Contrario a los que muchos piensan, los álbumes de bandas sonoras de películas no surgieron en los años 80 y tampoco en los 70, sino desde que el formato de larga duración apareció masivamente en el mercado. La primera banda sonora realmente exitosa fue West Side Story de 1961, que se mantuvo en el primer lugar de los listados de Billboard por 54 semanas, y que invitaba a recrear toda la experiencia del fantástico musical dirigido por Robert Wise y Jerome Robbins, así como los scores lo hacían y lo siguen haciendo hoy en día (uno de los más populares de todos los tiempos es el de Star Wars a cargo de John Williams).
A finales de los 60, películas como The Graduate e Easy Rider cambiaron la forma en que se pensaba una banda sonora. La cinta protagonizada por Dustin Hoffman fue guiada específicamente por Simon & Garfunkel, abriendo las puertas para Elton John (Friends), los Bee Gees (Stayin’ Alive) o Prince (Purple Rain), por poner algunos ejemplos. En cambio, la banda sonora de la icónica cinta sobre motociclistas —protagonizada por Peter Fonda y Jack Nicholson— tuvo a diversos artistas con temas individuales para crear así la famosa compilación de éxitos pertenecientes a una película, estrategia que generó ventas millonarias en los años 80 y muchas bandas sonoras que superaron en calidad y longevidad a las cintas que musicalizaron (piensen en Flashdance, Footloose y Breakin’).
Para algunos expertos, como el escritor Ricardo Silva Romero, Martin Scorsese marcó el rumbo de las bandas sonoras que se convertían en puntos de encuentro para la melomanía y la cinefilia; en Mean Streets el legendario director hace sonar la música de los Rolling Stones, Eric Clapton, The Shirelles y The Marvelettes, entre otros. Las canciones reemplazaban la música incidental para conectarse profundamente con las escenas, y es memorable la forma en que Scorsese utilizó ‘Gimme Shelter’ en GoodFellas, Casino y The Departed.
Los años 90 representaron definitivamente la era de oro de las bandas sonoras. Casi cualquier película debía tener su correspondiente álbum de acompañamiento (incluso algunos estaban “inspirados” en la cinta, más sus cortes musicales no estaban incluidos en ella). Una de las más vendidas fue The Bodyguard, enfocada en una única artista, que en este caso protagonizaba la película. Whitney Houston logró con la melodramática ‘I Will Always Love You’ (reciclaje de una canción de Dolly Parton) el mayor éxito de su carrera. Lo mismo sucedió con la también edulcorada ‘My Heart Will Go On’, de Céline Dion, que no solo consagró a la cantante canadiense, sino que perteneció a una de las cintas más taquilleras de la historia.
En los 90, la industria discográfica vivió un auge impresionante gracias a las millonarias ventas que reportaban los discos compactos, y, en este formato, las bandas sonoras trajeron enormes ganancias en una dinámica que permitía a las grandes corporaciones, propietarias de disqueras y estudios cinematográficos, llenar sus bolsillos mientras estos CD pasaban a formar parte esencial en las vidas de millones de personas. Los formatos físicos (discos compactos, vinilos, casetes, cintas de VHS, y posteriormente los DVD) generaban rituales y puntos de encuentro que fueron desapareciendo más tarde con la llegada del streaming.
Más allá de la historia y del negocio, el fenómeno de las bandas sonoras en los años 90 nos dejó montones de grandes canciones exitosas que hoy nos siguen acompañando, ayudándonos a evocar los romances, las aventuras, los dramas y la magia de la gran pantalla. Este listado es un pequeño homenaje a esas historias, pero especialmente a su música.
Pretty Woman
Dir. Gary Marshall
1990
Julia Roberts se convirtió en superestrella con esta actualización de La Cenicienta, en la que el príncipe es un hombre de negocios en el reino capitalista de Manhattan, y la aspirante a princesa es una prostituta de buen corazón a la que el hombre contrata por una noche, y de quien queda perdidamente enamorado. El creador de Happy Days convierte lo que podría ser un relato sórdido, similar a los de Paul Schrader en Taxi Driver y American Gigolo, en un cuento de hadas urbano, romántico y ligero, que se sostiene gracias a la inmensa química entre Julia Roberts y Richard Gere.
