarían, creando así, un apasionante lamento de desesperación. En varias ocasiones repite:“Dime cuándo tú vas a volver” para agregarle un poco de paranoia a la saga de este Romeo enamorado en un final trascendente. Dicen que la canción es la respuesta mexicana a Prince, Elvis, e incluso a Elton John. Querida es la prueba de que Juan Gabriel estaba en otro nivel. A.C.
9. Rocío Dúrcal, Amor eterno (1984)
El difunto Juan Gabriel puede haber escrito una de las cartas de amor más apasionadas de todos los tiempo con Amor eterno, una ranchera tradicional cantada por Rocío
Dúrcal, la cantante española de corazón mexicano. Dúrcal convirtió esta emotiva balada en un elogio permanente, el cual dedicó a su fallecida madre. Generalmente los mariachis tocan la balada en funerales, pero también se ha convertido en un himno para el día de las madres en México y otros países. El álbum de Dúrcal de 1984, Canta a Juan Gabriel: Volumen Seis, llegó a la posición Número Dos en el listado de Billboard de álbumes de pop latino el siguiente año y obtuvo una nominación al Grammy por mejor álbum pop latino, la primera para un álbum de ranchera grabado por una solista. I.R.
10. Daniela Romo, Yo no te pido la luna (1984)
Yo no te pido la luna es el eterno himno de la comunidad gay latina, y habla tanto de la luna, como Heart of Glass habla sobre la salud cardiovascular. La canción es sobre aferrarse a la noche porque puede que el sol no salga por la mañana. Gracias a artistas homosexuales como Javiera Mena y Alex Anwandter, quienes toman la canción como inspiración, el legado de la misma no ha parado de crecer desde su lanzamiento. Así mismo, toda la generación de artistas latinos de electropop saben que sus raíces se encuentran en la brillante balada de Romo. A.C.
11. Los Tigres del Norte, La jaula de oro (1984)
Los Tigres del Norte son la banda más destacada de música norteña, se especializan en contar historias de valientes héroes y despiadados villanos. Sin embargo, La jaula de oro habla de temor. Temor a que los hijos del narrador hayan abandonado el legado mexicano de su padre por vergüenza. Temor de haberse convertido en un esclavo del dinero, temor a salir de su casa porque podría ser deportado en cualquier momento, convirtiendo su supuesta jaula de oro en una verdadera prisión. No hay heroísmo, ni optimismo u oportunidad de salvación, solo hay incertidumbre, el que puede llegar a ser el peor sentimiento de todos. A.C.
12. Gloria Estefan y Miami Sound Machine, Conga (1985)
La historia de esta canción se remonta a 1984, un año antes de su estreno oficial. Miami Sound Machine, liderado por la apasionada Gloria Estefan, publicó su octavo álbum Eyes of Innocence y el primero en estar completamente en inglés. El principal sencillo fue Dr. Beat, el cualentró de inmediato a los listados europeos, volviéndose todo un éxito. A pesar de que no sucedió lo mismo en E.E.U.U., el furor que causó a nivel internacional llamó la atención de compañías discográficas estadounidenses, quienes quisieron aprovechar el momento de fama. Un año más tarde, Miami Sound Machine volvió más fuerte que nunca con Primitive Love, su segundo álbum en inglés, y el primer sencillo Conga, se volvió un éxito mundial. Llegó a Número 10 en la lista Hot 100 de Billboard y obtuvo varios discos de platino en E.E.U.U.. El atractivo de la canción está en su ritmo de conga cubana americanizada, su letra en inglés, una irresistible melodía compuesta de sintetizadores y tambores característicos de los 80, y un mensaje de invitación a la pista de baile: “Don’t you worry if you can’t dance/Let the music move your feet”. Este sonido se volvió un aspecto distintivo en la música de Miami Sound Machine y Estefan, y también los ayudó a establecer los tradicionales ritmos latinos como parte del pop americano. J.O
13. Ana Gabriel, Ay amor (1987)
Ay amor fue el primer sencillo del tercer álbum de Ana Gabriel, Pecado Original. La canción impulsó a la cantautora mexicana a pasar de ser una estrella local a ser una artista de talla mundial. Después de su presentación en el Festival OTI de la canción, Ay amor encabezó los listados de canciones latinas de Billboard en 1988, permaneciendo en la posición Número Uno por 14 semanas consecutivas. La canción es una desgarradora balada que define el estilo de escritura de Gabriel; letras impresionantes entonadas por su voz áspera y operística. Hasta el momento, Ay amor ha sido su canción más exitosa y la que consolidó el lugar de Gabriel entre los grandes de la música latina. Actualmente se mantiene como la artista femenina de mayor rango en la lista de “Las mejores canciones latinas de todos los tiempos” de Billboard, la cual está dominada por hombres. Esto abrió una puerta para futuras cantantes de pop como Shakira o Selena. J.O.
