ROLLING STONE en Español presenta la segunda edición de Future of Music, una plataforma de contenido que destaca a los artistas y temáticas que están definiendo el futuro de la música.
Este 2025, Future of Music explora una serie de conversatorios que son de vital importancia para el panorama musical hispanohablante contemporáneo. Para inaugurar el primer coloquio, Juan Hansen (multiinstrumentista y vocalista), Cato Anaya (DJ, productor y compositor), Diego Maldonado (VP ONErpm Latin Iberia) y Felix Lara (artista y productor musical) se unieron para compartir sus ideas, perspectivas y posturas sobre las tecnologías y procesos creativos que definen el presente y proyectan el futuro de la música. Además, en un conversación especial, Ana Carolina González (Directora de arte), Angélica Diazgranados (Directora creativa) y Daniela Castañeda, mejor conocida como Indiviua (Directora creativa), crearon un bloque único para explicar la fusión que hay entre el mundo de la moda con el universo musical.
Tecnología y procesos creativos
Moderado por Martín Toro, Editor Senior y Coordinador Editorial de ROLLING STONE en Español, el conversatorio inició por reflexionar sobre un tema que está en el centro de muchas conversaciones creativas: la relación entre la música y la tecnología. ¿Cómo es que la inteligencia artificial ha tomado tanto terreno en el mundo sonoro? ¿Hay un límite de uso?
En los últimos años, ha existido un gran debate sobre el uso de la inteligencia artificial en el proceso creativo. Félix Lara destacó que esta herramienta puede ser utilizada según el contexto musical; para él, su forma más común de uso es en vídeos musicales para shot list, y así materializar el proyecto con mayor agilidad. Por su parte, Cato Anaya compartió que se ha llevado una gran sorpresa al experimentar la evolución tecnológica que atraviesa la música, sobre todo porque ya hay formas de saltar las actividades que realizan los instrumentistas. “Que esté bien o mal es una decisión creativa de cada artista. Por mi parte, disfruto estar con el instrumentista y artista; conectar con el uno a uno”, declaró.
Con esta postura, Anaya dio pie a un debate moral sobre el uso de la inteligencia artificial en las producciones musicales. ¿Hasta qué punto está bien o mal utilizarla? ¿Sigue existiendo esencia humana cuando se cruza el apoyo de esta herramienta? “Yo creo que no hay bien o mal. Creo que tiene que haber un contexto. A veces tienes ideas que para hacerlas realidad es con una IA. En temas de creatividad no hay reglas. Uno tiene ideas y hace lo que sea para materializarlas”, aseguró Félix Lara.
Desde su postura, Juan Hansen recordó el uso de otras herramientas que se utilizaban con el fin de facilitar la creación musical. “La IA en escritura y en texto es increíble, pero en audio le falta mucho. No importa con qué lo hagamos, si con IA u otro programa. El fin es el mismo. Es simplemente una herramienta”, dijo. En cambio, Diego Maldonado resaltó que hay una discusión que va más allá de la ética y la moral: la presencia del ser humano. “La música nos define como especie. Hay algo en la música que es muy humano. Lo que define si está bien o no es si tiene el alma humana puesta en ella. Si en algún momento crees que está delegada a un objeto o máquina, pasaste la raya”, compartió con firmeza.
Después de compartir sus opiniones sobre la innovación en la tecnología que ha cambiado el rumbo de la música, los panelistas comenzaron a transformar el rumbo de la conversación, ahora partiendo desde las preocupaciones que ha generado el auge de la IA. “Cada artista tiene sus pensamientos, pero el que copió demasiado con inteligencia artificial se va a ir solo. Va a ser muy difícil que tenga un arte trascendental. Esto es porque necesitamos nuestra propia creatividad como artistas y seres humanos”, declaró Hansen. “Me preocupa las audiencias y sus tendencias. También lo que hacen las plataformas de crear DJs y playlists algorítmicas. Estas tendencias nos conducen a que no seleccionemos la música que escuchamos. Todo es una máquina, desde el principio hasta el fin. Este futuro me aterra”, reveló Maldonado.