Aunque resulta inolvidable la escena donde Roberts canta en la tina mientras escucha ‘Kiss’, de Prince, este no aparece en la exitosísima banda sonora, que incluye, en cambio, a Roxette, Natalie Cole, Red Hot Chili Peppers y, por supuesto, a Roy Orbison con su tema clásico de 1964, que le da el nombre a la película. AD
Rodrigo D. No futuro
Dir. Víctor Gaviria
1990
Tal vez Víctor Gaviria sea el director de cine más inconscientemente punk que tiene Colombia, y en su película de 1990 se metió en las comunas más difíciles de Medellín con actores naturales para reflejar la realidad de la ciudad en uno de sus peores momentos. En esa época los muchachos de esas barriadas crecían básicamente con tres perspectivas para sus vidas: ser metalero, punk o sicario al servicio de Pablo Escobar y sus hampones. El actor Ramiro Meneses (miembro de la banda Mutantex, que aportó en la música de la película) dijo en 2013 a ROLLING STONE: “Las letras salieron de los retazos de vida que escupía el barrio, del poco tiempo que quedaba después del colegio y de los abrazos abrasivos que dejaban los padres de un sistema alienado que sabía, sabe y sabrá a mierda”.
“Cuando hicimos Rodrigo D. yo para nada conocía el punk”, ha dicho Víctor Gaviria. “Cuando me encuentro, a través de Ramiro Meneses, con toda esta gente tan desaforada, tan disparatada, con una necesidad de decir cosas que… por lo menos podían decirse, ya que no se podían evitar. Era una poesía de ciudad tremenda, que a mí me sacudió”. Llena de punk y metal sin concesiones, esta banda sonora es, como la realidad de nuestros países, aterradoramente cruda, violenta e incomprensible. RD
The Commitments
Dir. Alan Parker
1991
El gran Alan Parker, responsable de clásicos como Expreso de medianoche, The Wall, Birdy, Angel Heart o Mississippi en llamas, nos cuenta acá la historia de Jimmy Rabbitte (un apasionado melómano) y la variopinta banda de soul que representa en el norte de Dublín. Como resulta obvio, la música atraviesa cada instante de esta película, y lo hace apelando a grandes joyas de artistas como Otis Redding, Wilson Pickett, Aretha Franklin, Marvin Gaye, The Marvelettes, Martha and the Vandellas o Sam Cooke. La escena en que tocan ‘Whiter Shade of Pale’ (Procol Harum) en el órgano de una iglesia es encantadora.
Basada en la novela del mismo título, escrita por el irlandés Roddy Doyle, The Commitments contribuyó a que gente como Andrew Strong, Glen Hansard o Andrea Corr (de The Corrs) empezaran a abrirse camino en sus carreras más allá de la pantalla. RD
New Jack City
Dir. Mario Van Peebles
1991
En 1971, Melvin Van Peebles hizo historia al inaugurar el Blaxploitation con su cinta descarnada y violenta Sweet Sweetback’s Baadasssss Song. 20 años más tarde, su hijo revivió el género con su propia versión de Scarface, protagonizada por Wesley Snipes como Nino Brown, un traficante de drogas que, junto con su banda, logra controlar el tráfico de crack en Harlem. A diferencia de la cinta de Brian De Palma, la organización criminal de Nino llega a enfrentarse a la policía de Nueva York, en particular a un equipo liderado por los detectives Scotty Appleton (Ice-T) y Nick Peretti (Judd Nelson), quienes están decididos a derribar su imperio. Todo esto se desarrolla al son del New Jack Swing, el infeccioso estilo musical de percusión mecánica y ensordecedora que surgió a finales de los años 80, a partir de la fusión de R&B, hip hop y dance, que dominó en la primera mitad de los 90. Color Me Badd, Keith Sweat, Guy, Christopher Williams y el mismo Ice-T, dan cuenta de ello. AD
Until The End of the World
Dir. Wim Wenders
1991
Un hombre diseña un aparato para que su madre ciega pueda ver, y por accidente genera un dispositivo capaz de convertir los sueños en imágenes de video. De acuerdo con la leyenda, el director Michael Almereyda escribió el borrador del guion que Wenders transformó en una película con una duración de más de 20 horas. Cuando fue estrenada, terminó siendo un fracaso colosal tanto crítico como de taquilla. Existe una “versión del director” de casi cinco horas y otras que oscilan entre las tres y las cuatro horas. Puede que esta road movie apocalíptica del director de Paris, Texas y El cielo sobre Berlín no haya envejecido bien y sea caótica e irregular, pero lo cierto es que la calidad de su banda sonora se mantiene intacta. U2, Depeche Mode, Lou Reed, Talking Heads, Can, Nick Cave, Patti Smith, Elvis Costello y R.E.M. nos ofrecen unas melodías arrebatadoras y etéreas más que apropiadas para ser escuchadas antes del fin del mundo. AD
Singles
Dir. Cameron Crowe
1992
Hablar del grunge como un género musical siempre es impreciso si tenemos en cuenta que las canciones de Nirvana, Alice In Chains, Soundgarden o Pearl Jam (las cuatro grandes bandas del movimiento) nunca tuvieron demasiadas cosas en común; el grunge fue más una subcultura, una estética muy específica y un espíritu que salió a la luz en Seattle a comienzos de los 90. El director Cameron Crowe (reconocido por Jerry Maguire, Almost Famous, Vanilla Sky y el documental de Pearl Jam PJ20), captura con gracia e inteligencia lo que vivía entonces la Generación X en la capital del estado de Washington.
