Desde la radio dentro del juego hasta los temas que musicalizan la finales más épicas, estas son algunas de las canciones que redefinieron el lugar de la música popular en los videojuegos.
Cuando los videojuegos todavía estaban en pañales, la música ya estaba ahí, creando una sensación de inmersión y colaborando con la construcción del mundo del juego. Desde el tema de Super Mario Bros del compositor Koji Kondo hasta el contagioso “Korobeiniki” de Tetris, el sonido de los videojuegos a menudo es tan memorable, si no más, que su aspecto visual.
Y si bien las canciones de videojuegos han recorrido un largo camino en el último medio siglo, hasta volverse más parecidas a la música para cine, hay otro tipo de música de videojuegos con mucho impacto en la experiencia de usuario y que creció un montón desde los años 1990: la banda sonora con licencia.
La idea se remonta a 1982, cuando Journey hizo una versión 8 bits de “Don’t Stop Believin’” para el juego Journey Escape (del Atari 2600). Apenas una década después, con la llegada de consolas domésticas como Sega CD y Sony PlayStation, la capacidad de sumarle música pop a los videojuegos saltó más allá del sonido MIDI más bien cuadrado de los comienzos al ámbito del audio de alta calidad.
Algunos juegos son sinónimo de una sola canción, como Twisted Metal: Black (2001), cuyo uso de “Paint It Black” de los Rolling Stones en los créditos iniciales deja establecido, en un par de compases, el tono de toda la serie. En otros casos el relato siguen una estructura compositiva increíble, detallada sobre el mapa del juego con gran precisión y con la capacidad de sumarle mucha intensidad a un momento narrativo particular, como la inesperada tristeza que le da “Unshaken” de D’Angelo al clímax de Read Dead Redemption 2.
Una banda sonora realmente excelente logra entrelazarse a lo largo de toda la experiencia de maneras que la hacen esencial para la identidad del juego. Pasar horas inmersos en el mundo de un juego a menudo conecta profundamente a los jugadores con temas específicos y puede acercar a las nuevas generaciones a canciones que de otro modo nunca habrían conocido.
Pero al momento de clasificar a las mejores bandas sonoras de videojuegos, tenemos que aclarar algunos parámetros. Para compilar la lista buscamos juegos que tienen, como mínimo, un tema famoso en la banda sonora. Y dejamos afuera a las franquicias deportivas anuales, que incluyen una cantidad de canciones que fueron populares en sus respectivos años. (Además, hay demasiadas entregas de FIFA o NBA 2K para clasificar). Tampoco incluimos juegos basados en hacer música o bailar, cuya misma premisa es la música pop (disculpen, fans de Guitar Hero).
Dicho esto, ahora sí, esta es la selección de Rolling Stone de las 25 mejores bandas sonoras de videojuegos todos los tiempos.
25. Motosierra Lollipop – 2012
Todo buen pastiche necesita una banda sonora adecuada, y Lollipop Chainsaw ofrece las dos cosas con creces. Dirigido por el diseñador japonés Goichi Suda (bajo el alias Suda51) y coescrito por el director de Guardians of the Galaxy, James Gunn, el juego se remonta a las raíces de Suda como director de películas clase B de la productora Troma, y cuenta la historia grotesca y sangienta de Juliet, una porrista que pasa su cumpleaños número dieciocho luchando contra el apocalipsis zombie con la parlanchina cabeza de su novio colgada a la altura de su pollerita tableada.
Una onda retro invade el juego desde la pantalla de títulos, cuando suena “Cherry Bomb” de Joan Jett and the Blackhearts. La música fue seleccionada para enfatizar el aspecto enfermito del juego, que el compositor y líder de Mindless Self Indulgence, Jimmy Urine, describió como “una maldita locura”.
Y es una locura, sí: las canciones que acompañan el despliegue de los menús, los minijuegos y las finales van desde hits como “Hey Mickey” de Toni Basil y “Lollipop” de The Chordettes hasta tanques de la radio muy apropiados para la época, como “Riot Rhythm” de Sleigh Bells.
Canción para el streaming: “Cherry Bomb”, Joan Jett & The Blackhearts
24. Crazy Taxi – 1999
Que la banda sonora de un juego sea muy buena no significa que tenga que ser larga. Crazy Taxi de Sega es el ejemplo perfecto de cómo utilizar solo un puñado de temas con licencia para lograr el máximo efecto.
Comenzó como un juego de arcade antes de ser adaptado para Dreamcast, la consola de Sega. El juego está diseñado para sesiones rápidas y moviditas: los jugadores controlan un taxi loco que debe recoger a los pasajeros a un ritmo muy fuera de quicio. El frenesí lo marca una banda sonora muy punk, con solo siete canciones de dos bandas: The Offspring y Bad Religion. Pero en Crazy Taxi, menos es más.
Veinticinco años después, los fans del juego todavía recuerdan la intro con la letra de “All I Want” de The Offspring. Pero muchos están decepcionados, porque hubo problemas de derechos de autor que forzaron a las últimas adaptaciones y remakes para celular a omitir los mejores temas. Y la experiencia Crazy Taxi no es igual sin los icónicos aullidos de Dexter Holland gritando “¡sí, sí, sí, sí, sí!”.
