La historia es de quien la escribe. Por mucho tiempo, los estudios Disney se han atribuido el primer largometraje animado de la historia y este sería Blanca Nieves y los siete enanitos de 1937. Pero eso no es del todo cierto.
Siete años antes (un año por cada enanito), el polaco Vladislav Starévich, uno de los pioneros de la animación cuadro a cuadro, adaptó junto con su esposa Irene, algunos de los poemas de los siglos XII y XII, protagonizados por el Zorro Renard (existe uno escrito por Goethe), en una película que, luego de múltiples problemas, lograría estrenarse en Berlín, ocho meses antes de Blanca Nieves bajo el título en francés de Le Roman de Renard.
Cuatro años atrás, la alemana Lotte Reiniger, utilizando una técnica de animación de siluetas que ella misma inventó a partir de recortes hechos de cartón y láminas delgadas de plomo, confeccionó Las Aventuras del Príncipe Achmed, una cinta inspirada en Las mil y una noches (en Aladdin, los estudios Disney le rinden un pequeño homenaje).
Pero el primer largometraje animado de la historia no es ninguno de los anteriores. Todo parece indicar que fue Creation, una película de 1915 dirigida por el artista de vodevil Pinto Colvig, (quien luego prestaría su voz para los personajes de Goofy y Pluto en los cortometrajes de Disney), y de la cual sobreviven tan solo cinco fotogramas.
Esto nos lleva inevitablemente a una historia adicional, la cual se desarrolla en Latinoamérica. En 1917, un italiano radicado en Argentina llamado Quirino Cristiani, desarrolló una técnica para darle vida a sus caricaturas y como resultado, creó un largometraje animado bajo el título de El apóstol, cuando tenía tan solo veinte años. La cinta conformada por 58.000 dibujos consistía en una sátira política dirigida al entonces presidente argentino Hipólito Yrigoyen, quien (en la realidad y en la ficción) quería liberar a Buenos Aires de la inmoralidad y la corrupción. En la cinta de Cristiani, Yrigoyen vuela al cielo y se encuentra con Júpiter, el dios del trueno. Con sus rayos, el presidente acaba con Buenos Aires, y la ciudad se ve envuelta en llamas, quemándose en cenizas, lo que le permite al presidente reconstruir la ciudad desde cero. Yrigoyen despierta, descubriendo que todo lo ocurrido era un sueño y se ve obligado a enfrentar la dura realidad: Si quiere liberar a Buenos Aires deberá hacerlo por la vía de la política.
Un año más tarde, Cristiani dirige otro largometraje animado llamado Sin dejar rastros (el tercero de la historia), inspirado en el hundimiento de la goleta Monte Protegido por parte de un submarino alemán en la Segunda Guerra Mundial, incidente real que provocó en Argentina numerosas manifestaciones que invitaban dejar atrás la neutralidad en el conflicto.
Mientras tanto, en Chile, Carlos Espejo y Carlos F. Borcosque dirigirían Vida y milagros de Don Fausto, cinta inspirada en la tira cómica estadounidense conocida como Educando a Papá. Pero al igual que Pantomimas luminosas (1892) de Émile Reynaud, uno de los padres de la animación, Don Fausto consistía en varios cortometrajes unidos que se proyectaban en una sola función y no en un auténtico largometraje. De todas maneras, ambas cintas se encuentran perdidas.
Volviendo con Cristiani, en 1931 estrenaría Peludópolis, el primer largometraje animado sonoro de la historia, en el que se muestra a un grupo de piratas al mando de El Peludo (nombre con el que se conocía popularmente a Hipólito Yrigoyen) abordar la nave del Estado y desalojar a las fuerzas de El Pelado (el expresidente Marcelo Torcuato de Alvear) para dirigirse a la isla de Quesolandia, hasta que aparece el Gobierno Provisional (del dictador José Félix Uriburu) en un barco de papel para tomar el poder.