Singles cuenta con pequeñas participaciones de Eddie Vedder, Stone Gossard y Jeff Ament, de Pearl Jam, como compañeros de Matt Dillon en la banda Citizen Dick. Además, hay apariciones de Alice in Chains y Soundgarden. Incluyendo también canciones de Smashing Pumpkins, Mudhoney, Mother Love Bone o Screaming Trees, ninguna banda sonora refleja tan bien lo que fue el rock de los 90. RD
Cool World
Dir. Ralph Bashki
1992
El veterano director de cintas animadas para adultos como Fritz The Cat, Wizards y American Pop realizó su canto de cisne con una mezcla de animación y acción real que parece ¿Quién engañó a Roger Rabbit? en ácido, y que incluye a un dibujante obsesionado por su creación. El resultado no fue satisfactorio, pero la banda sonora tiene ese toque de experimentación que se adapta al mundo loco y frenético presentado en la película. David Bowie colabora con el tema central ‘Real Cool World’, el proyecto Electronic, conformado por Bernard Sumner de New Order, Johnny Marr de The Smiths y Neil Tennant de Pet Shop Boys, nos entregan la sublime ‘Disappointed’. Ministry, The Cult y My Life With The Thrill Kult, brindan la parte industrial necesaria, mientras Moby, The Future Sound Of London y Brian Eno, hacen lo suyo desde la electrónica. La película cayó en el olvido, pero su banda sonora es tan cool como inmortal. AD
Wayne’s World
Dir. Penelope Spheeris
1992
Junto a The Blues Brothers, esta es una de las mejores películas basadas en los sketchs cómicos de Saturday Night Live. Mike Myers, antes de consagrarse como Austin Powers, fue Wayne Campbell, el eterno amigo del retraído Garth Algar (Dana Carvey). Ambos presentan un programa de televisión en Aurora, Illinois. Su show, que es una especie de parodia de los programas del MTV de los años 90, se convierte en todo un fenómeno cuando un productor de televisión les ofrece un tentador contrato para llevarlo a una cadena nacional. El humor de Myers siempre ha sido un gusto adquirido y esta no es la excepción. Wayne’s Worldcombina el absurdo, las referencias culturales y una muy buena dosis de metal y rock. La película se recuerda por la famosa escena en el auto que resucitó a ‘Bohemian Rhapsody’, y por la visita al backstage de Alice Cooper y su banda (“¡No somos dignos!”), que nos muestra a los rockeros como un grupo de hombres cultos y letrados. La secuela de 1993 es casi igual de divertida y excéntrica. AD
Tango Feroz
Dir. Marcelo Piñeyro
1993
Lejos de ser una buena película, Tango Feroz fue muy exitosa, pasando a la historia por las controversias y por su banda sonora, con algunas versiones convertidas en nuevos clásicos, como ‘Presente’ o ‘El oso’. Por otra parte, ‘El amor es más fuerte’, compuesta para la cinta por Daniel Martín y Fernando Barrientos e interpretada por Ulises Butrón (guitarrista de Fito Páez, Spinetta y Miguel Mateos, entre muchos otros), fue un gran éxito, obligatoria para aspirantes a cantantes alrededor de fogatas y chimeneas.
La cinta intenta contar la historia del cantautor argentino José Alberto Iglesias, ‘Tanguito’, pero los músicos que le rodearon a lo largo de su vida encontraron muchas imprecisiones en el guion; Javier Martínez (baterista de Manal), se despachó contra la cinta, tildándola de “vergüenza” y “superchería necrófila”. Y no ha sido el único, por eso la banda sonora no incluye muchas de las canciones que realmente marcaron esos años 60, y el mejor ejemplo es la ausencia de ‘La balsa’, considerada por muchos como la primera gran canción del rock argentino. “Yo leí el argumento y vi que todo era mentira”, dijo Martínez. “Ese no es Tanguito”. RD
Judgement Night
Dir. Stephen Hopkins
1993
Adelantándose a la explosión del rap metal, nu metal, o como lo quieras llamar, y al auge asfixiante de las colaboraciones musicales, esta banda sonora tiene una enorme importancia porque está llena de canciones en las que grandes bandas de rock y metal se asocian con exponentes muy importantes del rap noventero.