Canción para el streaming: “All I Want”, The Offspring
23. Bioshock Infinite – 2013
Una de las mejores formas de ponerle una música muy conocida a un juego sin alterar su propia atmósfera es utilizarla como separador, o como música diegética dentro de las escenas representadas. Bioshock Infinite, el FPS estilo steampunk de Irrational Games, combina estas dos estrategias para infundirle un aire asincrónico y siniestro a su mundo de ciencia ficción, ambientado en 1912 en una ciudad-estado ficcional que se levanta en pleno cielo.
El creador Ken Levine y el director musical Jim Bonney originalmente buscaron usar música apropiada para la época, pero tuvieron dificultades para encontrar música con la solemnidad histórica adecuada y una calidad de audio moderna.
“Es muy difícil encontrar música de esa época que suene bien para el oído moderno”, le dijo el creador Ken Levine a Wired en los días del lanzamiento del juego. Por eso, optaron finalmente por dar versiones anticuadas de temas como “Girls Just Want to Have Fun” de Cyndi Lauper y “Shiny Happy People” de REM, que suenan a todo volumen desde un gramófono.
Canción para el streaming: “Fortunate Son”, de Jessy Carolina (cover de Creedence Clearwater Revival)
22. Forza Horizon 5 – 2021
Forza Horizon 5 te muestra la forma más simple de insertarle música pop a un videojuego: agregarle una radio. Y acá tenés ocho emisoras de radio diferentes con más de 100 canciones, así que es prácticamente imposible cansarse. Los géneros incluyen punk, dance, hip-hop y, por supuesto, música clásica.
Tres años tardó en completarse la mezcla ecléctica de los temas que aparecen en Forza Horizon, según el diseñador de sonido Fraser Strachan. El resultado es una banda sonora que se adapta muy bien a la franquicia en general tanto como al entorno de México.
”La curaduría musical es, por lejos, la tarea más desafiante y más minuciosa de todo lo que hacemos con cada juego”, dijo en una entrevista de 2021 con A Sound Effect. “Queríamos llenar cada una de las radios con una colección de música que sonara auténticamente mexicana”.
Cada lanzamiento de Forza ofrece una nueva colección de música, y elegir cuál es la mejor es, principalmente, tarea y gusto del jugador. Para nosotros, la quinta entrega presenta la lista de canciones más sólida hasta ahora. Eso, y un mundo abierto de una jugabilidad que está entre lo mejorcito jamás producido para el género, les permite a los jugadores pasear por una versión ficcional de la costa de México, saboreando el atardecer con la radio a todo volumen.
Canción para el streaming: “Heat Waves (Shakur Ahmad Remix)”, Glass Animals, Shakur Ahmad
21. Midnight Club Los Angeles – 2008
Otro juego de carreras de una saga venerable, Midnight Club: Los Angeles tiene un tono diferente al de Forza Horizon. Producida por Rockstar San Diego, la serie Midnight Club se centra en picadas en calles oscuras que recuerdan más a las primeras películas de Rápido y furioso que al esplendor descomedido de Forza.
En el momento de su lanzamiento en 2008, no había nada parecido a la franquicia Midnight Club. A los ojos del equipo de Rockstar, el juego llenó un vacío dejado por otros juegos de carreras: realmente no existía un juego que tuviera ese nivel de realismo, detalle y, también, fantasía. En una entrevista con IGN, el entonces productor de la serie Jay Panek dijo que los otros juegos de carreras de la época eran “aburridos, sin onda y, en general, algo carente de cualquier cualidad imaginativa”. Para evitar esa sensación de monotonía fue que decidió imbuir su visión del género con música que emparde la energía de esas aceleradas bestiales.
Los fans dicen que esta edición le compite, en un duelo muy cerrado, a otro lanzamiento del mismo juego, Midnight Club 3: Dub Edition. Nosotros le damos ventaja a Los Ángeles por su variada mezcla de beats de alto octanaje en todos los géneros, con artistas que van desde Nine Inch Nails, MGMT y Justice hasta Nas, Jeezy y The Game. No importa qué canción suene, seguramente te vas a sentir como si estuvieras jugando una mejor versión jugable de Rápido y furioso que cualquiera de los intentos de adaptar la franquicia cinematográfica al joystick.
Canción para el streaming: “Kicking and Screaming”, The Presets
20. Watch Dogs 2 – 2016
La saga Watch Dogs de Ubisoft es una variante particular del género de juegos de acción y aventura de mundo abierto. Aquí, vas a meterte en un mundo de células hacktivistas que se enfrentan con corporaciones fascistas y totalitarias poniendo en juego las artes del ocultamiento, la piratería y el uso de armas de fuego. Para evocar ese espíritu rebelde, la banda sonora ofrece una mezcla agresiva y pegadiza de electrónica y hip hop junto a canciones de rock clásico y punk más retro que le ponen color a la temática criptoanarquista del juego.
Gran parte de la diversión en Watch Dogs 2 radica en las formas cada vez más ridículas en las que los jugadores pueden hackear los autos, drones y dispositivos personales de otras personas. Por supuesto, eso se extiende a la radio del juego, donde los jugadores pueden usar “SongSneak”, una aplicación de piratería inalámbrica claramente inspirada en Shazam para captar las canciones del entorno y robarlas para su propia playlist. Los productores explican estos detalles como un homenaje al “espíritu bufón” del hacktivismo.
Con una amplia banda sonora que incluye música de artistas como Duran Duran, Giorgio Moroder, Big Sean, Dead Kennedys, Ty Dolla $ign y Sublime, hay muchos temas para “piratear” a lo largo del juego en nombre del anarquismo bufón.