En 1941, luego del estreno de Fantasía, Walt Disney viajó personalmente a Argentina para conocer la obra de Cristiani y le ofreció empleo en sus estudios, pero este lo rechazó, ya que no quería abandonar su lucrativa empresa. No obstante, dos incendios, uno en 1957 y el otro en 1961, destruirían todas sus películas, a excepción del largometraje El mono relojero, estrenado un año después de Blanca Nieves, y los cortometrajes Los que ligan (1919) y Firpo-Dempsey (1923), que son los únicos que sobreviven. Por lo tanto, El apóstol (1917), Sin dejar rastros (1918) y Peludópolis (1931) son cintas que hasta la fecha se encuentran perdidas y que, por lo tanto, no cuentan.
El listado que se presenta a continuación sigue la tradición iniciada por Cristiani y demuestra que el dibujo animado en formato largo nos pertenece, así algunos digan lo contrario.
20. LAS AVENTURAS DE MÓNICA Y SUS AMIGOS (1982)
Dir. Mauricio de Sousa (Brasil)
Mauricio de Souza es el padre de los cómics brasileños (conocidos en portugués como quadrinhos). Gran amigo de Osamu Tezuka (considerado como el padre del cómic y la animación japonesa), de Souza fue el autor de Peleziño (1977)un fantástico y surrealista cómic futbolero protagonizado por el hijo de Pelé y sus amigos. Sin embargo, su creación más famosa y querida es, sin lugar a duda, Mónica y sus amigos (1959)
Como casi todo brasileño sabe, Mónica es una niña fuerte y valiente que lleva un lazo en su cabello y siempre está acompañada por su inseparable conejo de peluche llamado Sansón. A lo largo de las historias, Mónica y sus amigos Cebollita, Cascarón y Magali, se embarcan en diversas aventuras y enfrentan situaciones cómicas.
La primera película animada inspirada en el cómic (ya se había realizado previamente una serie animada para la televisión) fue la cuarta cinta animada en la historia de Brasil y nos muestra a su creador y director trabajando en su mesa de dibujo. Él es quien nos introduce a cuatro divertidas historias: “El Plan Infalible”, donde el envidioso Cebollita intenta, como es costumbre, derrotar a Mónica y capturar a su conejo Sansón; “Un Amor de Ratón”, donde Mónica va a una fiesta disfrazada de rata y despierta la pasión en un ratón real; “La Ermitaña”, en la que Mónica se aleja de la ciudad para vivir sola en medio del bosque; y finalmente, “El Imperio Empacota” (un homenaje a La guerra de las galaxias que de Souza idolatra) , donde Cebollita se enfrenta una batalla interplanetaria contra extraterrestres para salvar a Mónica.
Aunque la cinta no recibió atención de la crítica en su estreno, debido al esnobismo inherente al oficio (¡eso es cine para niños sin ningún mérito artístico!), lo cierto es que esta fue la película de animación brasileña con mayor audiencia en la historia del país. También es cierto que, de las numerosas películas protagonizadas por Mónica y sus amigos, la primera sigue siendo la más entrañable, junto con Mónica y sus amigos: Lazos, una simpática versión en acción real de 2019.
19. WOOD & STOCK: SEXO, ORÉGANO & ROCK & ROLL (2006)
Dir. Otto Guerra (Brasil)
Si Mauricio de Souza es el Osamu Tezuka brasileño, Arnaldo Angeli es el equivalente a Robert Crumb. Entre sus creaciones más populares encontramos a Meia Oito & Nanico, las historias de un izquierdista anacrónico y su compañero homosexual introvertido y ocurrente; Rê Bordosa, una drogadicta demente que vive en los años ochenta; Mara Tara, la mujer más sexualmente activa de la historia; Rhalah Rikota, un gurú espiritual con la líbido alborotada; Edi Campana, el voyerista en busca del ángulo femenino perfecto; Luke & Tantra, dos adolescentes que sueñan infructuosamente con perder la virginidad; y especialmente, Wood & Stock, dos hippies que habitan los años sesenta.
