Con más de tres décadas de carrera, el multiinstrumentista, productor y visionario británico Steven Wilson —a menudo llamado el “hombre orquesta del rock progresivo”— no solo evita la nostalgia, sino que reinventa constantemente su arte. Su nuevo álbum conceptual, The Overview, es la prueba: un viaje épico de 42 minutos que fusiona rock, electrónica, ambient y metal en una sinfonía cósmica que desafía las reglas del streaming.
Wilson es un narrador de universos paralelos. Si en los 90 lideró Porcupine Tree, llevando el rock progresivo al siglo XXI, hoy su carrera en solitario es un laboratorio de experimentación. The Overview no es un disco, es una odisea: comienza en la Tierra, con una crítica mordaz a nuestra obsesión digital (“¿Nos olvidaste?”, pregunta una voz alienígena), y termina flotando en el vacío interestelar. “Es una película para los oídos”, explica. La idea, dice, es recordarnos nuestra insignificancia cósmica: “Somos una especie que lleva aquí cinco minutos en términos universales”.
Pero ¿cómo traducir esa grandilocuencia a música? Wilson lo hizo como un pintor obsesivo: escribió, produjo y tocó casi todo (bajos, guitarras, teclados) en su estudio, rodeado de sintetizadores vintage y herramientas digitales. Solo al final convocó a su banda —”mejores músicos que yo”, bromea— para añadir detalles. El resultado es un collage de géneros que suena a Dark Side of the Moon encontrado con Brian Eno en una estación espacial. “No quiero repetirme. Cada disco debe justificar su existencia”, afirma.
Lo que hace a Wilson tan especial es su capacidad para integrar sin esfuerzo diversas corrientes musicales. Aunque ha declarado no tener planes de volver al rock progresivo en su forma clásica, en The Overview se perciben matices que abarcan desde el electrónico y el ambiental hasta el pop y el metal. Para él, cada estilo es una manifestación de su personalidad musical, y la clave está en permitir que todas esas facetas se expresen de manera natural. Su proceso creativo es casi instintivo: tener en mente una visión tan definida que, antes de escribir una sola nota, ya se percibe la estructura de una obra que se despliega en dos piezas épicas, reminiscentes de los lados A y B de un vinilo clásico.
Más allá de ser un compositor, Wilson se destaca como un ingeniero del sonido y un maestro en la preservación y modernización de álbumes históricos. Su enfoque es claro: respetar la esencia original de cada obra sin caer en la tentación de modernizar en exceso, pues alterar lo ya querido sería como ponerle “un casco espacial a la Mona Lisa”. Con una precisión quirúrgica, logra transformar grabaciones estereofónicas en experiencias de audio espacial en Dolby Atmos, revelando matices ocultos que hacen redescubrir clásicos de siempre. Esta dualidad—ser tanto intérprete como puente entre generaciones—es quizás uno de sus mayores legados, pues logra conectar el pasado con el presente sin sacrificar la autenticidad.
Steven Wilson es mucho más que un músico; es un narrador sonoro, un innovador que desafía las convenciones y un custodio del legado musical. Con The Overview, no solo nos regala una obra maestra que recorre el cosmos, sino que también nos invita a recordar la importancia de mirar hacia arriba, a explorar y a redescubrir el mundo que nos rodea. En una era marcada por la inmediatez y la superficialidad, Wilson ofrece una alternativa profunda, un espacio donde la música se convierte en una experiencia casi ritual, capaz de transformar nuestra percepción del tiempo, del espacio y, sobre todo, de nosotros mismos.
Hablemos primero de tu álbum. Lo escuché y me enamoré de él. The Overview se basa en la fenomenal experiencia de un astronauta al ver la Tierra desde el espacio. ¿Cómo tradujiste estas dualidades emocionales en estructuras musicales y narrativas?
El álbum es básicamente un viaje que comienza desde la Tierra. Realmente creo que el álbum es como una especie de película para los oídos. Para mí, se trata de crear estas diferentes escenas. Al principio del álbum, comenzamos en la Tierra y empezamos con un alienígena básicamente diciéndonos a nosotros, los oyentes: “¿Nos olvidaste?”. Esto es, en realidad, un comentario sobre el hecho de que todos vivimos ahora en el mundo de nuestros dispositivos digitales y pasamos la mayor parte de nuestro tiempo mirando hacia abajo a nuestros teléfonos, en lugar de, como creo que hacíamos antes de tener teléfonos, mirar a nuestro alrededor al mundo en el que vivimos, el planeta que habitamos. Y también, mirar al espacio y las estrellas, y ser curiosos sobre qué más hay allá afuera. Comienza con este comentario sobre el hecho de que nos hemos vuelto muy auto obsesionados como especie, mucho menos curiosos sobre lo que podemos ver cuando miramos hacia arriba, por encima de nuestras cabezas.