Canción para el streaming: “Blockbuster Night Part 1”, Run the Jewels
19. The Last of Us Part II – 2020
Al pensar en la música de la serie The Last of Us de Naughty Dog, la mayoría se imaginaría los arreglos de cuerdas de Gustavo Santaolalla, cuyas partituras íntimas (para los juegos tanto como para la adaptación de HBO) son legendarias. Pero una de las partes más vitales del segundo capítulo de esta saga es en realidad, su uso efectivo de la música con licencia.
Hay algunas canciones que suenan a lo largo del juego, incluido un fragmento de “It Was a Good Day” de Ice Cube. Pero el trabajo pesado lo hacen los actores Troy Baker y Ashley Johnson cuando sus personajes, los protagonistas Joel y Ellie, cantan versiones acústicas de canciones como “Future Days” de Pearl Jam y “Take On Me” de a-ha: momentos cruciales que consolidaron el lugar de esta saga lugar entre las más emocionales y conmovedoras de toda la historia.
Según el director del juego, Neil Druckmann, conseguir los derechos para usar los temas fue lo más fácil. Lo difícil vino después, al tratar de encontrar el tono adecuado para la versión más sombría de “Take On Me”. Con la ayuda de varios músicos, incluyendo a quien hoy es miembro de la banda Guns N’ Roses, Melissa Reese, Ashley Johnson tuvo que trabajar mucho para traducir una canción más bien alegre a la frecuencia emocional del juego.
La escena en la que Joel le enseña a Ellie a tocar la guitarra en un minijuego es de lo más importante de The Last of Us Part II, y sigue siendo uno de los mejores usos de la música pop como un material entretejido en la trama narrativa de un videojuego.
Canción para el streaming: “Take On Me”, Ashley Johnson (cover de a-ha)
18. Michael Jackson’s Moonwalker – 1990
OK, técnicamente se trata de dos juegos diferentes, ya que Sega desarrolló múltiples títulos basados en la película experimental Moonwalker (1988) de Michael Jackson: uno es un beat ‘em up para arcade y el otro un juego de plataforma para consola. Pero como ambos adaptan el mismo material y comparten algunas de las mismas canciones, los consideraremos en una entrada conjunta, como un homenaje a la obra del Rey del Pop.
Todas las versiones del juego están protagonizadas por el propio MJ, que cubre la parte de “Smooth Criminal” de la película. La jugabilidad responde respectivamente a los juegos de plataforma y los beat ‘em up tradicionales de la época, pero filtrados a través de la lente del extraño Peter Pan que es Jackson, incluida la capacidad de transformarse en un robot láser y recibir asistencia en el juego de su propio mono, Bubbles. También hay gloriosas versiones MIDI de varios hits, incluidos “Bad”, “Beat It” y, por supuesto, “Smooth Criminal”. El proyecto iba a iniciar una colaboración de varios tramos entre Jackson y Sega, incluido su trabajo posterior para Sonic the Hedgehog y su aparición en Space Channel 5. Aunque la participación del músico en la industria disminuyó a medida que Jackson se fue encerrando, después de la vorágine mediática que rodeó a las acusaciones de abuso sexual.
De todo ese trabajo que hizo Jackson con Sega, mucho quedó en el camino. Pero en su momento el cantante era conocido como un gamer muy apasionado. Su sala de juegos personal albergaba títulos como Crazy Taxi, Tekken 2 y la icónica versión gabinete de X-Men para seis jugadores. Moonwalker fue uno de los primeros juegos en mostrar hasta dónde podía llegar el cruce con la música, incluso considerando la tecnología limitada de la época.
Canción para el streaming: “Smooth Criminal” (versión: Sega Genesis, Michael Jackson)
17. Metal Gear Solid V: The Phantom Pain – 2015
El director de Metal Gear Solid, Hideo Kojima, fue considerado durante mucho tiempo un verdadero auteur, y lo más parecido que tiene la industria a un ícono nivel Scorsese. Pero con la última entrega de esta exitosa franquicia, también presentó su amor por el rock y el pop de una época apropiada para el juego, que está ambientado en 1984.
El entusiasmo de Kojima por el rock clásico influye en su narración de maneras sorprendentes. En una entrevista con Siliconera poco después del lanzamiento del juego, admitió que el nombre de la compañía militar privada que está en el centro de la historia es un homenaje a la canción de David Bowie, “Diamond Dogs”. Pero armar la banda sonora del juego fue todo un tira y afloja con los miembros más jóvenes de su equipo.
”Los miembros de mi equipo siempre me rechazan”, dijo. “Soy el único anciano que anda dando vueltas en el lugar, así que la mayoría no me entiende”.
La música con la que pudo convencerlos, dentro del juego, se puede obtener en casettes coleccionables. Y se puede reproducir a través de un “iDroid” (¡chiste no sutil!). El juego presenta temas desbloqueables de los años 1980, incluido “Friday I’m in Love” de The Cure, “Love Will Tear Us Apart” de Joy Division y “Rebel Yell” de Billy Idol. A pesar de estar relegada a los bonos, la música con licencia logra enmarcar fielmente el mundo del juego dentro de una línea de tiempo, que en sí misma podría ser un poco difícil de seguir. Y también le aporta a la mezcla otra capa de la obsesión por la cultura pop global de su creador.