Por ejemplo, ‘Disorder’ corre por cuenta de Slayer y Ice-T, mientras Pearl Jam se une en ‘Real Thing’ a Cypress Hill, quienes también aportaron ‘I Love You, Mary Jane’ con Sonic Youth.
“La película rápidamente se perdería en el olvido, y el rap metal eventualmente se mostraría más machista y malcriado. Pero, por un breve momento, aquí estuvo el brillante potencial de un episodio cruzado de rap rock: un oasis utópico de ritmos, rimas y riffs”, escribió Christopher R. Weingarten en ROLLING STONE.
Efectivamente, la cinta protagonizada por Emilio Estevez, Cuba Gooding Jr. y Denis Leary (que muestra a unos amigos aficionados al boxeo en una noche que termina realmente mal) no fue gran cosa, pero su banda sonora se ha convertido en el emblema para un momento brillante de la música que derriba prejuicios y fronteras. RD
Last Action Hero
Dir. John McTiernan
1993
El pequeño Danny Madigan es un huérfano que encuentra consuelo viendo películas de acción, y gracias a un tiquete mágico logra entrar al mundo de Jack Slater (Arnold Schwarzenegger), uno de sus héroes. Last Action Hero no fue el éxito de taquilla que sus productores esperaban, y la crítica no fue muy amable con ella; sin embargo, hay quienes la ven hoy como una infravalorada película de culto. Más allá de eso, su banda sonora, con ventas millonarias y varios sencillos importantes, es muy recomendable para cualquier amante del rock & roll.
En 1993, el grunge ya había explotado con toda su fuerza, y el hard rock que había triunfado en los 80 pasaba por uno de sus peores momentos. Esta banda sonora puede entenderse como un puente en el que Tesla y Def Leppard conviven con Alice In Chains o Fishbone. La banda de Seattle se despacha acá con dos temazos: ‘What the Hell Have I’ y ‘A Little Bitter’, mientras AC/DC aporta la exitosa ‘Big Guns’, y Def Leppard añade romanticismo con ‘Two Steps Behind’. Tres momentos sublimes llegan con Anthrax (‘Poison my Eyes’), Megadeth (‘Angry Again’) y Aerosmith, que contribuye con la clásica ‘Dream On’. RD
The Crow
Dir. Alex Proyas
1994
Enter The Dragon fue la película que consagró a Bruce Lee como el maestro del cine de las artes marciales y poco después murió de una manera repentina. Su hijo, Brandon Lee, tendría un destino similar cuando encarnó a Eric Draven, un músico de rock que es brutalmente asesinado junto con su prometida, Shelly Webster (Sofia Shinas), la noche antes de su boda.
Aunque tanto en el cómic de James O’Barr como en la cinta de Proyas, Draven regresa de la muerte gracias a un cuervo místico, no ocurrió así con Brandon Lee, quien falleció accidentalmente en el set debido a una falla en una de las armas de utilería. La película ya estaba casi completa en el momento de su muerte y las escenas restantes fueron terminadas usando dobles de cuerpo y efectos especiales. La tragedia añadió una capa de notoriedad y melancolía a la película, la cual se acentúa con su atmósfera gótica y oscura. La cinematografía que utiliza abundantes claroscuros, lluvia constante y paisajes urbanos desolados, más una banda sonora en la que participaron The Cure, Stone Temple Pilots, Nine Inch Nails (con un cover de Joy Division, ni más ni menos), The Jesus And Mary Chain, Rollins Band y Pantera. Más sombrío, imposible. AD
Forrest Gump
Dir. Robert Zemeckis
1994
Winston Groom escribió en 1986 una novela muy graciosa ridiculizando la — ya de por sí— ridícula idea de que el “sueño americano” pudiese existir en el mundo real y que cualquiera puede llegar a triunfar en aquello que se propusiese. El protagonista se llamaba Forrest Gump, y era un tonto. Sin embargo, lograba triunfar en el ejército, en el deporte, en la política, en la lucha libre, en fin… El director de Volver al futuro llevó la historia al cine de una forma terriblemente idealista y edulcorada (por no decir algo misógina) y el resultado fue un sorpresivo éxito crítico y de taquilla. Hay varias hipótesis al respecto: a) Zemeckis no entendió que la novela era una sátira; b) sabía que era una sátira, pero la omitió para reventar la taquilla, cosa que logró; c) entendió que era una sátira, pero decidió filmarla de una manera tan sutil que los espectadores no la captaron. Lo cierto es que Forrest Gump convirtió en superestrella a Tom Hanks y le arrebató el Óscar como Mejor película a Pulp Fiction, en una de las más grandes injusticias en la historia de los premios. Su banda sonora es una introducción, más que adecuada, a la música folk, pop y rock de los años 60, dedicada a las nuevas generaciones. Y es que, a principios de los 90, lo retro era cool. Era mejor mirar hacia atrás que angustiarse por el futuro. AD