Después, el álbum continúa con una serie de escenas que se alejan cada vez más de la Tierra, y al final del álbum, básicamente estás flotando al otro lado del universo. Así que, es un viaje a través del espacio. Toca una serie de historias muy personales, muy humanistas. Pero, en última instancia, se trata de esta idea de recordar a las personas tener algo llamado perspectiva. Perspectiva sobre dónde se encuentra la Tierra en el universo y, por extensión, cuán insignificante es la especie humana, porque realmente solo hemos estado aquí durante los últimos cinco minutos en términos universales.
Es un tema muy grande para intentar explorar en una pieza de música, por lo que lo imaginé desde el principio como una extensión continua de música. No tenía sentido para mí escribir diez canciones cortas. Sentí que tenía que ser un fragmento épico, esta película para los oídos.
Anteriormente has mencionado que no tienes planes de volver al rock progresivo, pero he encontrado en este álbum que mezclaste mucho rock con sonidos espaciales, reverbs y sonidos digitales. ¿Exigió el tema del espacio esta expansión sonora?
Creo que sí. Es una pregunta difícil de responder porque no estaba necesariamente tratando de hacer algo consciente. Simplemente estaba creando música. Una cosa que he descubierto mientras crezco, y llevo más de 30 años haciendo discos, es que ahora soy menos consciente de lo que hago. Acepto y entiendo que tengo todos estos diferentes aspectos de mi personalidad musical: lo electrónico, el rock progresivo, lo ambiental, el metal, el krautrock y también la sensibilidad del pop. Son cosas que realmente amo, y que son parte de mi personalidad musical, así que simplemente les permito manifestarse de una manera muy natural.
Creo que lo único sobre The Overview es que, debido al concepto, y por qué decidí desde muy temprano, de hecho, antes de haber escrito una sola palabra o nota, que iba a ser una pieza larga y continua de música, eso sí me devolvió a una sensibilidad más del rock progresivo. Pero eso no quiere decir que no haya secciones en este álbum que sean puramente electrónicos, puramente ambientales, puramente pop, puramente metal. Todo está presente. Creo que eso es lo que me gusta de él, que al final lo escuchas y suena como un álbum de Steven Wilson, porque tiene todas estas cosas y, con suerte, todo encaja.
¿Cómo fue el proceso de grabación ¿Tenías demos iniciales y después trajiste a la banda o como fue?
No quiero sonar pretencioso, pero es casi como si tuviera toda la visión en mi mente para este álbum: sabía cuál iba a ser el título, sabía cuál iba a ser el concepto y más o menos tenía la idea de que iba a ser solo dos piezas largas, casi como dos lados de un vinilo antiguo. Dos piezas de 20 minutos, como el lado A y el lado B. Sabía todo eso incluso antes de haber escrito una sola nota. Incluso en esa etapa, ya imaginaba en mi mente cómo iba a desarrollarse esta pieza musical. Así que, lo más fácil para mí era hacer todo lo que pudiera por mi cuenta. Volví a mi estudio y, en un lapso de unas seis semanas, básicamente tracé todo el álbum. Toqué todo el bajo yo mismo, toqué la mayoría de las guitarras y la mayoría de los teclados yo mismo. Solo al final del proceso, el último 20%, comencé a traer a otros músicos para que contribuyeran al disco. Ahora bien, eso no quiere decir que no hayan contribuido con algo increíblemente importante al álbum, porque realmente lo han hecho. Pero eso fue como el último detalle, en cierto modo. La última etapa fue realmente traer las voces solistas. Yo no toqué ninguno de los solos en el disco. Bueno, un solo de guitarra, pero aparte de eso, traje a estos otros músicos para los solos. Entonces, tocamos los solos de guitarra, Adam Holzman tocó los solos de teclado, pero eso fue realmente al final del proceso. Lo mismo con la batería. De hecho, curiosamente, la batería fue una de las últimas cosas que grabé en el disco. Realmente todo se debió a que tenía una idea tan clara. Fue más fácil hacer mucho de ello yo mismo, y en muchos sentidos, este probablemente sea el disco más solista que he hecho, en el sentido de que todo el bajo lo toqué yo, por ejemplo. Eso nunca había sido el caso antes, al menos en un disco en solitario.