Canción para el streaming: “Gloria”, Laura Branigan
16. Fallout: New Vegas – 2010
Cualquiera que haya jugado Fallout (o haya visto su adaptación en Prime Video) sabe que parte de su extraño encanto es el toque retro-futurista aplicado a un ambiente de páramos desolados. Una gran parte del trabajo lo hace la música, que a menudo se inclina hacia melodías muy antiguas como “I Don’t Want to Set the World on Fire” de The Ink Spots, en Fallout 3, por ejemplo. Fallout: New Vegas lleva el mismo principio mucho más allá.
Para este capítulo de la saga, los desarrolladores de Obsidian querían llevar la música en una nueva dirección. Con un equipo que trabajó originalmente en los primeros juegos de Fallout (1 y 2), se tuvo especial cuidado en que la banda sonora fuera mucho más allá de lo que habían explorado previamente, sin dejar de ser estrictos en cuanto a la época de la que se podía sacar cada canción.
”Estuvo bien porque ya habíamos cubierto los años 1950 con Fallout 1 y Fallout 2”, le dijo el director Josh Sawyer a USgamer. “Así que avanzar un poco hacia los años 1960 no me pareció mal. Era como, ‘ok, seguimos desde donde dejamos en Fallout 2’. Y nos aventuramos en una década nueva. El límite que me puse fue el asesinato de Kennedy. No podíamos usar música ni nada más allá de ese punto”.
Considerando la particularidad del entorno de New Vegas (el desierto de Mojave, con partes en ruinas de la calle principal de Las Vegas que se llegan a ver), el juego hace uso de su ubicación privilegiada para darle lugar a una versión estilizada y a la vez más sórdida del Rat Pack: compases suaves de Frank Sinatra, Dean Martin y Nat King Cole sobre una base de estética cowboy de gente como Peggy Lee.
Es algo distinto de la típica banda sonora de Fallout, pero conserva la esencia de todo lo que los fans aman de la saga.
Canción para el streaming: “Johnny Guitar”, Peggy Lee
15. Def Jam Vendetta – 2003
Para decirlo fácil y pronto: ya no se hacen juegos como Def Jam Vendetta. Claro, sí, en todas partes, desde Call of Duty hasta Fortnite, vemos a artistas famosos que son usados como máscaras de combate. Pero la audacia de un juego de lucha libre protagonizado por raperos de la vida real que se golpean hasta quedar groguis ya es parte de una era pasada.
Por ridícula que fuera la premisa del juego, quienes lo hicieron se tomaron el proceso muy en serio. Como uno de los líderes creativos detrás del juego, el ex presidente de Def Jam, Kevin Liles, se comprometió a honrar el hip-hop y ponerle cuerpo y veracidad al juego.
”No podía imaginarme, en ese momento en particular, haciendo un juego que no fuera auténtico para la cultura, desde los artistas que aparecen hasta la ropa y los movimientos de los personajes”, dijo en una entrevista con Okayplayer. “Estos artistas estaban en nuestro sello o eran amigos en la industria. Además, diría que el 95 por ciento eran gamers.”
Aprovechando la presencia de pesos pesados como DMX, Funkmaster Flex, Ludacris y una combinación de Redman y Method Man entre los personajes, la banda sonora está repleta de temas de rap y hip-hop de la época, incluidos “Party Up” de DMX, “Focus” de Joe Budden y “The Grain” de Ghostface Killah con RZA. En ese momento era raro ver este nivel de sinergia entre la aparición de artistas icónicos en el juego y la banda sonora. Y es algo que se ve aún con menos frecuencia hoy en día.
Canción para el streaming: “Party Up”, DMX
14. SSX on Tour – 2005
Los fans de esta ya desaparecida franquicia de snowboard podrán debatir todo el día qué juego de la saga tiene la mejor banda sonora. Y todos van a tener su parte de razón. Aunque SSX Tricky de 2001 pueda ser el más famoso debido a la canción principal, “It’s Tricky” de Run-DMC, fue con la cuarta entrega de la serie, SSX on Tour, que la banda sonora del juego exploró horizontes nuevos.
A diferencia de los juegos anteriores de la saga, que se centraban más en el breakbeat y el tecno, SSX on Tour se expandió hacia el pop, el rock alternativo, el rap, el punk y el metal, algo que ya queda claro en la canción principal, “Run to the Hills” de Iron Maiden. Con música de artistas como Diplo, Bloc Party, Pennywise y OK Go, su jugabilidad de vértigo y su rapidez de arcade se vuelven todavía mejor con un diseño musical completamente fuera de lo común.
El cambio de tono tuvo como el objetivo deliberado de acercar a jugadores que estaban alcanzando la mayoría de edad en el momento del lanzamiento de SSX on Tour. Al respecto, los desarrolladores del juego fueron bastante directos. El productor Tim Fields dejó constancia de que el objetivo era transformar la franquicia en algo “mucho más relevante culturalmente”.
”Los chicos de hoy, nuestros fans, están cambiando”, le dijo Fields a IGN en 2005. “La música tecno y todo lo que antes era genial ya no lo es tanto”. El resultado fue un sonido mucho más contundente que todo lo que habían hecho hasta el momento.