The Lion King
Dir. Rob Minkoff, Roger Allies
1994
A los estudios Disney les encanta reescribir la historia. En 1994, se anunció que por primera vez iban a estrenar un largometraje animado basado en material original y no en un cuento de hadas tradicional o una novela infantil famosa. Toda una gran mentira. La verdad es que El rey león es una copia descarada de Kimba, el león blanco, el manga y anime del gran Osamu Tezuka, sobre un pequeño león destinado a ser el rey de la selva, pero llevado al exilio a partir de una conspiración. Sin embargo, Tezuka obtuvo su inspiración en Hamlet, la obra más reconocida de William Shakespeare. Sea como sea, la película animada de Disney es todo un encanto (hay que evitar la horrible y recalcitrante versión en acción real), y la música de Elton John junto a Tim Rice, a partir del score compuesto por Hans Zimmer, le da un aire solemne, trágico y tierno a la historia de Simba, el león traicionado por su tío Scar (Jeremy Irons en su papel más popular). AD
Pulp Fiction
Dir. Quentin Tarantino
1994
Tarantino, un acérrimo coleccionista de bandas sonoras, contó alguna vez que cuando era joven compraba las bandas sonoras de películas que no había visto, y en el calor de su hogar colocaba el vinilo en el tocadiscos, posaba la aguja, cerraba los ojos y se imaginaba escenas de películas inexistentes, ayudado por la música. Este pasatiempo se convertiría en la forma de escribir del director y guionista. Tarantino suele “energizarse” (como él mismo dice) con la música de los años 60 y 70, la cual le sirve de inspiración para crear escenas que luego conecta de manera orgánica en sus películas.
La banda sonora de Pulp Fiction, ese homenaje a las novelas sórdidas de crimen y traiciones publicadas a principio del siglo XX en papel barato hecho con pulpa de madera, incluye una recopilación de las canciones que ayudaron a Tarantino a escribir su obra maestra. Aunque perdió el Óscar ante Forrest Gump, obtuvo el premio a Mejor guion original y la Palma de Oro en el Festival de Cannes. La venganza es un plato que se sirve frío. AD
Reality Bites
Dir. Ben Stiller
1994
La ópera prima como director del actor y comediante fue una de las primeras películas en reflejar la angustia existencial de la generación de los 90 (las otras fueron Clerks y Singles). Muchos jóvenes pertenecientes a la Generación X se enfurecieron con ella, lo cual significa que el retrato fue honesto. La música de The Knack, Big Mountain, U2 y Lisa Loeb ambienta esta actualización de las películas de John Hughes, en donde Winona Ryder interpreta a una universitaria que se debate entre el deseo de hacer un documental experimental sobre sus amigos o buscar un trabajo estable. Los amigos incluyen a Janeane Garofalo como una joven resignada que trabaja en GAP, Ethan Hawke como un rockero con más actitud que talento, y Stiller como un yuppie que trabaja en la industria de los videoclips y se enamora perdidamente de Ryder, aunque ella tiene en la mira a Hawke. Esta es una de las mejores películas acerca de un grupo de adultos jóvenes que fingen ser cool, pero que, en últimas, son una farsa. La generación Z debería echarle un vistazo. AD
Desperado
Dir. Robert Rodríguez
1995
El Mariachi fue todo un milagro cinematográfico. Una cinta de presupuesto ínfimo, hecha con las uñas y donde su director donó sangre y otros fluidos, además de someterse como conejillo de indias a experimentos farmacológicos para poder financiar su proyecto. La película terminó siendo distribuida por los estudios Columbia, y se convirtió en un sorpresivo éxito crítico y comercial. Rodríguez decidiría hacer un remake (y al mismo tiempo secuela) de El Mariachi, y su amigo Carlos Gallardo sería reemplazado en el papel protagónico por Antonio Banderas (antes de convertirse en El Zorro y El gato con botas) como el antihéroe vengador que “tan solo quería tocar su guitarra”. Salma Hayek se convirtió en estrella de Hollywood interpretando a Carolina, la compañera de El Mariachi. La música de Dire Straits, Tito & Tarántula, Los Lobos y el mismo Banderas amenizaron las elaboradas, frenéticas y delirantes escenas de acción. Es una tristeza que la canción original de Banderas y los Lobos no se encuentre disponible.