Con más de 30 años de trayectoria, ¿dónde colocas The Overview dentro de tu discografía? ¿Lo ves como una culminación de tus exploraciones sonoras o como un nuevo punto de partida para ellas?
Bueno, ambas cosas, esa es la respuesta sencilla. Siempre es muy importante para mí sentir que no me estoy repitiendo. Uno de los primeros desafíos que siempre me planteo al hacer un nuevo disco es: ¿por qué estoy haciendo esto? ¿Cuál sería el propósito de agregar otro disco a mi ya bastante amplia discografía? ¿Por qué estoy haciendo un disco? ¿Qué va a ser nuevo? ¿Qué va a ser diferente en este disco que lo haga destacar de todos los demás en mi catálogo? Aquí, por supuesto, el desafío principal era crear dos piezas muy largas de música. Pero, por otro lado, también puedo decir que en muchos aspectos esto se siente como una continuación del siguiente paso lógico en mi catálogo. Por ejemplo, mi último álbum, The Harmony Codex, también fue un disco que mezcló muchos géneros diferentes. Aunque ese consistía en piezas individuales de música y este es una pieza continua, creo que comparten mucho del mismo vocabulario.
También es muy importante para mí hacer un disco que suene como si solo pudiera haber sido hecho ahora. Es decir, he hecho discos como estos, pero creo que ahora me doy cuenta de que no estoy interesado en hacer discos nostálgicos del pasado. Hay mucha gente que lo hace. Yo quiero hacer discos que reflejen muy bien el tiempo en el que vivimos, pero al mismo tiempo, estoy muy feliz de recurrir a este increíble legado e historia de la música que tenemos. Así que aquí tenemos un álbum, The Overview, que tiene de todo, desde instrumentos vintage como pianos, guitarras acústicas, mellotrons, fender rhodes, sintetizadores analógicos, hasta lo más reciente en instrumentación computarizada y procesamiento digital. Me encanta todo eso de la era en la que estoy haciendo música. Hay tantas posibilidades. Nunca ha habido tantas posibilidades para procesar, mutar, retorcer y crear sonidos. Es un momento muy emocionante para hacer música porque tenemos toda la historia, pero también tenemos esta nueva generación de procesamiento y música digital. Me encantan ambas cosas por igual, me gusta combinarlas, y eso es más o menos lo que es The Overview.
También has trabajado como ingeniero de masterización y remezcla en ciertos proyectos. ¿Cómo definirías tu rol en la preservación y modernización de álbumes históricos? ¿Te ves a ti mismo como un restaurador, un intérprete o un puente entre generaciones?
Sí, esa es una buena pregunta. Creo que un poco de todo. Mi filosofía siempre ha sido: si vas a tomar un álbum clásico que los fans han estado escuchando durante 30, 40, 50 años o más, entonces no puedes tratar de cambiarlo ni de modernizarlo. Lo peor que creo que puedes hacerle a un álbum clásico es tratar de modernizarlo. Sería como ponerle un casco espacial a la Mona Lisa. Mi filosofía siempre ha sido: estos son álbumes que ya fueron queridos por una generación de fanáticos de la música. Así que lo que trato de hacer es crear algo que sea muy familiar para el oyente. Trato de igualar todas las decisiones creativas originales que fueron tomadas por el artista y el productor de la época: la misma reverberación, el mismo tipo de ecualización, incluso la misma colocación del estéreo. Y luego, y solo luego, cuando siento que he logrado eso, creo la mezcla de audio espacial. Eso es realmente lo que estoy haciendo aquí. Estoy creando, por primera vez, para un álbum que probablemente originalmente solo se mezcló en estéreo, una versión de Dolby Atmos o de audio espacial. Alguien puede estar escuchando un álbum que ha oído un millón de veces en estéreo y de repente va a decir: ‘Oh Dios mío, puedo escuchar una parte de guitarra que viene desde arriba de mi cabeza, o puedo escuchar una parte de teclado o una voz de fondo que viene desde atrás de mí que nunca había notado antes’. Es un equilibrio muy delicado de lograr, en el que no estás cambiando la experiencia de la música, la firma sonora de la música, pero de alguna manera también estás haciendo que la experiencia de escucharla sea nueva para alguien que tal vez la ha oído un millón de veces antes. Creo que por eso he tenido bastante éxito haciendo esto, porque no trato de cambiar la música. Trato de hacer que suene más fresca, sin cambiar su ADN.