14. Caifanes, La negra Tomasa (1988)
En medio de la evolución del rock en español de los 80 y 90, Caifanes creó un sonido con una sensibilidad de pop gótico parecido al de The Cure. Así que, cuando los promotores de la nueva ola al estilo mexicano lanzaron su cover de La negra tomasa –originalmente escrito en los 30 por el compositor cubano Guillermo Rodriguez Fiffe-, fue una versión descabellada que resucitó el rock mexicano. Uno podría decir que las posibilidades para la fusión del rock latino comenzaron con su remake, basta con escuchar la voz atormentada de Saúl Hernández en contraste con la cumbia vampírica de fondo. Es simplemente fascinante.
15. Luis Miguel, La incondicional (1988)
“Tú, intensamente tú”, murmura Luis Miguel, quien con facilidad logra que todo aquel que escuche La incondicional termine en lagrimas al escucharlo cantar con una melodía nostálgica de fondo. A finales de los 80, el galán del dance pop se convirtió en un cantante romántico y revivió la balada latinoamericana con La incondicional, en donde canalizó el espíritu apasionado que tuvieron José José y Camilo Sesto en los 70. En el vídeo musical que lanzó para la canción, se ve al prodigioso cantante dejando a su amor porque ha sido reclutado para la guerra. Si esta canción no hace que los escépticos del amor caigan rendidos ante los pies de Afrodita, no sé qué lo hará. I.R.
16. Gloria Trevi, Dr. Psiquiatra (1989)
La despampanante Gloria Trevi se mostró rebelde en el debut televisado de Dr. Psiquiatra, que fue transmitido en el programa mexicano Siempre en Domingo. La canción que convirtió a Trevi en una superestrella, cuenta la historia de una niña que es internada en un asilo bajo el cuidado de un hombre mayor. Esta atrevida canción, al igual que su otro éxito Pelo suelto, anunciaron la llegada de una nueva cantante de pop mexicana. Tenía un estilo de Madonna, era desenfrenada y directa pero encantadora, en un tiempo en el que las artistas femeninas solían ser como Lucerito o la elegante Daniela Romo. Sus relaciones fueron más problemáticas que sus canciones; una de sus parejas, Sergio Andrade, fue acusado de liderar un culto de abuso sexual a menores disfrazado de escuela de talentos para niñas. I.R.
17. Kaoma, Lambada (1989)
A finales de los 80, el catalizador de la sensación de baile fue Lambada.Entre el público estadounidense tuvo un éxito que no se había visto desde Macarena. Pero la
fama resultó ser una desventaja para sus productores franceses, quienes fueron demandados por plagio de la canción Llorando se fue, compuesta e interpretada originalmente por un grupo andino de Bolivia, Los Kjarkas. Nadie niega su impacto, la canción fue la base para futuros éxitos en todo el mundo; desde Japón hasta Turquía, sin mencionar el hit de Jennifer Lopez Get On the Floor. Incluso inspiró y dio vida a su propia película en 1990, El baile prohibido. Sin embargo, cuando murió El baile prohibido y sus covers salieron de los listados, Lambada continuó siendo un clásico. Después de todo, ¿cuántas canciones alcanzan este éxito?
18. Los Prisioneros, Tren al sur (1990)
El grupo chileno Los Prisioneros se estableció en 1979 durante la dictadura militar de Augusto Pinochet. Fueron los pioneros del synthpop y fundaron el movimiento del nuevo pop chileno en los 80. Eventualmente prohibieron las canciones de protesta en la radio hasta 1990, pero los fans burlaron la censura del gobierno compartiendo a escondidas la música de la banda a través de cassettes sin etiqueta. En Tren al sur de 1990, el líder de la banda, Jorge González -en parte como una autobiografía, en parte como un comentario social-, revisita momentos de su infancia; recuerda el sonido de la locomotora, el olor del metal, los bellos paisajes chilenos y el abrazo de su padre. Los Prisioneros nos llevan en un emotivo viaje al mostrarnos los estigmas que las personas de la clase trabajadora tienen que soportar. Tren al sur tiene el ritmo perfecto para bailar, su estilo innovador estableció el terreno de trabajo para el pop chileno de hoy en día y ha sido la fuente de inspiración de artistas como Alex Anwandter, Gepe y Javiera Mena. I.R.
19. Selena, Como la flor (1989)
Antes de que Selena Quintanilla-Pérez revolucionara el brassier y se convirtiera en la santa patrona de los texanos, la cantante y su familia, quienes eran testigos de Jehová, hacían giras por restaurantes y ferias de condado bajo el nombre de Los Dinos. La banda alcanzó el éxito internacional con su canción Como la flor, una cumbia con sonidos texanos de su tercer disco Entre a mi mundo. El álbum llegó al Número Uno en el listado regional de álbumes mexicanos de Billboard y al Número 97 en los 200 de Billboard en los E.E.U.U.. La canción no solo se ganó el corazón de la audiencia mexicana, también estableció a Selena como una digna competidora en el mercado texano, dominado principalmente por hombres. En los créditos del álbum, el hermano mayor de Selena y bajista de la banda, A.B Quintanilla, cuenta que escribió Como la flor en un motel de Texas al ver a niños tratando de ganar dinero para sus familias, vendiendo flores de plástico en un club nocturno. Con la cadencia de una ranchera tradicional, Selena canta desde la perspectiva de una mujer abandonada por su examante y compara su amor con una flor marchita. Su mejor interpretación de la canción sería la última que haría; una legendaria presentación en el Houston Astrodome en 1995, justo antes de ser asesinada por la presidenta de su club de fans, Yolanda Saldívar. S.E.