Con esto, la plática dejó en claro que la tecnología, inevitablemente, ha cambiado las formas de crear y escuchar música. Los artistas tendrán que adaptarse a los nuevos cambios que está experimentando la industria musical, por lo que la selección algorítmica será la que rige el modelo de negocios, la industria musical, los artistas, el sonido de las composiciones, las letras, las temáticas, prácticamente todo el universo sonoro que rodea a la música. “Me aterra trabajar para una máquina”, dijo Hansen. “Me da miedo que los artistas modifiquen su arte para ser elegidos”.
Bajo este contexto, surgió una nueva interrogante: ¿Por qué no el consumidor cambia sus hábitos de consumo? De esta forma cambiaría el modelo de proceso creativo. “Yo creo que va a ser un tema de elección propia. Son dos dominios. Es un ejercicio de consciencia y hacerlo visible porque creo que se nos está metiendo por debajo”, compartió Diego Maldonado.
Entre otros de los temas más polémicos que ha traído a la conversación la inteligencia artificial, está la posibilidad de que el artista sea reemplazado por una máquina. ¿Será que la IA puede aportar algo original al arte o se trata simplemente de una réplica de patrones? “Lo más importante que tiene el creativo son sus ideas. Nadie puede sustituir eso, ni ponerlas por ti. Todo está inventado, solo cambia la forma en la que lo reinterpretas. Pienso que sí puede ofrecer cosas originales, siempre y cuando tú seas el que guíe el camino que se debe seguir”, reflexionó Lara.
Desde sus áreas de expertise, los panelistas compartieron sus perspectivas sobre las fronteras y límites que la innovación tecnológica ha roto con el paso del tiempo. No hay duda que el implemento de estas herramientas ha logrado un cambio contundente e irreversible en la forma que escuchamos música; sin embargo, hay que encontrar un equilibrio para permitir que la transformación en el sector no intervenga de forma negativa en la música, sino que la proteja adecuadamente desde la propiedad intelectual de sus creadores.
Para finalizar la primera fase del conversatorio, cada uno de los expertos dio un consejo para todos aquellos artistas que sufren un debate cotidiano entre utilizar la IA en sus producciones o dejar que su esencia humana tome las riendas de su arte. “Esto es para todo en la vida. Para ser mejor y marcar la diferencia. No te saltes los escalones necesarios y los procesos educativos para llegar a un objetivo. Disfruta cada escalón que la música te da para que aprendas” dijo Anaya. “Sé curioso. La curiosidad es una parte fundamental de un artista. Intenta todo”, aseguró Lara. “No se salten los procesos creativos”, finalizó Hansen. “La IA nos invita a su mundo, no a que ellos dominen el nuestro”, concluyó Maldonado.
Especial moda y música
El futuro de la música no solo se construye a partir de nuevas herramientas que facilitan la creación sonora, sino también desde una reflexión profunda sobre la creatividad, la identidad y el propósito. En el universo de la imagen y la estética, la moda se entrelaza con la música de forma única, creando relatos llenos de misterio, magia y sorpresas. En este segmento, Martín Toro dio la bienvenida a tres figuras destacadas del mundo de la moda y lo visual, cuya trayectoria impecable y visión de liderazgo han dejado huella en la industria.
Angélica Diazganados comenzó por compartir algunas de las tendencias que están marcando una intersección entre la moda y la música, como lo es la moda digital y la física. “Los artistas no solo usan ropa como una forma de estar estéticamente bien presentados, sino de diseñar avatares, colecciones virtuales, entre otras cosas. Es todo un mundo que inicia alrededor del artista. Esto comienza con el storytelling que crea con su forma de vestirse”, compartió. Con eso, dejó en claro el papel primordial que toma el estilismo en el proyecto de los artistas. Cada look narra algo, prioriza una historia y nos conecta con el exponente. De alguna forma, la estética del artista es una nueva manera de mostrar su música, una clave inédita de comunicar lo que se desea decir a través de lo que se lleva puesto.