Precisamente ellos son los protagonistas de la cinta de Otto Guerra, inspirada no solo en los cómics para adultos de Crumb, sino en los trabajos de Harvey Pekar (American Splendor) y Gilbert Shelton (The Fabulous Furry Freak Brothers), así como en el popular dúo cómico Cheech & Chong. En esta película, Wood & Stock son dos sobrevivientes de la vieja ola hippie e intentan, en la actualidad, revivir a su antigua banda llamada Chiquero Eléctrico, con el objetivo de superar sus dificultades económicas. A pesar de su falta de talento musical, su intervención en la televisión pública se convierte en un éxito inesperado, desatando una nueva ola de hippismo en las calles y un encuentro de Rê Bordosa (encarnada por la gran Rita Lee).
Como sucede con todo el trabajo de Angeli (quien supervisó la cinta de cabo a rabo), el humor corrosivo y políticamente incorrecto, así como los dibujos grotescos y exagerados, sirven para desarrollar una sátira social profunda y reflexiva.
18. PEQUEÑAS VOCES (2010)
Dir. Jairo Eduardo Carrillo, Óscar Andrade (Colombia)
El segundo documental animado en la historia del cine, luego de Vals con Bashir (2008) del israelí Ari Folman, fue también la primera película latinoamericana en 3D. Basándose en los datos suministrados por la UNICEF sobre un millón de niños desplazados en Colombia debido al conflicto armado, los directores Jairo Eduardo Carrillo y Óscar Andrade, inspirados en un cortometraje previo, recogen las voces y dibujos de cuatro niños víctimas de la violencia, para realizar una cinta estremecedora que logra transmitir la esencia honesta, esperanzadora y sencilla que caracteriza al mundo infantil.
Curiosamente, la cinta fue prácticamente ignorada por el público colombiano, a la vez que participó en el Festival de Cine de Venecia, obtuvo el premio India Catalina en el Festival Internacional de Cine de Cartagena y compitió en más de 40 festivales internacionales, conmoviendo a los jurados y críticos alrededor del mundo.
17. BOOGIE, EL ACEITOSO (2009)
Dir. Gustavo Cova (Argentina)
Roberto Fontanarrosa creó en 1972 a un veterano de Vietnam, asesino a sueldo y mercenario hiper violento, misógino, homofóbico, racista y misántropo, para una serie de tiras cómicas que parodiaba de una manera cáustica a los héroes norteamericanos de las películas de acción. Diez años después, su personaje se convertiría en todo un éxito, no solo en Argentina sino en toda Latinoamérica.
Gustavo Cova, a partir de un proyecto fílmico que inició el mismo Fontanarrosa y que quedó inconcluso debido a su muerte en 2007, incluyó muchas de las memorables situaciones de las mejores tiras, para armar una historia que involucra a un Boogie ya viejo, quien aquí traiciona al mafioso que lo contrató para matar a una testigo. El resultado es una cinta animada para adultos políticamente incorrecta que captura el lado oscuro de los personajes que interpretaron en el cine John Wayne, Humphrey Bogart, Clint Eastwood, Charles Bronson, Chuck Norris, Sylvester Stallone, Arnold Schwarzenegger y Steven Seagal, entre otros.
16. EL SANTOS VS LA TETONA MENDOZA (2012)
Dir. Alejandro Lozano, Andrés Couturier, Álvaro Curiel (México)
La primera cinta animada para adultos hecha en México está inspirada en la tira cómica creada por José Ignacio Solórzano y Trino Camacho en 1997 para el periódico La jornada y que, a su vez, es una parodia de El Santo, el legendario luchador mexicano también conocido como El enmascarado de plata, que también contó con su propia línea de cómics y películas.