20. El General, Tu pum pum (1991)
El largo y tortuoso camino que ha recorrido el reggaetón comenzó en los 80, cuando pasó de estar prohibido a convertirse en una sensación internacional. Esto se dio gracias a los artistas panameños Renato, Nando Boom, Chicho Man y otros pioneros del reggae en español; mezclaron el dancehall de la música jamaiquina con letras en español y sonidos de influencia latina. Conocido como plena en Panamá, el reggae en español es el predecesor de lo que hoy es conocido como reggaetón, pues tiene muchas de las mismas bases rítmicas y estilísticas. Tu pum pum de El General, quien es considerado el padre del reggae en español, fue uno de los primeros éxitos del género. La canción contiene los aspectos fundamentales del reggaetón: ritmo denso de dembow, voces rápidas pero rítmicas y letra con alto contenido sexual (“Tu pum pum” se refiere esencialmente a las partes privadas de una mujer). En el libro Reggaeton (Refiguring American Music), el periodista y autor alemán Christoph Twickel,
escribe que Tu Pum Pum fue la primera canción en español de dancehall tocada en la radio estadounidense; abrió las puertas para que todo un género se reprodujera. El verdadero origen del reggaetón aún se debate, y aunque los panameños y los puertorriqueños afirman que ellos lo crearon, Tu pum pum es el origen de lo que pronto se convertiría en un movimiento mundial. J.O.
21. Juan Luis Guerra, Burbujas de amor (1991)
Prediciendo la locura que sería The Shape of Water, Burbujas de amor habla de lo mucho que Juan Luis Guerra quería una hermosa mujer; insaciable hasta el punto de desear ser un pez para tocar la“pecera” con su nariz. Después de volverse el padrino de la bachata, Juan Luis Guerra saltó a la fama en 1989 con su merengue pastoral Ojalá que llueva café. La bachata, teniendo letras obscenas y un instrumental rudimentario, luchó por ganarse el respeto de su audiencia dominicana. No obstante, Guerra le dio un giro a todo en 1990 con el álbum Bachata rosa, en el que introdujo sintetizadores, pero conservó su atrevimiento. A pesar de la inocencia de Guerra, Burbujas de amor fue tan atrevida que la prohibieron en la radio de algunas partes de Latinoamérica; aún así, Bachata rosa ganó el Grammy Latino a Mejor Álbum Tropical en 1992. S.E.
22. Maná, Oye mi amor (1992)
La industria de la música latina entró en un momento crucial cuando la banda de rock mexicano Maná lanzó ¿Dónde jugarán los niños? en 1992. El tercer álbum de la
banda captó el sonido y la enorme vitalidad del rock en español, y también impulsó el género a nivel internacional. Oye mi amor, la canción más popular del álbum, definió el sonido característico de la banda: riffs de guitarra alusivos a la nueva ola de los 80 y a bandas de reggae, melodías que incitan a bailar y coros familiares. El brillante uso de una flauta de pan tradicional unió las raíces folclóricas de Maná con el rock moderno, generando un movimiento que resonaría con millones de jóvenes fanáticos latinoamericanos de todo el mundo, asegurando el legado duradero de la banda para las futuras generaciones. El atractivo universal de Oye mi amor creció cuando la incluyeron en el videojuego de 2010, Rock Band 3. J.O.
24. Proyecto Uno, El tiburón (1993)
“Whoomp! Ahí está”, canta el cuarteto neoyorquino Proyecto Uno, haciendo eco a los exitosos integrantes de la banda Tag Team de Atlanta, y consolidando el matrimonio entre el hip hop estadounidense y la música latina en El tiburón. Nelson Zapata y Rick Echavarría eran dos dominicanos de la zona sureste cuando crearon Proyecto Uno, un experimento de tecno rap con sabor caribeño. La inspiración para su gran éxito, El tiburón, surgió por primera vez mientras la banda estaba de gira en Ecuador. Los integrantes de Proyecto Uno estaban de fiesta con unas mujeres cuando fueron rodeados en la pista de baile, como tiburones, por los teloneros. La banda perdió a las mujeres, pero ganó inspiración. “Impactamos al mundo desde Nueva York”, dijo Zapata en 2015 en Univision, “porque provenimos de una cultura bilingüe. Crecimos con los idiomas de nuestros padres y el flow de la ciudad. Mezclamos el inglés y el español con mucha agilidad y muchos jóvenes se identificaron con eso. Antes, la música en español era salsa, merengue o baladas, pero con Proyecto Uno le abrimos las puertas al hip hop, dance, house y merengue, y los mezclamos para formar una nueva generación”. S.E.
25. Carlos Vives, La gota fría (1993)
Nacido en Santa Marta, Carlos Vives fue una estrella de telenovela en los 80 al protagonizar Gallito Ramírez, la historia de un boxeador que se enamora de una
niña de clase alta. Aunque Vives había trabajado como cantante de rock por una década antes de tener su primer gran éxito, después de interpretar a Rafael Escalona en la novela Escalona en 1991, decidió estudiar sus raíces caribeñas y producir su propia versión de vallenato que se convertiría en su álbum Clásicos de la provincia. Compuesta originalmente por Emiliano Zuleta, La gota fríanarra el duelo musical entre su creador y Lorenzo Morales. Añadiéndole un toque rockero, Vives hizo un cover de la canción que lo llevó a la fama internacional y a revivir el interés de la juventud por el género. S.E.