La tercera parte, titulada Érase una vez en México (2003), protagonizada por Banderas y Johnny Depp, cierra con broche de oro esta trilogía “taco western”. AD
Strange Days
Dir. Kathryn Bigelow
1995
En la segunda mitad de la década de los 90 se respiraba un aire apocalíptico, y Bigelow logra encapsularlo muy bien en una cinta ciberpunk que podría asumirse como la hija bastarda de Until The End of The World. Un policía convertido en traficante y adicto a la realidad aumentada, una exnovia cantante, una amiga taxista, un asesino en serie, un rapero asesinado y una ciudad al borde de una guerra campal contra la policía son algunas de las ideas vomitadas por James Cameron a las que su expareja les dio forma y estilo. La música de Tricky, Skunk Anansie y Peter Gabriel unido a Deep Forest, colaboran para que este thriller erótico futurista tenga la música apropiada. AD
El día de la bestia
Dir. Álex de la Iglesia
1995
Ganadora de seis premios Goya, esta película de culto nos hace reír a partir de mitos relacionados con el satanismo y el milenarismo apocalíptico.
El sacerdote Ángel Berriatúa cree haber descifrado un mensaje secreto del evangelista San Juan; según el descubrimiento del cura, el Anticristo nacerá el 25 de diciembre de 1995 en Madrid. A partir de ese punto nos encontramos con un metalero procaz, un supuesto experto en ciencias ocultas, y un grupo de limpieza social que aterroriza la ciudad bajo la premisa de “Limpia Madrid”.
“En este Apocalipsis no hay jinetes, y a Satán le sobran seises/Berriatúa y sus dos sicarios, tres mortales contra el diablo”, canta Def con Dos en ‘El día de la bestia’, una de las dos canciones del álbum que llegan a sonar durante la película. Sin embargo, el disco (que también contiene música de Ministry, Eskorbuto, Siniestro Total y Pantera) se define en sus textos de portada como un “recopilatorio de temas satánicos seleccionados por Álex de la Iglesia”. RD
Dead Man Walking
Dir. Tim Robbins
1995
Esta película cuenta la historia de un condenado a muerte (Sean Penn), y el vínculo que forma con una religiosa (Susan Sarandon) que lo acompaña en la última etapa de su pena. La actuación de Sarandon le valió el Óscar como Mejor actriz, mientras Tim Robbins, Penn y Bruce Springsteen fueron nominados a Mejor director, Mejor actor y Mejor canción original, respectivamente.
Además de Springsteen, la banda sonora y su score incluyen canciones de Eddie Vedder con Nusrat Fateh Ali Khan, Johnny Cash, Suzanne Vega, Tom Waits y Patti Smith. Lo que logran el cantante de Pearl Jam y Nusrat Fateh Ali Khan en esta versión de ‘The Long Road’ (un clásico para los fans de la banda de Seattle) es probablemente la más hermosa canción para acompañar una despedida fúnebre, y también aparece en Eat, Pray, Love. Tim Robbins demuestra que no solo es un tremendo actor, sino un excelente director, y que siempre ha tenido un gran gusto musical. RD
Romeo + Juliet
Dir. Baz Luhrmann
1996
La rivalidad entre los Capuleto y los Montesco se actualiza en esta sorprendente cinta de Luhrmann, que siempre ha puesto especial cuidado en la música de sus películas. Leonardo DiCaprio y Claire Danes encarnan a la trágica pareja en compañía de gente como Brian Dennehy, John Leguizamo, Miriam Margolyes, Paul Sorvino, Pete Postlethwaite y Harold Perrineau.
Esta versión, marcada por una dirección de arte estridente y canciones inesperadas, fue tan exitosa como desafiante, transgresora y poco convencional, llevando la historia de Shakespeare a las playas de California a bordo de convertibles tuneados, en medio de disparos con pistolas automáticas que reemplazaron a las espadas.
Las canciones corren por cuenta de gente como Radiohead, Garbage, Gavin Friday, Des’ree, Butthole Surfers y The Cardigans, entre muchos otros, y el disco compacto alcanzó ventas millonarias, convirtiéndose en un álbum esencial para adolescentes en todo el planeta. RD
Trainspotting
Dir. Danny Boyle
1996
“Escoge una vida. Escoge un trabajo”, dice Mark Renton (Ewan McGregor) al comienzo de esta estrepitosa y delirante película (basada en la icónica novela de Irvine Welsh) que sacudió las conciencias de toda una generación. Danny Boyle, como Quentin Tarantino y Baz Luhrmann, siempre ha ofrecido bandas sonoras memorables, y acá combina clásicos de Iggy Pop (‘Lust for Life’) y Lou Reed (‘Perfect Day’) con canciones de algunas grandes figuras del britpop, la “Cool Britannia”, o como la quieras llamar. Si te gusta equivocarte diciendo que el grunge es un género musical, seguramente harás lo mismo en este caso.