Luego de realizar una serie cortos animados para el canal Locomotion, Alejandro Lozano, Andrés Couturier y Álvaro Curiel decidieron llevar al personaje a la gran pantalla. Lo más impresionante es el desfile de grandes talentos prestando sus voces para esta desquiciada cinta. Daniel Giménez Cacho (Zama, Memoria, Bardo) es El Santos, un luchador profesional enmascarado que no encuentra trabajo y que sigue enamorado de La Tetona Mendoza (la cantante de ópera Regina Orozco), quien lo ha mandado a volar. El prestigioso director Guillermo del Toro es Gamborimbo Ponx, el asistente de El Santos; y José María Yazpik (El atentado, Los amantes pasajeros) interpreta a El Peyote Asesino, el rival número uno del luchador.
La historia involucra zombies, una raza alienígena conocida como Las Poquianchis, un bar de strip tease, marihuana, fútbol y mucha lucha. Ver para creer.
15. MORTADELO Y FILEMÓN CONTRA JIMMY EL CACHONDO (2014)
Dir. Javier Fesser (España)
Francisco Ibáñez es el artífice de una de las mejores historietas españolas de la historia. Inspirada en series de televisión como El agente de C.I.P.O.L., El Supergaente 86 y El inspector de la Pantera Rosa; en personajes icónicos del género de espías y detectives como Sherlock Holmes y James Bond; y en los dúos de humoristas como Laurel & Hardy, Abbott y Costello y Dean Martin y Jerry Lewis, Mortadelo y Filemón siempre se ha caracterizado por un ritmo frenético que no deja respirar y un ingenioso humor que bebe del slapstick, el juego de palabras, lo escatológico y lo surrealista.
Esto no se había podido traducir muy bien en las dos películas animadas, en la serie de cortos, en el programa animado de televisión y en las dos cintas de acción real previas. Sin embargo, el director Javier Fesser (Campeones) logró un milagro con la tercera película animada, en donde el par de espías se enfrentan a un villano bombafílico que homenajea a Marty Feldman y con un nombre que no pertenece al cine infantil (en México y Latinoamérica fue cambiado por Jimmy el locuaz ¡y es que de cachondo a locuaz hay mucho trecho, tío!). Al mismo tiempo, Tronchamulas, un antiguo enemigo busca hacerle el “aquello” a Filemón (no pregunten).
Como dato curioso, existe una maravillosa película biográfica llamada El gran Vásquez (2010) en la que Santiago Segura interpreta al historietista Manuel Vásquez, autor de Anacleto, La familia Cebolleta y Las hermanas Gilda, además de ser amigo y colega de Ibáñez (Manolo Solo).
14. UNA PELÍCULA DE HUEVOS (2005)
Dir. Gabriel Riva Palacio Alatriste, Rodolfo Riva Palacio Alatriste (México)
La página Huevocartoon.com.mx, lanzada en 2002, fue el punto de partida de uno de los primeros proyectos de La Comunidad Huevo, la empresa de animación fundada por Gabriel Riva Palacio Alatriste para la internet. Con un rápido crecimiento, el sitio alcanzaría tres millones de visitas en sus primeros tres meses, superando todas las expectativas de sus creadores. Nada mal para una empresa que contaba con tan solo dos computadoras para desarrollar todas sus animaciones.
Con un presupuesto millonario y más de 100 dibujantes, se estrena cuatro años después Una Película de Huevos, protagonizada por Toto, un huevo que aspira a convertirse en un pollo de granja. Adaptando su humor para adultos, satírico y políticamente incorrecto para un público de todas las edades y sin perder un ápice de energía y sentido de la hilaridad, la cinta fue todo un éxito comercial que llevó a cuatro secuelas (Las igualmente divertidas Otra película de huevos y un pollo, Un gallo con muchos huevos, Un rescate de huevitos y Huevitos congelados). No se debe descartar a Marcianos Vs. Mexicanos (2008), una alucinante cinta animada para adultos que fue rechazada por el público por no pertenecer a la saga oval, pero que goza de un merecido estatus de culto.