26. La India, Ese hombre (1994)
La cantante puertorriqueña, La India, grabó una increíble versión de Ese hombre -originalmente interpretada por la española Rocío Jurado- para su álbum debut Dicen que soy. Con la producción del grande de la música latina, Sergio George (quien trabajó con Celia Cruz, Ivy Queen y Prince Royce), la interpretación de La India se volvió un himno de empoderamiento a las mujeres, con una letra astuta y una voz poderosa que condenan al típico mujeriego. “Es un gran necio/Un estúpido engreído/Egoísta y caprichoso/Un payaso vanidoso”, así va su lista de críticas. La canción alcanzó el Número Uno en el listado de canciones tropicales de Billboard y también llegó al Top 20 en los listados de canciones latinas y canciones latinas de pop en Billboard. Según The New York Times, Ese hombre fue la canción que le dio el título de “Princesa de la salsa” a La India.
27. Ricky Martin, María (Pablo Flores Remix) (1995)
Después de dejar la banda juvenil Menudo, Ricky Martin buscaba la manera de conservar los fans que había ganado con la agrupación, así mismo buscaba ganar una audiencia internacional. Los fans estadounidenses afirman que el momento cumbre en la carrera de Martin fue el sencillo en inglés de 1998 Livin’ La Vida Loca, pero antes de seducir a los angloparlantes con She Bangs, en 1995 el resto del mundo estaba fascinado con María, uno de sus primeros éxitos internacionales. Incluida en su tercer álbum, A medio vivir, María es una oda electrizante de tecno samba para la mujer difícil: “Ella es como un pecado mortal/Que te condena poco a poco”, canta Martín. El CD del sencillo vendió cinco millones de copias y recibió disco de diamante en Francia y platino en varios países más. S.E.
28. Los Ángeles Azules, Cómo te voy a olvidar (1996)
Durante el comienzo de los 80, tres hermanos mexicanos, Los Ángeles Azules, popularizaron la cumbia sonidera, una variación del género en el que se incluyen acordeones y sintetizadores para combinar el folclor rítmico con sonidos modernos. Dichos sonidos serían los que harían de Cómo te voy a olvidar -incluída en su álbum de 1996, Inolvidables-, un clásico de la cumbia. El reconocido intro de acordeón puede llenar pistas de baile en segundos, en lo que el emblemático trombón barítono explota en su ardiente y anhelante coro. La canción, y su álbum acompañante, definieron a la banda como artistas de éxitos, y es considerada una de las mayores influencias de la nueva ola de la cumbia. Hoy en día, su legado continúa. En 2013, Los Ángeles Azules volvieron a lanzar Cómo te voy a olvidar, un álbum con sus mejores éxitos y con la participación de estrellas latinas contemporáneas como Carla Morrison, Ximena Sariñana y Kinky. El pasado abril, Los Ángeles Azules se convirtieron en el primer grupo de cumbia tradicional en presentarse en el festival Coachella. J.O.
29. Elvis Crespo, Suavemente (1998)
Mientras Jennifer López y Ricky Martin eran los representantes del orgullo puertorriqueño para los angloparlantes a finales de los 90, el éxito de Elvis Crespo era tocado en bodas, graduaciones, bautizos y fiestas de 15, y así se mantuvo por los siguientes 20 años. Cuando dejó su puesto como cantante de la banda de merengue y house, Grupomanía, lanzó Suavemente, su álbum debut en 1998. Luego de eso, la difusión caribeña cambió para siempre. El nombre de la canción es un elogio a un beso suave, sostenido por congas y balanceado por la sección de vientos. Suavemente fue Número Uno por seis semanas en el listado de canciones latinas de Billboard, y el siguiente sencillo, Tu sonrisa, ocupó la misma posición un año más tarde. Esto lo convirtió en el primer artista de merengue en tener ese éxito. “La comencé a cantar y mi hijo, quien estaba tomando un baño, la escuchó y pasó toda la tarde cantándola”, le dijo Crespo a La Nación en 1998. “Eso fue una señal de que la canción sería un éxito”. S.E.