Por su parte, Individua destacó que una de las cosas que más le emocionan del presente es la forma en la que se observa la creatividad dentro de las narrativas de la música. Además de hacer imágenes, hay muchísima más exploración en los universos de los artistas, lo que nos lleva a tener una conexión más genuina con su proyecto y persona. “En la moda es muy importante cómo es la comunicación de su ropa, de las texturas, de los tonos y colores. Esto nos da mucho de los universos que se crean a partir de la comunicación”, compartió.
Bajo este contexto, la moda ya no solo queda como un elemento más del proyecto del artista, sino como un protagonista de la historia. “La moda es parte de la arquitectura fundamental. Vamos a levantar un edificio que es un artista, pues nosotros somos los cimientos. Es una construcción desde la base. Vamos a poner todos los soportes”, aseguró Diazganados.
El proceso creativo de trabajar con un artista conlleva una serie de pasos que priorizan entender la historia del exponente, qué es lo que quiere comunicar y cómo lo quiere hacer. Desde el punto de vista del vestuario, este ya no es un lujo o elemento que puede pasar desapercibido, es un elemento prioritario. “El estilismo es fundamental. Considero que es el 50% de una producción. No hay una gran imágen si eso no se cuida”, confirmó Individua.
En la postura de Ana Carolina, compartió que su proceso creativo rige una frecuencia colectiva que se mezcla entre la imágen, el lenguaje y el contexto visual. Como resultado de esta fusión, el producto final da una experiencia sensorial y cultural que puede conectar con un público masivo a un nivel emocional y subconsciente.
Las panelistas compartieron ejemplos puntuales de artistas que están redefiniendo la conexión entre moda y música, entre los que destacan nombres como Feid, Karol G, Peso Pluma, Cazzu y Rosalía. “Cuando generas marca, le hablas a tu público de una conexión mucho más interna. Estás preguntando cómo te conectas con los otros a través de esa comunicación. Me parece muy lindo”, compartió Individua. “Todos estamos trayendo culturalmente lo que podemos poner sobre la mesa”, agregó Diazgranados.
Entre sus grandes producciones, las expertas destacaron algunos de sus trabajos con ROLLING STONE en Español que transformaron la manera en que se percibe el rol de la moda dentro del mundo de la música. Ana Carolina comenzó por hablar del trabajo que realizó para la portada de Tainy: “No solo fue un shoot histórico, sino un proceso de una obra de arte escénico. Todos tuvimos que sumergirnos dentro de este mundo, desde el concepto hasta la producción. No les puedo describir la experiencia que llevamos. Él nos transmitió un nivel de profesionalismo que jamás se me va a olvidar. Estuvimos en nuestro nivel más alto de trabajo. Agradezco demasiado esto”.
A su vez, Angélica Diazgranados resaltó el proyecto de Rosalía. “La primera portada de ROLLING STONE en Español. Nunca en mi vida había estado tan nerviosa de estar en un proyecto, no podía ni tomar agua. Me escribían las grandes casas de moda del mundo. Duré como una semana con fiebre en la cabeza. Después concluí que la moda hace que todo se sienta cinematográfico. Esto fue una película. Era la primera portada de ROLLING STONE en Español, una consagración”, reflexionó.
Por último, Individua compartió que su momento favorito fue su contribución en la portada de Cazzu. “Creo que una de las cosas que más me ha impactado es ver mi evolución de imagen dentro de la revista. Una de las oportunidades que me dieron fue ir a Argentina a hacer la portada de Cazzu cuando estaba embarazada. Fue una experiencia brutal para mí. Era una de las primeras editoriales que hacía fuera de Colombia, con una artista internacional. Fue lindo crear el concepto con mujeres para una mujer que estaba embarazada. Trabajé con la maternidad desde la vulnerabilidad. Ella fue una persona muy cálida”, dijo.