Con el auge del streaming y el audio comprimido, ¿crees que el cuidado que le pones al sonido de alta calidad sigue siendo valorado? Porque la mayoría de las personas no tienen un sistema Atmos, ¿verdad?
No, tienes razón. Aquí está el detalle: dijiste “la mayoría”. La mayoría no es todo. Siempre hay un espacio para ofrecer una alternativa. Sabes, yo crecí en los años 80 y siempre existió esta noción de la música alternativa. Cuando yo crecí, la alternativa probablemente significaba algo como The Cure, Cocteau Twins o The Smiths. Luego, en los 90, la alternativa probablemente significaba Nirvana o algo así. Siempre ha existido esta noción de música alternativa. Y, ¿qué es la música alternativa? La alternativa es ofrecer algo diferente a lo que es prevalente o popular en el mainstream. Lo que es popular y prevalente en el mainstream ahora mismo es el enfoque de TikTok para hacer música, que es venderte en 15 segundos. Eso claramente no soy yo. Acabo de hacer un álbum en el que te estoy pidiendo que escuches durante 42 minutos de principio a fin, de la misma manera que lo harías con una película. Esto es lo interesante para mí: que, aunque mucha gente escuche música comprimida, escuche música en TikTok en una pequeña versión de 15 segundos, esas mismas personas aún van al cine a ver una película de 90 minutos o 2 horas, de principio a fin, sin interrupciones, sin mirar sus celulares, sin responder correos electrónicos. Solo se sientan a ver una película. ¿Por qué les cuesta tanto entender que también es posible disfrutar de la música de la misma manera? Y mi respuesta a eso es que creo que necesitas ofrecer el tipo de música que la gente querría escuchar de esa manera. Así que, para mí, todo se trata de ofrecer una alternativa. Sí, tienes razón. La mayoría de la gente probablemente aún irá a TikTok y escuchará música de esa forma. Pero hay mucha gente ahí afuera que aún le gusta la música a un nivel más profundo. Cada año, álbumes como Dark Side of the Moon y OK Computer siguen vendiendo decenas de miles de copias. Alguien ahí afuera, mucha gente ahí afuera, sigue buscando una experiencia musical más profunda, al menos eso me parece a mí.
Si pudieras elegir, ¿qué álbum de la historia de la música te encantaría remezclar que aún no hayas abordado? ¿Hay algún género fuera del rock progresivo que te gustaría explorar?
Oh, Kate Bush. Siempre he dicho eso sobre Kate Bush. Sabes, una de las cosas que he encontrado al hacer el remix en audio espacial, particularmente en Dolby Atmos, es que los álbumes que tienen mucho de lo que llamo “diseño sonoro”, que no solo tienen a la banda tocando, son impresionantes en audio espacial y surround Dolby Atmos. Siempre hay esos pequeños detalles de diseño sonoro; podría ser una voz, una parte de teclado, un efecto de sonido de algún tipo. Esa clase de álbumes son increíbles en audio espacial. Kate Bush es un gran ejemplo de alguien que siempre ha hecho álbumes con una producción increíble, sofisticación, capas, y esos pequeños detalles que creo que saldrán maravillosos en un remix de audio espacial. Ella ha estado en la cima de mi lista durante mucho, mucho tiempo. Aparentemente, no está interesada en el audio espacial, lo cual está bien. No todos tienen que estarlo, pero si hablamos hipotéticamente, si fuera un sueño mío, si estamos hablando de lo que podría ser mi sueño, probablemente sería hacer el remix del catálogo de Kate Bush.
¿Cómo planeas llevar The Overview al escenario? ¿Cómo planeas llevar toda esta información y concepto al escenario?
He encargado una película para acompañar el álbum, que vamos a estrenar en Londres el próximo martes, de hecho. Hay un largometraje que acompaña el álbum, así que eso será parte del show en vivo. Cuando salga a tocar, la segunda mitad del show tendrá una actuación completa del nuevo álbum con esta película. Va a ser una verdadera experiencia audiovisual multimedia. Entonces, la primera mitad del show será un recorrido por mi catálogo anterior, y la segunda será una interpretación del álbum, los 40 minutos completos. Soy muy afortunado de tener una banda increíble, que son mucho mejores músicos que yo. Es divertido ser parte de una banda así. Va a ser increíble presentarlo. Sabes, volviendo a esa idea de ofrecer una alternativa, será ofrecer algo que, con suerte, involucre a los oyentes a un nivel muy profundo y que les sorprenda. Es un álbum conceptual sobre el espacio y el universo, así que está pensado básicamente para dejarte asombrado.