Song to stream: “Daft Punk Is Playing at My House”, LCD Soundsystem
13. Saints Row 2 – 2008
Hasta los más inquebrantables fans de este juego saben que es, esencialmente, la contracara boba y chifladita de Grand Theft Auto de la compañía THQ. Pero eso no lo hace menos genial. Imitando y exagerando la criminalidad del mundo abierto del GTA, los juegos de Saints Row también incorporan emisoras de radio en el juego, en las que los jugadores pueden encontrar el acompañamiento perfecto para la ultraviolencia sin sentido mezclada con hurtos menores.
Según el diseñador de sonido, Frank Petreikis, Saints Row 2 tenía un presupuesto que duplicaba el del juego original, lo que ayudó a asegurar una gran cantidad de música con licencia, para ponerle al juego una banda sonora impecable.
Muchos fans, en particular del Saints Row 2, sienten que la banda sonora es espectacular: con casi 170 temas con licencia, te forman una playlist con una combinación de artistas mainstream y del under que es prácticamente inmejorable. Artistas como Deftones, Panic! At The Disco, Young Jeezy, MSTRKRFT, and Tokyo Police Club… sería difícil argüir que la banda sonora no está bien curada, como mínimo.
Los capítulos de la saga que vinieron después profundizaron esta tendencia, con variable calidad. Pero el segundo episodio es el que se destaca muy por encima del resto como el favorito de los fans.
Canción para el streaming: “Street Justice”, MSTRKRFT
12. Rock n’ Roll Racing – 1993
Si tu juego nuevo se llama Rock n’ Roll Racing, bueno, ya sabés lo que te espera. Y es absolutamente genial. Desarrollado como uno de los primeros juegos de Silicon & Synapse (ahora Blizzard Entertainment), Rock n’ Roll Racing es un juego de combate al volante que enfrenta a los jugadores en una carrera mortal de autos locos, ambientada con versiones MIDI del tipo de hits de rock que te imaginabas, desde “Bad to the Bone” de George Thorogood hasta “Born to Be Wild” de Steppenwolf.
En los diarios de desarrollo de la empresa se señala que la idea original del cofundador Allen Adham para el juego era simplemente hacer una especie de juego de carreras basado en ZZ Top, pero la idea tuvo que ser rechazada porque la compañía no podía permitirse el lujo de licenciar la imagen de la banda. En su lugar, optaron por desarrollar su propia estética, combinada con sus propias versiones MIDI de otros clásicos del rock popular.
La inclusión de música mainstream en el juego influyó no solo sobre otros títulos de la época, sino también sobre los futuros miembros del equipo de Blizzard que eran chicos en el momento del lanzamiento de Rock n’ Roll Racing. En el mismo diario del desarrollador, el maestro de juegos de Blizzard, Angelo Cani, recordó su obsesión con los temas de rock del juego, a pesar de hablar un idioma completamente diferente.
”Nos gustaban las canciones y sabíamos que eran canciones famosas, pero no teníamos idea de los títulos”, dice el desarrollador. “Nací en Brasil, así que no tenía ningún conocimiento del inglés en ese momento. Como no podíamos identificarlos pero igual queríamos tener las canciones, fuimos a una disquería y nos pusimos a tararear nuestra propia versión 16 bits de ‘Born to be Wild’”.
Canción para el streaming: “Paranoid” (versión instrumental de la canción de Black Sabbath)
11. Need for Speed Unbound – 2022
Los juegos Need for Speed fueron durante mucho tiempo la principal franquicia de carreras y lo lograron gracias a una fórmula bien simple: ir lo más rápido que puedas y escaparte de la policía. Bajo la dirección de Criterion Games, que regresó a la serie después de una pausa de nueve años, Unbound toma una dirección notablemente diferente, enfocándose en la estética de las picadas callejeras, con mucho lenguaje grafitero y una banda sonora de todos los tiempos.
Antes de su lanzamiento, el juego armó lío en Reddit y YouTube. Los fans se pelearon cuando los jugadores más grandes rechazaron el nuevo tono y la banda sonora pesada de hip-hop encabezada por A$AP Rocky, mientras que los jugadores y fans más nuevos, y de mente más abierta hacia el hip-hop, adoptaron sin dudarlo a una de las bandas sonoras de videojuegos mejor seleccionadas de la historia.
El propio A$AP Rocky no solo integra la banda sonora, sino que aparece en el juego con su propio modo jugable. Además de él, la enorme lista de artistas incluye a Princess Nokia, Rico Nasty y Playboi Carti. De manera que el juego es una especie de quién es quién del hip-hop global, a la vez muy fiel al espíritu de las picadas ilegales de la serie.
”Underground fue como el juego favorito de todo el mundo”, le dijo A$AP Rocky a Rolling Stone. “Y creo que Unbound es la continuación de eso”.
Canción para el streaming: “Shittin Me”, A$AP Rocky
10. Burnout 3: Takedown – 2004
La mejor manera de describir la música de Burnout 3: Takedown es con las palabras del director creativo del juego, Alex Ward, que quería que la experiencia de los usuarios fuera como “esnifar una enorme cuchara de cocaína”.
Otro hit de Criterion Games, Burnout 3: Takedown, es considerado uno de los mejores juegos de su generación, punto. Con una mecánica de manejo trepidante, que enfatiza brutalmente los accidentes automovilísticos en cámara lenta, es el tipo de juego que infunde el temor de Dios en los jugadores a medida que van acelerando despacito, siempre a riesgo de perderlo todo.