30. Jennifer Lopez, Waiting For Tonight (1999)
Durante dos décadas J.Lo ha sido una artista latina de música pop, pero raramente ha entrado en el mercado latino. Después de tener un maravilloso comienzo interpretando a Selena en la película biográfica de 1997 Selena, Tommy Mottola, antiguo ejecutivo de Sony Music y esposo de Mariah Carey, se puso en contacto con la latina. Contrataron a un profesor de canto y se concentraron en la carrera de López como cantante, comenzando con su primer álbum de estudio en 1999, On the 6. Waiting for Tonight, escrita originalmente por la compositora latina Maria Christensen para su banda 3rd Party, López se apropió de la canción, dando comienzo a la manía del eurodance con sabor latino de los 90 en Nueva York. “No quiero ser solo latina, quiero ser más, tú sabes, ¡bailable!”, le dijo la cantante a Emilio Estefan mientras
trabajaban en Let’s Get Loud, una salsa subestimada de On the 6. También fue una reflexión de su propia experiencia como una puertorriqueña en el continente, una perspectiva que comparten muchos latinos que viven en los E.E.U.U.. Waiting for Tonight es un homenaje al sonido de la isla en la que se crió; llegó a las posiciones más altas de los listados alrededor del mundo y al Top 10 del Billboard Hot 100. La canción híbrida anunciaría su reinado del pop internacional y les abriría el camino a otras estrellas de pop latino nacidas en E.E.U.U., como Selena Gomez y Becky G. S.E.
31. Celia Cruz, La negra tiene tumbao (2001)
Un testimonio del eterno legado de la reina de la salsa es La negra tiene tumbao, un clásico contemporáneo que va de la mano con el característico son cubano de Celia Cruz. Como la primera mujer de Fania All-Stars, Cruz pasó toda su vida sin complejos, irradiando lo que ahora llamamos #BlackMagicGirl, dando la cara por todas las mujeres negras del mundo. La canción, producida por Sergio George, pertenece al álbum homónimo – el número 59 de la cantante – La negra tiene tumbao; debutó en el Número Cinco del listado de canciones latinas de Billboard y en el Número Dos del listado de canciones tropicales. El tema fue nominado a como Mejor Canción del Año, Mejor Álbum del Año y Mejor Vídeo Musical del Año en Los Grammy Latinos. El álbum se llevó a casa el premio a Mejor Álbum de Salsa. Aquel sería el penúltimo álbum que grabaría, antes de morir de cáncer cerebral en 2003. La enterraron junto a su esposo y compañero de banda, Pedro Knight, (con tierra cubana, a petición de Cruz) en el cementerio de Woodlawn en el Bronx, junto a las tumbas de las leyendas del jazz Duke Ellington y Miles Davis. Su legendario éxito sería el tema de la telenovela Celia, de 2016, en donde se relata su vida. M.E.
32. Aventura, Obsesión (2002)
La canción que dio a conocer a Aventura, un grupo de bachata del Bronx, Obsesión, habla sobre el deseo obsesivo de un hombre por poseer a una mujer hasta el punto de perder el control. Antes del boom del reggeatón machista, Obsesión tiene un verso cantado por Judy Santos, la voz femenina de la razón que dice: “No es amor lo que sientes./Es una obsesión”. El difunto grupo marcó el comienzo de una nueva ola de música bachata y le dio vida al género dominicano al incorporar elementos del hip hop
y el R&B. La canción estrella del álbum We Broke the Rules, ayudó al grupo a convertirse en la primera banda de bachata en tener un Número Uno en varios países de Europa; en Italia permaneció en la cima por 16 semanas seguidas. Después de la disolución de la banda en 2011, Romeo Santos siguió rompiendo corazones y teniendo varios Número Uno con sus propias canciones; Propuesta Indecente de 2014, estuvo en las primera posición de las mejores canciones latinas de todos los tiempos de Billboard. Santos también se conviritió en el primer artista latino en tocar y agotar boletería en el Yankee Stadium y el
Madison Square Garden. M.E.
33. Juanes, A Dios le pido (2002)
A Dios le pido, un himno que celebra la paz y el amor, convirtió a Juanes en uno de los ídolos de pop latino más grandes de este siglo. Construida sobre una guitarra en staccato, este tema de rock alternativo cargado de funk fue la base para el sonido característico de Juanes, que después desplegaría en éxitos como La camisa negray Gatos de agua dulce. Lanzada después del 11 de septiembre, y cuando Colombia seguía recuperándose del narcoterrorismo de Pablo Escobar, el optimismo y la alegría del tema fueron recibidos con los brazos abiertos en todo el mundo. Su espíritu lleno de esperanza incluso llevó al cantante a tocarla frente al papa Francisco en 2015. A.C.
34. Tego Calderón, Pa’ que retozen (2002)
Tego Calderón, un reggaetonero y rapero puertorriqueño, impulsó el reggaetón a un nivel internacional con su clásico de fiesta, Pa que retozen, producido por el DJ Joe y Rafy Mercenario. El principal sencillo de su álbum debut, El abayarde, fue una de las primeras canciones de reggaetón en irrumpir en el mercado de los E.E.U.U., y cuando el rapero independiente no pudo satisfacer las demandas, cada vez más globales, su álbum fue pirateado en todos los continentes. Claro está que eso fue hasta que Sony BMG intervino y comenzó a distribuir álbumes en 2003. La canción de Calderón ayudó a revolucionar la música puertorriqueña en E.E.U.U. y también a nivel mundial. M.E.
35. Café Tacvba, Eres (2003)
Ganadora del Grammy Latino, la dolorosamente hermosa Eres de Café Tacvba, deja los característicos experimentos de la banda a un lado para dar paso a la
simplicidad y a un corazón honesto. Desde el comienzo de los 90, la volátil banda de Ciudad de México, anunció un sonido vanguardista que ayudó a formar el presente del sonido latino alternativo; el crítico del New York Times, Jon Pareles, llamó a su obra de 1994, Re: “El equivalente del White Album de los Beatles en español”.