Pulp, Primal Scream, Blur, Elastica y Underworld, entre otras bandas, musicalizan las aventuras intoxicadas de Renton, Sick Boy, Spud y Begbie, cuatro personajes que nunca le presentarías a tu familia.
“Elige sentarte en ese sofá viendo programas de concursos que adormecen tu mente y aplastan tu espíritu, mientras te atiborras de comida chatarra”, añade Renton. Ahora puedes reemplazar los programas de concursos con videos de TikTok, eso es todo. RD
Lost Highway
Dir. David Lynch
1997
Un saxofonista se encuentra con un siniestro hombre pálido que solo él ve; una serie de videocasetes llegan a su casa y uno de ellos muestra cómo asesina a su esposa, algo que no recuerda haber hecho. Es encarcelado por el crimen y su cabeza se desprende, surgiendo de su tórax una nueva que lo convierte en una persona diferente. Un mafioso le pide que cuide de su esposa y ella es idéntica a la esposa del saxofonista. Para este desquiciado viaje surrealista y psicosexual, Lynch le pidió a Angelo Badalamenti, su compositor de cabecera, que trabajara con Trent Reznor, y el resultado fue una banda sonora tan inquietante y oscura como la película, que incluye a David Bowie con ‘I’m Deranged’, The Smashing Pumpkins con ‘Eye’, Marilyn Manson (quien también participa en la cinta) con ‘Apple Of Sodom’, Rammstein con dos contribuciones y Nine Inch Nails con la soberbia ‘The Perfect Drug’. Si hay una banda sonora perfecta, esta es. AD
A Life Less Ordinary
Dir. Danny Boyle
1997
En este extraño pastiche entre Two Of A Kind, El cielo sobre Berlín y Reservoir Dogs, el director de Trainspotting vuelve a colaborar con su actor fetiche Ewan McGregor (fue escrita con el actor en mente) para contarnos la historia de dos “criaturas celestiales” (Holly Hunter y Delroy Lindo), que son enviadas a la Tierra para enamorar a un secuestrador (McGregor) y a su rehén (Cameron Díaz). Aunque termina siendo un caos sin mucho sentido (el cómic es mejor que la película), la banda sonora es toda una joya musical que incluye a Beck, Ash, Elvis Presley, Bobby Darin, The Prodigy y R.E.M., entre otros. Por cierto, McGregor canta en la película ‘Round Are Way’, un lado B del sencillo Wonderwall de Oasis, pero su desafinada versión no se incluye en el álbum. AD
Spawn
Dir. Mark A.Z. Dippé
1997
Junto a Judgement Night, aquí tenemos otro ejemplo de cómo una cinta terrible puede tener una música del otro mundo. La banda sonora de Spawn es una mezcla única que buscaba reflejar el ambiente oscuro y estilizado de la película homónima, basada en el popular e hiperviolento cómic de Todd McFarlane, que sigue la historia de Al Simmons, un soldado de élite traicionado, asesinado y resucitado como un antihéroe infernal. La idea consistía en combinar al rock y el metal con la música electrónica, creando una colaboración entre dos géneros que habían empezado a cruzarse en los 90. Esto dio lugar a una colección de cortes intensos, agresivos y colmados de energía, como ‘(Can You Trip) Like I Do’ de Filter con The Crystal Method, ‘No Remorse (I Wanna Die)’ de Slayer y Atari Teenage Riot, ‘One Man Army’ de Tom Morello con Prodigy, y la reconstrucción de ‘For Whom The Bell Tolls’ de Metallica llevada a cabo por DJ Spooky. Es una lástima que la película se haya quedado corta ante semejante despliegue sónico. AD
Bulworth
Dir. Warren Beatty
1998
Warren Beatty dirigió, coescribió y coprodujo esta sátira política en la que interpreta al senador Jay Bulworth, un personaje que nos lleva a cuestionar todo el andamiaje electoral de los Estados Unidos, además del racismo estructural que caracteriza a su sociedad. Bulworth ayudó a catapultar la carrera de Halle Berry, que en 2001 ganaría el Óscar como Mejor actriz por Monster’s Ball.