Una gran parte de su energía y dinamismo proviene de la banda sonora del juego, que se inclina hacia el rock y el punk para brindar la máxima adrenalina al volante. La canción de apertura, “Lazy Generation” de The F-Ups, establece el tono y presenta los temas que fueron favoritos de la primera generación de Ipods de todos los adolescentes de clase media, incluidos New Found Glory, Yellowcard, Sugarcult y Funeral for a Friend.
”[Cuando] firmamos con Electronic Arts, de repente te enviaban un catálogo y podías elegir canciones reales vos mismo”, dijo Ward en una entrevista de 2016 con GamesRadar. “Si tenés la oportunidad, pregúntale a cualquier desarrollador del mundo, si tenés la chance de poner música de verdad en tu juego, probablemente lo vas a hacer”.
Canción para el streaming: “My Favorite Accident”, Motion City Soundtrack
9. Gran Turismo 2 – 1999
El último juego de carreras de nuestra lista, GT también es el ancestro de todos los otros. Cuando salió, a fines del siglo pasado, le dio un vuelco al género, con una decisión clave: dejar atrás el control flotante tipo arcade de los juegos más populares del género y crear en su lugar “el simulador de manejo definitivo”.
Con una presentación elegante, más adecuada para las exposiciones de automóviles que para la calle, GT estableció un nuevo estándar para el género, y eso incluía la música que lo acompañaba. Si bien muchos arcade de carreras de la época se inclinaban por un sonido glam metal exagerado, como mecanismo para enganchar al público, Gran Turismo 2 ofrecía temas del momento que resultaban familiares y mantenían el ritmo al volante.
La intro del juego es bastante directa: una apertura con imágenes de carreras mientras suena “My Favourite Game” de The Cardigans, de su cuarto álbum de estudio, acertadamente titulado Gran Turismo.
Por supuesto, Gran Turismo 2 también incluía temas de lo que hoy es rock para papás, como “My Hero” de Foo Fighters. Y también cosas más sexys como “I Think I’m Paranoid” de Garbage y una canción de Stone Temple Pilots que no es un error considerar un clásico: “Sex Type Thing”. Qué momento para estar vivo.
Canción para el streaming: “Now Is the Time (Millenium Mix)”, The Crystal Method
8. Brütal Legend – 2009
Muchos juegos tienen bandas sonoras fantásticas, pero pocos llegan al extremo de escribirle una carta de amor a un género como Brütal Legend de Double Fine Productions lo hizo con el metal. Con Jack Black de protagonista (“el mejor plomo del mundo”) en un mundo medieval de temática metalera donde ocurre una aventura fantasiosa, es lo más parecido a un videojuego legítimo de Tenacious D que existe (felicitaciones por el cameo de Kyle Glass). El juego incluso llega a incluir a leyendas de la música como Ozzy Osbourne (Black Sabbath), Lemmy Kilmister (Motörhead) y Lita Ford (The Runaways) en papeles importantes.
Parte del encanto del juego es el compromiso con su propia banda sonora original, bien curada para calzar en conjunto con los 107 temas con licencia. Todo eso convierte a este juego en el sueño hecho realidad de, bueno, los metaleros. Tim Schafer, el director creativo del juego, lo describió como un “caballo de Troya” para que las personas no metálicas se enamoraran del género. La banda sonora final de Brütal Legend es tan grandiosa que deja muy pequeño, en comparación, el alcance de las canciones que el equipo originalmente quería incluir.
”Nos dejamos llevar un poco porque nos estábamos divirtiendo mucho”, le dijo Schafer a Xbox Achievements en 2009. “Al principio hice una lista de mis canciones favoritas y las que quería tener en el juego. Cuando estuvieron aceptadas, pensé: “bueno, supongo que ya estamos”. Y nuestro director musical nos dijo: “Esperá, con eso cubrimos apenas el 10 por ciento del juego”.
Tenés canciones desbloqueables de Judas Priest, Children of Bodom, Mastodon, Manowar, In Flames… en resumen, un aquelarre metalero de todas las épocas.
Canción para el streaming: “Goliaths Disarm Their Davids”, In Flames
7. Grand Theft Auto V – 2013
En toda la historia de los videojuegos, puede que no haya una banda sonora tan ambiciosa como la de Grand Theft Auto V. Todo en el juego es enorme, desde su mundo abierto con muchas regiones hasta sus tres historias paralelas entrelazadas. Pero, estrictamente en el frente musical, la escala de la ambición es incomparable. El primer juego de la saga que utilizó su propia banda sonora original, con música compuesta por Alchemist, Oh No y Tangerine Dream en colaboración con Woody Jackson, GTA V abrió nuevos caminos para la serie con un arsenal de canciones producidas exclusivamente para el juego.
Pero, más allá de eso, todo el mundo conoce el GTA por su radios que, en este caso, cuentan con más de 441 temas licenciados procedentes de prácticamente todos los géneros imaginables. La playlist viene tan repleta que tuvo que salir a la venta dividida en cinco lanzamientos. La única crítica que uno podría hacer contra el juego es que casi tiene demasiada música, un enfoque “cuanto más mejor” que apunta a recrear el concepto de radio de Los Ángeles desde todos los ángulos imaginables, a diferencia de los juegos previos, que tenían música cuidadosamente seleccionada y periodizada.