Pero la agridulce confesión Eres, es una canción diferente. Es un saludo a las baladas del rock setentero, como una de las obras más tiernas y poéticas en el paisaje del pop rock de su tiempo. Una canción que irradia emoción y que duele de la mejor manera. I.R.
36. Ivy Queen, Quiero bailar (2003)
Armada con un flow embriagador y satírico, la leyenda puertorriqueña, Ivy Queen, es lo suficientemente hábil para avergonzar a un grupo de 10 MCs. Queen se mantiene firme al empoderar a las mujeres del mundo, incluso cuando está con los reggaetoneros más rudos de la industria. “Yo te digo si tu me puedes provocar…/Eso no quiere decir que pa’ la cama voy”, escupe ferozmente la cantante en la obra feminista de 2003 Quiero bailar, tomando control de la pista de baile con dignidad, gracia y firmeza. “Los derechos de las mujeres definen mi flow. Lo primero que salió de mi boca fue el querer que respetaran a las mujeres. Quiero que ellas se sientan identificadas al escuchar mis canciones”, le dijo Ivy Queen a ROLLING STONE en 2018. I.R.
37. Julieta Venegas, Algo está cambiando (2003)
Julieta Venegas era la reina del rock latino alternativo hasta que destruyó por completo su reinado. Frustrada con un bloqueo creativo, Venegas rompió las reglas del rock en español y buscó la perfección del pop, creando así el álbum de 2003 Sí. Ya no había guitarras fuertes, ni voces increíbles , en su lugar podíamos escuchar sintetizadores y melodías para cantar a coro. Algo está cambiando, el sencillo más exitoso del álbum, es el mejor ejemplo del nuevo sonido de Venegas, con una producción tan buena que podría curar el mal de ojo. El nuevo camino que tomó la mexicana la llevó a los primeros puestos de los listados, y lo que es más importante, ayudó a que otras artistas latinas llegaran a los listados de pop con sus propias visiones artísticas. A.C.
38. Daddy Yankee, Gasolina (2004)
Antes de su éxito mundial Despacito, junto a Luis Fonsi, el reggaetonero puertorriqueño Daddy Yankee saltó a la fama con Gasolina. Como uno de los primeros éxitos internacionales del reggaetón, Gasolina conviritó a Daddy Yankee en un artista de talla mundial y ayudó a difundir el género en todo el mundo. Fue el primer sencillo de su álbum de 2004 Barrio Fino. La canción salió cuando el reggaetón estaba comenzando a sonar en los E.E.U.U. y en Europa; no obstante, esta canción fue la que ayudó a la rápida propagación del reggaetón y de la nueva ola del pop latino. Impulsado por un beat de dembow, un rap brutal y una insinuación lasciva, Gasolina tiene todos los elementos que hacen del reggaetón un género emocionante. El éxito de la canción se debe a su pegajoso coro, que a pesar de estar completamente en español, ha sido cantado por millones de personas que no necesariamente hablan el idioma alrededor del mundo. En 2005, Gasolina fue la primera canción de reggaetón en ganar un Grammy Latino por Canción del Año, un gran logro pues le daba peso al género entre la música latina. El legado de la canción hizo que hoy en día el pop latino sea más que reggaetón y hasta creó un movimiento cultural internacional que rompe fronteras. J.O.
39. Grupo Climax, Za za za (mesa que más aplauda) (2004)
Provenientes de Veracruz, Oskar Lobo y su Grupo Climax, tuvieron su debut en 2004 con Za za za, el cual alcanzó Número Uno en el listado de mejores álbumes latinos de Billboard; es una de las canciones con mejor título en el universo del pop latino. Za za za (mesa que más aplauda) es una canción consciente de sí misma: literalmente se anuncia como una canción de fiesta, contando la historia de una prostituta al ritmo del merengue. Luego comienza a nombrar cosas, desde ocupaciones hasta ciudades y clubs de fútbol mexicano. Es simple, repetitiva, pero más que todo, demasiado emocionante. Es una canción que sonará siempre que haya una pista de baile en las bodas latinas. A.C.
40. Calle 13, Atrévete te te (2005)
Atrévete te te es un himno de reggaetón para el nuevo milenio, atrapó por completo a los transeúntes con inigualable atrevimiento e ingeniosos chistes, incitando a todos a bailar al ritmo de la música. Alejándose del hedonismo y la música electrónica de la época, los puertorriqueños de Calle 13, rompieron los límites del rap-reggaetón y cambiaron para siempre el curso de la música latina alternativa. “¿A quién le importa si te gusta Green Day o Coldplay?”, pregunta Residente, haciendo referencia a los hipsters de boricua, quienes desprecian la música urbana. Así sean los llamativos ritmos del reggaetón–cumbia de Calle 13, las bromas sarcásticas o el contagioso inicio con clarinete, Atrévete te te siempre será una de las mejores cosas que nos ha dado Puerto Rico desde el arroz con habichuelas. I.R.