La banda sonora, lanzada por Interscope Records, ha sido catalogada entre las más importantes de la historia para Hollywood, e incluye a artistas como Dr. Dre, Ice Cube, KRS-One, LL Cool J, Prodigy, Public Enemy, The Black Eyed Peas, Youssou N’Dour, Method Man, Ol’ Dirty Bastard y RZA. Es todo un dream team del hip hop para finales de los 90, y contiene el hit global de ‘Ghetto Supastar (That Is What You Are)’ de Pras, Ol’ Dirty Bastard y Mýa. RD
Great Expectations
Dir. Alfonso Cuarón
1998
El mexicano Alfonso Cuarón dirigió esta adaptación de una novela de Charles Dickens, en la que Ethan Hawke encarna a un joven pintor (Finn) que alcanza la fama mientras vive una relación atormentada con la aristocrática Estella (Gwyneth Paltrow). Robert De Niro hace el papel de un criminal que por gratitud acompaña a la distancia el ascenso de Finn.
Cuarón y el director de fotografía Emmanuel Lubezki nunca se sintieron satisfechos con el resultado final, pero esta es una película interesante por muchos aspectos, entre ellos su banda sonora. Con canciones de Chris Cornell, Tori Amos, Iggy Pop, y muchos otros, esta historia de melancolía puede resultar conmovedora.
Uno de los momentos más brillantes tiene lugar durante un encuentro entre Estella y Finn, en el que suena ‘Like a Friend’, de Pulp. “Como un accidente automovilístico, que veo venir y no puedo evitar/Como un avión al que me han dicho que no debo subir/Como una película muy mala que debo ver hasta el final/Déjame decirte, tienes suerte de que seamos amigos”, canta el magistral Jarvis Cocker. RD
The X Files: Fight the Future
Dir. Rob Bowman
1998
Los agentes Mulder y Scully saltaron a la pantalla gigante en esta película que enloqueció a millones de fanáticos en todo el mundo; aunque la crítica fue más o menos indiferente, se convirtió en un éxito de taquilla.
Durante la Edad de Hielo, dos cavernícolas se encuentran con un extraterrestre que mata a uno de ellos e infecta al otro con una sustancia negra. Milenios más tarde, en 1998, en Texas (para Hollywood todo ocurre en Estados Unidos), un niño cae en un hueco y también es infectado por una sustancia negra que se filtra desde el suelo. Los planes de la colonización alienígena se aceleran, y los encargados de los Expedientes X se enfrentan a lo que podría ser el fin de la civilización.
Prácticamente ninguna canción de las que aparece en el álbum suena en la película; el CD (que incluye a Björk, The Cure, Foo Fighters, Sting, Noel Gallagher y The Dust Brothers, entre otros) contiene esencialmente música inspirada por el concepto de la serie, y muchos de los artistas invitados ya habían aparecido en Songs In the Key of X. RD
City Of Angels
Dir. Brad Silberling
1998
Aunque fue un gran éxito de taquilla, se le criticó por ser una especie de versión aguada y hollywoodense de Der Himmel über Berlin (El cielo sobre Berlín), de Wim Wenders. City of Angels contaba la historia del ángel Seth (Nicolas Cage), que deambula por la ciudad de Los Ángeles y se encuentra con la cirujana Maggie Rice (Meg Ryan). Él se enamora de esta doctora, al punto de convertirse en humano para estar físicamente a su lado, pero el destino de la pareja es mucho más complicado que eso. En algún momento, inquieta por el extraño comportamiento del ángel, Maggie le pregunta: “¿Eres baterista?”, y alarga la lista de chistes que existen sobre quienes se dedican a este noble oficio.
La banda sonora es un verdadero lujo, y vendió millones de copias con una tremenda nómina que incluyó a Peter Gabriel, Jimi Hendrix, Sarah McLachlan, Alanis Morissette y U2, entre otros. Sin embargo, Las ventas fueron impulsadas a cifras estratosféricas por un indiscutible clásico del drama noventero: ‘Iris’, de Goo Goo Dolls. RD
The Matrix
Dir. Lana Wachowski, Lilly Wachowski
1999
Sobra decir que esta película revolucionó montones de cosas en términos visuales, conceptuales y filosóficos; las hermanas Wachowski pusieron a todo el planeta a hablar de esa matriz, de las píldoras rojas o azules, y miles de realizadores se rompieron la cabeza tratando de imitar sus innovaciones.
La banda sonora reunía algunas de las cosas más potentes del techno, el rock industrial y el nu metal, con canciones de Rammstein, Rob Zombie, Rage Against The Machine, Ministry, Deftones, y Propellerheads, entre otros. Si la película fue un éxito enorme en las taquillas, su banda sonora también alcanzó cifras millonarias cuando la industria discográfica estaba a punto de ver caer las ventas de los CD.
Es triste que las secuelas hayan sido lo que fueron, pero la huella de la película permanece intacta y profunda en millones de personas que de vez en cuando se preguntan si no estamos viviendo en una simulación. RD