”Para este juego, que está ambientado en nuestra versión de Los Ángeles, lo importante para nosotros era capturar esa sensación de Los Ángeles y California”, le dijo el supervisor de la banda sonora, Ivan Pavlovich, a Rolling Stone. “Nos enfocamos en la radio como el paisaje sonoro que te rodea mientras deambulás por Los Ángeles. Una de las cosas que nunca antes habíamos hecho era una radio de música pop, y explorar eso tenía mucho sentido en este contexto”.
Canción para el streaming: “ADHD”, Kendrick Lamar
6. Marvel’s Guardians of the Galaxy – 2021
Tomando una página de la trilogía Marvel Cinematic Universe de James Gunn, Guardians of the Galaxy recrea una ópera espacial en expansión con las melodías de un mixtape de rock clásico. Posiblemente el juego es todavía más efectivo en su narración gracias a sus tiempos de ejecución inmersivamente largos. Y fue un éxito sorpresa cuando salió en 2021, erigiéndose junto a las películas como una de las versiones definitivas del variopinto universo Marvel.
”La música definitivamente está fundida con el ADN de este juego”, le dijo Steve Szczepkowski, director de sonido, a Screen Rant en 2021. “Los Guardianes son prácticamente una banda de rock ‘n roll. un grupo de inadaptados que se encontraron y tienen un objetivo común”.
Merece crédito el innovador sistema de combate del juego, que se juega principalmente como un juego de acción en tiempo real hasta que los jugadores activan una acción de “reunión”, lo que ralentiza el tiempo y deriva en una secuencia de discursos motivadores del propio Star-Lord, y que después da lugar a escenas de combate extendidas con temas como “Wake Me Up Before You Go-Go” de Wham! o “Everybody Have Fun Tonight” de Wang Chung. Al igual que en las películas, el walkman de Star-Lord ofrece una excusa para que los temas con licencia aparezcan como música diegética, dándole forma a la acción en pantalla.
Y lo que hubiera podido ser un cringe total se convierte entonces en una de las experiencias más emocionantes de los juegos modernos. El juego también gana puntos extra por hacer uno de los mejores usos de “The Final Countdown” en la cultura pop.
Canción para el streaming: “The Final Countdown”, EUROPE
5. Hotline Miami – 2012
Pocos juegos en esta lista hacen tanto con tan poco como este hit de culto. Un shooter pixelado de arriba abajo, ambientado en los años 1980, musicalmente Hotline Miami evita el camino obvio de inclinarse sobre los temas pop de la época, y en lugar de eso sincroniza su jugabilidad espantosamente violenta con los sonidos synthwave oscuros y zumbantes que ponen a los jugadores en un estado de trance. Eso combinado con una estética de VHS y un relato minimalista, todo en un juego de disparos del género point and click (apuntar y disparar) y con una pátina de sordidez que te mete en la mente de un asesino de película clase B.
”No queríamos que la música fuera enervante. Queríamos algo más hipnótico, no un ritmo rápido”, dijo el codiseñador Jonatan Söderström en declaraciones a NoClip. Junto con Dennis Wedin, socio de Dennaton Games, Söderström encontró a la mayoría de los artistas que aparecen en la banda sonora en Soundcloud. Inspirándose en la banda sonora de Cliff Martinez para la película Drive, el dúo quería no solo recrear sus imágenes empapadas de neón sino también apoyarse en el sonido indie de la película. El resultado es una versión onírica de Drive que se acerca más a una pesadilla a medida que avanza el juego.
Con énfasis en temas de drum and bass muy hipnótico como “Hydrogen” y “Paris” de M|O|O|N, y con cambios ocasionales a beats más rápidos como “Miami Disco” de Perturbator, Hotline Miami es el tipo de juego donde, probablemente, entrás sin conocer a un solo artista en la banda sonora pero te vas con una playlist inolvidable en el bolsillo. El impacto de este titán de los juegos indie ha llegado a todas partes, con innumerables imitaciones durante la última década que intentaron recrear su encanto desquiciado.
Canción para el streaming: “Vengeance (The Return of the Night Driving Avenger)”, Perturbator
4. Grand Theft Auto: San Andreas – 2004
Para muchos fans, Grand Theft Auto: San Andreas es el pináculo de la serie. Un gran elogio para una saga en la que todos los juegos son, para empezar, buenísimos. Centrada en una historia estilo Boyz n the Hood en una versión ficticia del sur de California, San Andreas se convirtió en casi en un sinónimo de toda la industria de videojuegos contemporánea, con una visión muy innovadora de un microcosmos cultural específico de la costa oeste de principios de los años 1990.
”California tiene la mejor radio de todo Estados Unidos”, le dijo el cofundador de Rockstar Games, Dan Houser, a Eurogamer en 2004. “Tenía que parecer californiano, pero aun así muy fiel al estilo GTA”.
Si bien no es tan expansivo musicalmente como lo iba a ser el próximo capítulo, San Andreas explora aspectos de la cultura pop que rara vez aparecen en los juegos, y a menudo lo hace de una forma políticamente productiva. El juego también lleva el arte de la comunidad afrodescendiente a la cabeza de su banda sonora con una lista de canciones absolutamente enorme, que incluye nombres icónicos del hip-hop como Public Enemy, Gang Starr y Biz Markie, además de clásicos como los Isley Brothers, Rick James y Frankie Knuckles, sin olvidarse de Merle Haggard. Con una visión clara y un amplio trabajo preliminar, Grand Theft Auto: San Andreas iba a tener una de las bandas sonoras más influyentes de la historia.