41. Shakira ft. Wycleaf Jean, Hips Don’t Lie (2006)
Shakira, la rockera colombiana que se transformó en una emperatriz pop, dominó el listado Hot 100 de Billboard por dos semanas cuando lanzó Hips Don’t Lie en 2006, su primer Número Uno en Estados Unidos. La canción, que llegó a ese mismo puesto en los listados pop de al menos 55 países, fue una colaboración con el rapero haitiano Wycleaf Jean. El track evolucionó a partir de un éxito de Jean titulado Dance Like This, que iba a ser el regreso de Fugees (según Pras, Lauryn Hill no estaba convencida y se marchó del estudio). Shakira firmó para coescribir la versión final y le puso su propia sazón, con un sample de trompeta de Amores como el nuestro, el hit salsero de Jerry Rivera de 1992. Una joya del worldbeat, Hips Don’t Lierecibió varios reconocimientos, incluyendo una nominación al Grammy, el premio Hot Latin Song de Latin Billboard y un MTV Video Music Award por la mejor coreografía en un video. El clip, dirigido por Sophie Muller y grabado en Los Ángeles, esta llenó de color, como un guiño a Barranquilla y su carnaval. M.E.
42. Bomba Estéreo, Fuego (2008)
Catapultando la electro-cumbia al futuro, Fuego fue una de las primeras mezclas de EDM, cumbia psicodélica, rap y reggae. La explosiva canción parecía que se iba a quedar en un mundo underground, pero la energía del dúo era demasiado fuerte como para quedarse como el mejor secreto de Colombia. Es un grupo único que no solo ha llevado por todo el mundo su creación, sino que ha logrado entrar al mercado sin venderse a los ritmos del pop urbano. En Fuego anunciaban su propósito, inspirando una legión de folcloristas digitales en el camino. Desde entonces, Bomba no ha parado. I.R.
43. Don Omar ft. Lucenzo, Danza Kuduro (2010)
No hay manera de resistirse a esta canción. En un momento la estás escuchando mientras compras crema dental y al siguiente estás reservando tiquetes de avión para las Azores. El amigo-enemigo de Daddy Yankee, Don Omar, es conocido por varios éxitos, pero junto al cantante francés portugués Lucenzo, el reggaetonero alcanzó la cima en 2010 con Danza Kuduro. La canción, en español y portugués, es un tributo al baile Angola. Después del auge del reggaetón en los 2000, Don Omar vio una oportunidad para innovar, adaptando el ritmo kuduro 4/4 y utilizando una muestra de acordeón. La fórmula de Don Omar le dio su segundo Número Uno en el listado de mejores canciones latinas de Billboard (el primer Número Uno de Lucenzo), y el sencillo vendió más de un millón de copias digitales. S.E.
44. 3BallMTY, Inténtalo (2011)
3BallMTY, compuesto por DJ Sheeqo Beat, DJ Otto y Erick Rincón (exmiembro), modernizó sonidos tradicionales latinoamericanos con algunos de música electrónica. El resultado fue un estilo denominado tribal guarachero, el cual es una reunión de estilos regionales mexicanos, ritmos afrocubanos y sonidos electrónicos. La agrupación no fue la primera en mezclar sonidos ancestrales con beats urbanos, grupos como los Nortec Collective de Tijuana, Celso Piña, Control Machete y Blanquito Man, fueron los pioneros del enfoque híbrido una década antes como parte del movimiento La Avanzada Regia en Monterrey. No obstante, sí fue 3BallMTY quien llevó el sonido al público internacional. La canción es el primer sencillo del álbum debut en 2011 Inténtalo, contiene algunas colaboraciones con artistas mexicanos como América Sierra y El Bebeto. La agrupación llevó el sonido tribal guarachero al mundo, ellos como los líderes de facto. Inténtalo llegó al Número Uno en el listado de canciones latinas de Billboard, y después de su presentación en los Billboard Latin Music Awards en 2012, ese mismo año 3BallMTY ganó el Grammy Latino por Mejor Nuevo Artista. J.O.
45. Alex Anwandter, ¿Cómo puedes vivir contigo mismo? (2011)
La pregunta del ídolo gay Alex Anwandter, ¿Cómo puedes vivir contigo mismo? no es solo algo que los homofóbicos repiten, se convirtió en el atrevido coro de esta intervención pop de LGBT. Como un tributo a Paris is Burning, el documental de 1991, en el vídeo musical de ¿cómo puedes vivir contigo mismo? aparecen homosexuales chilenos de todos los géneros, caminando delicadamente por la pasarela. “Y aunque digan que es malo/¡Yo me siento en el cielo!” canta Anwandter desafiante. Así como el legado del grupo de rock chileno, Los Prisioneros, esta canción de pop enciende la pista de baile y desafía los poderes fácticos. S.E.