13. PLANETA 51 (2009)
Dir. Jorge Blanco, Javier Abad, Marcos Martínez (España)
Esta cinta animada realizada con talento español (y el guionista de Shrek) contó con las voces de Dwayne Johnson, Gary Oldman y John Cleese en su versión original en inglés y demostró que la animación hecha en España podía competir hombro a hombro con los estudios Pixar y DreamWorks en términos de calidad y belleza. Momias (2023) de Juan Jesús García Galochaes, es otro claro ejemplo de ello.
En esta inversión de la historia de E.T. El extraterrestre, un astronauta estadounidense llamado Chuck Baker (Johnson) llega a un planeta más allá del sistema solar y se convierte en el amigo de Lem (Justin Long), un astrónomo de color verde y pequeña estatura, que habita en un mundo que nos recuerda a los Estados Unidos de los años cincuenta con todo y un general intolerante (Oldman) dispuesto a acabar con los alienígenas.
Esta clara alegoría al macartismo que rechazaba los modos de actuar y pensar diferentes, no llega al estatus de clásico de El gigante de hierro o Los increíbles, pero sí es una de esas cintas animadas extraviadas en el tiempo que cuando se descubren, terminan convirtiéndose en una grata sorpresa.
12. LAS AVENTURAS DE TADEO JONES (2012)
Dir. Enrique Gato (España)
Una de las películas animadas hecha en España más taquillera de todos los tiempos, Las aventuras de Tadeo Jones puso a este país en un lugar destacado dentro de este tipo de cine. Nada mal para una historia que se inició con la terrible cinta animada Garbancito de la Mancha de 1945.
Enrique Gato, creador y director de la saga de Tadeo Jones (y de la también exitosa Atrapa la Bandera), realiza una especie de homenaje a Indiana Jones con mucho amor, humor, ritmo e imaginación. Sus dos secuelas Tadeo Jones: El secreto del Rey Midas (2017) y Tadeo Jones: La tabla esmeralda (2022), también dirigidas por Gato, son tan buenas como la original y se podría pensar que inclusive superiores, debido a una considerable y progresiva mejora en la calidad de la animación. Si usted es amante de las aventuras de Harrison Ford en las películas de aventuras creadas por George Lucas y Steven Spielberg, este puede ser un grato descubrimiento como lo será Planeta 51 para los amantes de la ciencia ficción. Por cierto, David Alonso, uno de los animadores de Planeta 51, fue también el codirector de la segunda entrega de Tadeo Jones. Todo queda en familia.
11. VIRUS TROPICAL (2017)
Dir. Santiago Caicedo (Colombia)
Si existe algo como “animación feminista”, uno de los mejores ejemplos lo encontramos en Virus tropical, la adaptación de la novela gráfica del mismo nombre, escrita y dibujada en el 2011 por Paola Andrea Gaviria Silguero, una mujer de origen ecuatoriano y colombiano, mejor conocida bajo el seudónimo de Power Paola.
Al igual que Marjane Satrapi (Persépolis) y Julie Doucet (Dirty Plot), Power Paola utiliza el lenguaje del cómic para realizar una autobiografía, en la que nos cuenta de una manera sincera, catártica y sin restricciones, sobre la dinámica disfuncional de su familia, la relación con sus hermanas, su despertar sexual, sus sueños y aspiraciones.
El director Santiago Caicedo (quien debutó con este largometraje), sabiamente trabajó en conjunto con Power Paola en la versión animada de su cómic y el resultado es una adaptación muy respetuosa en relación con la fuente original en términos de forma y contenido. Caicedo comprendió que el éxito de las versiones cinematográficas de Persépolis y Sin City, radicó en la estrecha colaboración entre el autor del cómic y el director de la cinta.