Canción para el streaming: “BYS”, Gang Starr
3. Life Is Strange – 2015
Decididamente más discreta que casi cualquier otro juego de esta lista, la serie Life Is Strange de Dontnod Entertainment ofrece una alternativa oscura y meditativa a las contundentes bandas sonoras de la mayoría de los juegos AAA. Lanzado por episodios a lo largo de 2015, el primer capítulo de la saga es un juego de rompecabezas y exploración en tercera persona que se desarrolla de manera similar a una novela gráfica interactiva. La historia está centrada en una adolescente llamada Max, que regresa a la casa donde mataron a su amiga de la infancia. Dotada de la capacidad de manipular el tiempo, usa su poder para intentar cambiar el pasado, creando como resultado un efecto mariposa involuntario.
Alineada con la melancolía y el sesgo emocional del relato, la banda sonora de Life Is Strange tiene un toque único de música indie que rara vez se ve en juegos tan mainstream. Con temas como “Piano Fire” de Sparklehorse, “Kids Will Be Skeletons” de Mogwai y “Lua” de Bright Eyes, que marcan momentos conmovedores de la trama, el juego se hizo famoso por sus matices emocionales y vibraciones nostálgicas que sin duda inspiraron la tendencia reciente de los cozy games. El poder inherente de Life Is Strange como obra de arte está demostrando lo efectivos que pueden ser los juegos como medio para explorar el trauma, y cómo la música puede ser la clave.
”Desde los primeros prototipos del juego, usábamos temas musicales que ayudaban a definir el ambiente de las escenas y de todo el juego”, dijo Luc Baghadoust, el productor del juego, en una charla para Red Bull poco después del lanzamiento del episodio final. “Usar música con licencia es algo no tan común en los juegos, y fue una buena herramienta para crear un mundo consistente y realista, desarrollar personajes de acuerdo a sus gustos musicales y contar historias a través de cada tema”.
Canción para el streaming: “Mt. Washington”, Local Natives
2. Tony Hawk’s Pro Skater – 1999
Para los jugadores de cierta edad, la serie Tony Hawk’s Pro Skater de Neversoft fue la puerta de entrada a la música. El tandem original de Tony Hawk’s Pro Skater (1999) y Tony Hawk’s Pro Skater 2 (2000) salieron en el apogeo de la popularidad de la PlayStation, cuando muchos que ahora tienen treinta y tantos (o cuarenta y tantos) estaban en sus picos de rebeldía, y nada era mejor que pegarle al joystick para deslizarte suavemente en una pileta de cemento con los sonidos de Primus en los oídos.
”Las bandas sonoras están muy en línea con mis gustos musicales y mi historia, porque crecí haciendo skate”, dijo Tony Hawk en un podcast con Kerrang!. “La música punk estaba muy asociada con el skate en ese momento y muchas de las canciones de esas bandas sonoras eran canciones que escuchaba cuando salía con la tabla”.
De los dos, es terrible tener que elegir un favorito. Los fans lo vienen discutiendo enérgicamente hace veinticinco años. Obligados a elegir, el primer Tony Hawk’s Pro Skater se lleva la victoria por ser el capítulo inaugural de la saga, que iba a inspirar a una generación de fans con temas como “Police Truck” de Dead Kennedys y “Vilified” de Even Rude. Lo más importante: “Superman”. No se hable más.
Canción para el streaming: “Superman”, Goldfinger
1. Grand Theft Auto: Vice City – 2002
Y aquí estamos, en lo más alto de la música de videojuegos. Desde el primer trailer, con la música de “Act Like You Know” de Fat Larry’s Band, Grand Theft Auto: Vice City tenía una onda distinta. Si bien muchos juegos ambientados en un período incorporan los temas más sonados de esa época, Vice City recreó las barrabasadas típicas de los años 1980 en todo su esplendor.
“GTA: Vice City transporta a los jugadores al exceso bañado de neón de 1986, y tuvo un éxito fabuloso”, dijo Luke Reilly de IGN en 2023. “No son los pantalones color pastel, las calles bordeadas de palmeras o la vibrante banda sonora de época. Fueron todas esas cosas trabajando juntas para formar una cápsula del tiempo irresistiblemente inmersiva”.
El juego en sí puede parecer anticuado para los estándares actuales, pero en los felices días de 2002, parecía una revelación, especialmente después de la paleta apagada de Grand Theft Auto III. Y aunque los maestros de Rockstar Games hicieron un trabajo impresionante para recrear visualmente la estética ochentera de Miami Vice utilizando la tecnología de PlayStation 2, es la banda sonora del juego la que sirvió como abreviatura para afianzar instantáneamente a los jugadores en el tiempo del juego.
”[Vice City], quizás más que cualquier otro juego de GTA, trataba tanto de la época como del relato en sí”, le dijo la productora Leslie Benzies a Digital Trends en torno al décimo aniversario del juego. Para darle vida a la época del neón, el equipo de Benzies incluyó temas de todo el espectro musical como “I Wanna Rock” de Twisted Sister, “Billie Jean” de Michael Jackson y “I Ran (So Far Away)” de A Flock of Seagulls.
Para un juego creado para ser un simulador de crímenes, la banda sonora de Vice City da en el blanco, con un uso de la música con licencia jamás visto en un videojuego.
Song to stream: “Working for the Weekend,” Loverboy