46. Marc Anthony, Vivir mi vida (2013)
Marc Anthony saltó a la fama durante la invasión del pop latino en los 90, así mismo lo hicieron artistas como la exesposa del puertorriqueño, Jennifer López, y Ricky Martin. En ese entonces, Anthony sacó éxitos como I Need to Know y You Sang to Me, pero su mayor contribución al pop fue su primer amor, la salsa. Tomó como inspiración a cantantes de La Fania All-Stars como Tito Puentes, Héctor Lavoe y Rubén Blades, y en 2012 decidió hacer uso de sus conocimientos de salsa, lanzando 3.0, su primer álbum de salsa después de toda una decada de hacer música tropical. Originalmente era una canción de raï escrita por el cantante argelino francés, Khaled, Vivir mi vida, el sencillo más exitoso del álbum, llegó al Número Uno en los listado de mejores canciones latinas, canciones latinas de pop y canciones tropicales de Billboard, demostrando así, la viabilidad duradera de la salsa. La canción obtuvo disco de 16x platino en los E.E.U.U.. “Esto significa mucho para mí, estoy en un momento muy especial de mi vida y las palabras Vivir mi vida lo dicen todo”, comenta el cantante puertorriqueño durante la decimocuarta entrega anual de Los Grammy Latinos. I.R.
47. Enrique Iglesias ft. Sean Paul, Descemer Bueno y Gente de Zona, Bailando (2014)
El hijo del baladista español,Julio Iglesias, y la filipina, Isabel Preysler, Enrique Iglesias, obtuvo su primer Número Uno en 1998 con el sencillo en inglés, Bailamos. El cantante español fue denominado “rey del pop” por los críticos, pero su mayor éxito, Bailando, llegó 14 años después. El tema viral lo canta junto a los artistas cubanos Descemer Bueno y Gente de Zona. La versión original en español duró 41 semanas seguidas encabezando el listado de mejores canciones latinas de Billboard. (Despacito rompió ese récord cuatro años después). El vídeo músical es el decimoprimero con más vistas en YouTube y fue el primer vídeo en español que alcanzó más de mil millones de visualizaciones. No obstante, fue el remix en spanglish de Sean Paul el que ayudó a Bailando a llegar a audiencias crossover; llegó al Número 12 en el listado Hot 100, una de las pocas canciones, cantada en su mayoría en español, en alcanzar esa posición. Su atractivo internacional está en la multiculturalidad de la canción, mezcla el flamenco español, el pop latino y el reggaetón cubano. Iglesias también lanzó dos versiones en portugués, especialmente para sus fans en Brasil y Portugal, una vez más, llevando un éxito mundial a nuevo territorio. Con su enfoque multilingüe, Bailando demostró el poder del mercado de la música latina, mientras ayudó a establecer las bases para la revolución del pop latino que actualmente domina en esta década. J.O.
48. J Balvin, Ginza (2015)
Antes de llegar al Número Uno con Beyoncé y Cardi B, J Balvin entró al mercado del pop latino con su propia aproximación artística al reggaetón y el dancehall. “Si necesitas reggaetón, dale”, canta Balvin. Su flow melódico lo diferencia de los reggaetoneros agresivos de antes, al igual que el synth-pop que hay detrás
gracias al productor Sky Rompiendo. Después de dominar Hot Latin Songs por 22 semanas, Ginza rompió el récord Guinness de mayor duración en el primer lugar del listado para un solista. Con el énfasis visual en sus videos, también se convirtió en uno de los artistas más vistos en YouTube: en 2016, su éxito Ay vamos de 2013 superó las mil millones de vistas, el primer cantante de reggaetón en alcanzar estos números. De este modo, se unió al club de rompecorazones latinos que ya lo habían hecho, como Romeo Santos y Enrique Iglesias. Balvin llegaría a los 10 dígitos una vez más en 2017 con Mi gente y este año con X, cambiando los estándares con los que medirán a los artistas latinos del futuro. S.E.
49. Pitbull ft. Sensato, Osmani Garcia y Dayami La Musa, El taxi (2015)
Pitbull, conocido como “Mr. Worldwide”, volvió a su lengua materna en 2015, con su álbum ganador del Grammy, Dale. El cubanoamericano lanzó su versión en español de Murder She Wrote –originalmente interpretada por el dúo de reggae jamaiquino, Chaka Demus & Pliers-, protagonizada por una mujer sexualmente abierta. Usando un juego de palabras que solo los cubanos entenderían, Pitbull canta: “Ella hace de todo, todo, to to”. El cuarteto esquivó las estrictas leyes cubanas de censura y el resultado es realmente candente. S.E.
50. Luis Fonsi ft. Daddy Yankee, Despacito (2017)
Despacito es la canción que todas las mamás y abuelitas se saben de memoria, sin mencionar que fue la preferida en todas las bodas, fiestas de 15 y bar mitzvahs del año pasado. Como una de las mejores canciones de 2017, Despacito, del puertorriqueño Luis Fonsi, y el rey del reggaetón, Daddy Yankee, es el mejor tema de pop latino. Combinada con el remix de Justin Bieber, Despacito es la canción más escuchada de todos los tiempos, así mismo, el vídeo musical se mantiene como el más visto en YouTube. El hecho de que esta mezcla de reggaetón y pop latino esté principalmente en español aumenta su atractivo. “Nunca tuve la intención de escribir una canción
crossover”, dijo Fonsi a ROLLING STONE el pasado mayo. No obstante, el resultado creó el “efecto Despacito”, una nueva ola de éxitos en español y crossovers mainstream desde la explosión latina hasta el reggaetón globalizado de J Balvin. J.O.