La falta de fuerza en la caracterización de algunas de las voces y algunos momentos que se dilatan sin necesidad (un defecto que posee el mismo cómic), se compensan con unos dibujos feos, crudos y grotescos, en la tradición de la animación para adultos de MTV como Beavis & Butt-Head o The Head característicos de la década de los 90 en la que vive su juventud Power Paola, los cuales se convierten en un medio muy efectivo para contar esta historia tan humana y emotiva. Virus Tropical no es una película perfecta, pero sí es una obra que logra tocar el corazón y que abre una ventana muy personal, para que podamos espiar en ese fascinante mundo de la psique femenina.
10. BUÑUEL EN EL LABERINTO DE LAS TORTUGAS (2018)
Dir. Salvador Simó (España)
Basada en la novela gráfica homónima de Fermín Solís, que a su vez está inspirada en un episodio real de la vida del famoso cineasta español Luis Buñuel, la historia de esta cinta animada se centra en la relación entre Buñuel y el escultor Ramón Acín, quienes se embarcaron en la producción de la película documental Las Hurdes, tierra sin pan en 1933, durante la etapa inicial de la carrera cinematográfica de Buñuel, cuando este era un joven y ambicioso director.
El título hace referencia al proceso creativo de Buñuel, simbolizando los desafíos y obstáculos que enfrentó en su búsqueda artística. La película utiliza la animación de una manera evocadora para capturar la atmósfera surrealista característica de las obras de Buñuel y para explorar la complejidad de su mente y su visión única del cine, de ahí su enfoque introspectivo. El director Simó nos permite mirar al interior del cineasta, ofreciendo una perspectiva íntima de su personalidad y dilemas creativos.
9. DISPARARON AL PIANISTA (2022)
Dir. Javier Mariscal, Fernando Trueba (España, Brasil)
La música jazz y la animación se fusionan en la segunda colaboración entre Fernando Trueba (Belle Epoque) y Javier Mariscal, en una carta de amor que le rinde tributo al bossa nova y que a su vez examina el asesinato de un músico ocurrido durante el ascenso de los regímenes fascistas de América Latina en los años 70.
Presentada como un documental animado, esta cinta con un título robado a un clásico de Truffaut se centra en el pianista brasileño Francisco Tenório Júnior, desaparecido en Argentina en 1976, y sigue a un periodista ficticio de Nueva York, (con la voz de Jeff Goldblum), que investiga la verdad detrás de su desaparición. A pesar de la disonancia entre la atmósfera pacífica creada por la bossa nova y los relatos de terror político que aquí se narran, la película de Trueba y Mariscal logra armonizar en una obra llena de contrastes: colores vivos y claroscuro, realidad y ficción, vida y muerte, amor y odio, música y balas.
8. EL LIBRO DE LA VIDA (2014)
Dir. Jorge R. Gutiérrez (México)
Antes de Coco, Guillermo del Toro y Jorge R. Gutiérrez, nos entregaron este homenaje a la cultura mexicana, especialmente la celebración del Día de los Muertos, que tiene como protagonista a Manolo Sánchez (Diego Luna), un joven torero que, a pesar de las expectativas de su familia, tiene una enorme pasión por la música y la guitarra. Después de un giro inesperado de eventos, Manolo se embarca en una emocionante aventura a través de dos mundos, el de los vivos y el de los muertos, para enfrentar desafíos y descubrir el verdadero significado del amor y el sacrificio.
Lo que destaca a El libro de la vida es su vibrante diseño visual, inspirado en las tradiciones artísticas y culturales mexicanas (así como en la estética particular de Guillermo del Toro) además de contar con una banda sonora encantadora que incorpora canciones populares y clásicos, agregando aún más capas a la bella experiencia cinematográfica.
7. METEGOL (2013)
Dir. Juan José Campanella (Argentina)
Luego de consagrarse como director, gracias a una trilogía de clásicos del cine argentino protagonizados por Ricardo Darín (El hijo de la novia, Luna de Avellaneda y El secreto de sus ojos), Campanella decide darle rienda suelta a su pasión por el fútbol y sorprender tanto a la crítica como al público, con una entretenida cinta animada que se centra en la historia de Amadeo, un joven apasionado por el deporte y un hábil jugador de metegol (también conocido como futbolín). La trama toma un giro fantástico cuando los jugadores de metegol cobran vida y ayudan a Amadeo en su lucha contra un malvado empresario que intenta destruir su pequeño pueblo para construir un gigantesco estadio de fútbol.
Metegol es una de las mejores películas sobre fútbol de todos los tiempos, algo que confirmó Carlos Cuarón, el director de Rudo y cursi, en una entrevista hecha para esta revista. El mismo Campanella, entrevistado posteriormente, se siente orgulloso del “partido final” de su película. Y no es para menos.
6. ARRUGAS (2011)
Dir. Ignacio Ferreras (España)
Basada en el cómic homónimo de Paco Roca, esta hermosa reflexión sobre el envejecimiento y la vejez sigue la historia de Emilio (Tacho González), un hombre mayor que es enviado a una residencia de ancianos por su familia, debido a los primeros signos de demencia. Allí, entabla una amistad con Miguel (Álvaro Guevara), otro residente que padece esquizofrenia. Juntos, enfrentan los desafíos y alegrías de la vida, mientras que Emilio lucha con su creciente deterioro cognitivo.
La animación de Ferreras utiliza un estilo sencillo pero efectivo, que logra comentar con honestidad, empatía y valentía sobre la inevitabilidad de la vejez y la importancia de la amistad en situaciones difíciles.
5. LA CASA LOBO (2018)
Dir. Joaquín Cociña, Cristóbal León (Chile)
Esta es quizás la cinta más oscura y estremecedora de este listado. Por medio del stop motion, conoceremos la historia de María, una joven que escapa de una colonia religiosa opresiva y que encuentra refugio en una misteriosa casa en el bosque. A medida que María explora la casa, eventos extraños y perturbadores comienzan a ocurrir, y la línea entre la realidad y la fantasía se desdibuja. La película, inspirada en la obra de los grandes de la animación para adultos cuadro a cuadro, como lo son Jan Svankmajer, los hermanos Quay y los hermanos Bolex, utiliza elementos de terror y surrealismo para crear una experiencia cinematográfica inmersiva y desconcertante.
Veremos como la casa en sí misma se convierte en un personaje central, transformándose de manera continua y reflejando los estados emocionales de María, además de adentrarnos, gracias a su tono expresionista, en temáticas psicológicas más profundas relacionadas con el control, la manipulación y la liberación personal.
4. 31 MINUTOS: LA PELÍCULA (2008)
Dir. Álvaro Díaz, Pedro Peirano (Chile)
¿Las películas de títeres y marionetas se consideran animación? Quien les escribe hará caso omiso del debate, ya que no quiere dejar por fuera de este listado ese mágico y demente mundo creado por Álvaro Díaz, Pedro Peirano y Juan Manuel Egaña (mejor conocidos como Aplaplac), para la mítica serie infantil conocida como 31 Minutos.
La película del 2008 es una extensión del programa de televisión protagonizado por un grupo de marionetas creadas a partir de material reciclado y que integran el equipo de un noticiero. La trama de la cinta sigue al equipo mientras intenta salvar a su amigo Tulio Triviño, el cual ha sido secuestrado justo antes de la presentación de su más reciente producción televisiva.
Tanto la serie como la cinta se destacan por un estilo único y su capacidad para abordar temas actuales y satirizar a la cultura mediática de una manera ingeniosa, como solo los Muppets de Jim Henson lo lograron hacer. El tono irreverente y el humor elegante jamás decaen, así como el sentido del absurdo y las canciones inolvidables.
3. MI AMIGO ROBOT (2023)
Dir. Pablo Berger (España)
Un perro solitario del East Village ordena un kit para construir su propio robot compañero después de ver un infomercial. Eso es todo lo que hay que decir para ingresar a esta inolvidable experiencia animada sin diálogos. La soledad, el amor, la nostalgia y el respeto a la diferencia se tratan aquí de una manera tal que logran alterar los latidos de nuestro corazón. Su nominación a los premios Óscar de la Academia fue más que merecida.
2. CHICO & RITA (2010)
Dir. Fernando Trueba, Javier Mariscal, Tono Errando (España, Cuba)
La primera colaboración entre Fernando Trueba y Javier Mariscal, es una bellísima historia de amor entre Chico, un pianista talentoso, y Rita, una cantante con una voz extraordinaria. Ambientada en los años 40 y abarcando diversas locaciones como La Habana, Nueva York, París y Las Vegas, la cinta de animación artesanal no solo se centra en la relación romántica entre sus dos protagonistas, sino que también captura la vibrante escena musical de la época y presenta actuaciones de músicos reales como Bebo Valdés y Freddy Cole, lo que agrega autenticidad y riqueza a la mágica experiencia cinematográfica.
1. ¡VAMPIROS EN LA HABANA!
Dir. Juan Padrón (Cuba)
Dirigida por uno de los más grandes animadores en la historia del cine y la televisión hispanoamericana (Juan Padrón es el autor de Elpidio Valdés y los cortos animados de Mafalda), esta cinta conjuga todos los intereses del cine animado de nuestras latitudes, desde que Quirino Cristiani conjurara a El apóstol.
Esta graciosísima sátira política para adultos sigue a Pepé, un trompetista cubano, que se ve en medio de una conspiración que gira en torno a “Vampisol”, un ungüento que permite a los vampiros soportar la luz del sol. Este descubrimiento despierta el interés de vampiros de todo el mundo, incluyendo a la mafia vampírica estadounidense. La historia se complica con enredos amorosos y situaciones cómicas, mientras los vampiros intentan apoderarse del preciado producto.
Bien podría pensarse en ¡Vampiros en la Habana! como el equivalente animado de Memorias del subdesarrollo (1968) de Tomás Gutiérrez Alea. Su sentido de la denuncia jamás opaca su sentido del humor, y la peculiar mezcla de vampirismo, musical, comedia de enredos y cinta de espías, mejora con el paso de los años. Tuvo una secuela muy entretenida, pero esta es, sin discusión, la obra maestra definitiva de la animación hispanoamericana.
DE TURISMO ANIMADO POR HISPANOAMÉRICA
Diez películas animadas Made in USA que se desarrollan por nuestras latitudes:
10. RIO (2011) Dir. Carlos Saldanha (Brasil)
9. FERDINAND (2017) Dir. Carlos Saldanha (España)
8. CAMINO HACIA EL DORADO (2000) Dir. Bibo Bergeron, Don Paul, Jeffrey Katzenberg (España, Cuba)
7. SALUDOS AMIGOS (1942) Dir. Norman Ferguson, Wilfred Jackson, Jack Kinney, Hamilton Luske, Bill Roberts (Perú, Chile, Argentina, Brasil)
6. LOS TRES CABALLEROS (1944) Dir. Norman Ferguson (Brasil, México)
5. LAS LOCURAS DEL EMPERADOR (2000) Dir. Mark Dindal (Perú)
4. UP (2009) Dir. Pete Docter, Bob Peterson (Venezuela)
3. MOANA (2016) Dir. Ron Clements, John Musker (Polinesia chilena)
2. COCO (2017) Dir. Lee Unkrich, Adrián Molina (México)
1. ENCANTO (2021) Dir. Byron Howard, Jared Bush, Charise Castro Smith (Colombia)
