Los mejores álbumes de 2022 hasta ahora (y en ningún orden en particular)

Desde Rosalía hasta Harry Styles, pasando por Bad Bunny. Estos son nuestros álbumes favoritos del año hasta ahora, sin clasificar

Por  ROLLING STONE

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Sacha Lecca; Lillie Eiger; Griffin Lotz; Renell Medrano

Por Charles Aaron, Jonathan Bernstein, David Browne, Kat Bouza, Mankaprr Conteh, Jon Dolan, Will Dukes, Jon Freeman, Kory Grow, Joe Gross, Jeff Ihaza, Jhoni Jackson, Stephen Kearse, Julyssa Lopez, Natalie Morin, Angie Martoccio, Tomas Mier, Mosi Reeves, Rob Sheffield, Brittany Spanos y Simon Vozick-Levinson.

Wilco, Cruel Country

El hecho de que hayan decidido dar un rodeo para volver a las raíces del country que nunca quisieron no es tan importante como podría haber sido hace 10 o 15 años. Pero tampoco es nada, como sugiere el irónico título de su nuevo disco. Sobre todo, evocan la Americana en su versión más folclórica y reconfortante, desde la New Morning-era Dylanesca I Am My Mother hasta el pastoralismo cósmico de las ensoñaciones moribundas de Many Worlds y Bird Without a Tail/Base of My Skull. Todas estas 21 canciones fluyen a un ritmo lánguido, rodando en oscuros remolinos de tenebrosa reflexión personal, para luego abrirse a cálidas vistas de vigilante generosidad.

Various Artists, Summer of Soul, Original Motion Picture Soundtrack

La película Summer of Soul y el álbum de la banda sonora que la acompaña, el cual revive la tradición de los álbumes de festivales en vivo de esa época, desde Woodstock hasta Wattstax, son un recordatorio de las formas en que el soul y el R&B se habían expandido y desbocado en el período previo al Festival Cultural de Harlem en el verano de 1969. Esos cambios son doblemente claros en el álbum, en el que podemos experimentar interpretaciones completas de canciones que sólo se escuchan en fragmentos en la película. Escuchadas en su totalidad, tanto Why I Sing the Blues de B.B. King como Uptown de los Chambers Brothers, son aún más enérgicas y propulsivas que en las versiones de estudio. No se puede negar la revolución del funk que se avecina.

Trueno, Bien O Mal

Bien o Mal, un proyecto del rapero argentino de 20 años, Trueno, se inspira en el hip-hop de la vieja escuela de EE.UU. al tiempo que celebra las tradiciones de Argentina y América Latina. También es un LP profundamente comprometido política y socialmente que describe las luchas que tienen lugar en todo el continente. Dividiendo los temas entre «lo bueno» y «lo malo», Trueno rapea sobre las dictaduras, las dificultades económicas, la delincuencia y la desigualdad a lo largo de 14 canciones, a la vez que incita a la gente a levantarse y a estar juntos. Es una declaración sorprendentemente madura para un artista tan joven

The Weeknd, Dawn FM

Nos encantan nuestros artistas jodidos, francamente. Hay algo en las profundidades del sufrimiento autoinducido que parece sacar lo mejor de ellos. Pero todo es diversión y juego hasta que acaban siendo un pasillo de autoayuda andante. Las 16 canciones de Dawn FM no abordan la idea de la adicción de la forma en que hemos llegado a esperar de él. Nada de las adictas “chicas de la mesa de cristal” de la época del demonio de la década pasada, y las infidelidades equivalen a momentos melancólicos de vulnerabilidad en lugar de diatribas torturadas. Si hay un ambiente de autoayuda aquí, es refrescantemente ligero y accesible.

The Smile, A Light for Attracting Attention

The Smile surgió como el proyecto de encierro durante la pandemia de Thom Yorke y Jonny Greenwood. Una oportunidad para trabajar en algunas melodías sin toda la presión de ser los Lennon y McCartney de Radiohead o quizás, más exactamente, Waters y Gilmour. Probablemente, y para disgusto de los otros tres miembros del grupo, A Light for Attracting Attention contiene algo de la música más fácilmente disfrutable de los compositores en años. Aunque el dúo no ha vuelto a escribir singles con estribillo como Creep o High and Dry, ni ha intentado hacer ofertas de TikTok, las canciones aquí se sienten más concretas que en los recientes éxitos de Radiohead como A Moon Shaped Pool o The King of Limbs.

The Black Keys, Dropout Boogie

Tras unos cuantos discos de expansión de la “paleta”, el álbum 2021 de The Black Keys, Delta Kream, era una colección de versiones de blues de Hill Country, un homenaje a la música que les hizo pisar fuerte en un primer momento. El esbelto Dropout Boogie, de 34 minutos de duración, que salió a la venta un día antes del 20º aniversario de su primer álbum, mantiene las cosas igual de crujientes. Para ello, han recurrido a colaboradores simpáticos, como el experto en garage-rock de Memphis Greg Cartwright, el frecuente productor de Kings of Leon, Angelo Petraglia y el todopoderoso Billy Gibbons de ZZ Top. El funk y el alma de una canción como For the Love of Money se siente tan natural como una chaqueta vaquera rota.

Spoon, Lucifer on the Sofa

A lo largo de los años, la trayectoria de Spoon ha sido tan consistente y libre de dramas que casi se puede dar por sentado. Por eso su décimo álbum, Lucifer on the Sofa, es tan bienvenido. Es lo mejor que han hecho nunca, superando con creces su habitual cociente de guitarras de fuego, estribillos asesinos y astutas actualizaciones de la historia del rock. Ya sea con el punzante glamour de The Hardest Cut, con la sordidez setentera de The Devil & Mister Jones y Lucifer on the Sofa, o con la enrarecida arena de la carretera de Held, Spoon nunca han aumentado su “Spooniness” de forma tan Spoon.

Rosalía, Motomami

El nuevo y descarado álbum de Rosalía, Motomami, refracta el ruido que la ha rodeado durante los últimos años, lo dobla a su voluntad y lo lanza de nuevo al éter. Lo que ofrece es un vertiginoso y caleidoscópico autorretrato, descarado y berreante en algunos momentos, aplastantemente vulnerable en otros, y completamente ridículo cuando quiere serlo. Rosalía es inflexible sobre quién es y qué quiere hacer: Desde los primeros segundos de Saoko, el primer tema de carga hidráulica, Rosalía se declara llena de contradicciones, metamorfosis e impulsos. “Soy muy mía, yo me transformo”, canta. «Soy toa’ las cosas, yo me transformo”.

Red Hot Chili Peppers, Unlimited Love

Cuando pensamos en los Red Hot Chili Peppers en su mejor momento, haciendo un rock californiano y a la vez excesivamente funky, el guitarrista John Frusciante siempre ha sido el corazón de ese sonido. Frusciante, que dejó la banda en 2009, ha vuelto para Unlimited Love. Junto a él, los Peppers también se han reunido con Rick Rubin, quien produjo todos los álbumes de RHCP desde Blood Sugar Sex Magik de 1992 hasta I’m With You de 2011. El resultado es un RHCP vintage: un esfuerzo melódico y atascado que mezcla las reflexiones onduladas de su triunfo de 1999, Californication, con el rock expansivo de Stadium Arcadium.

Phife Dawg, Forever

Cualquier álbum póstumo es, por su naturaleza, inquietante: el sonido de los fantasmas en cera flotando siempre en un estado entre el proyecto inacabado y las grabaciones finales. Pero en el caso de Phife Dawg, de A Tribe Called Quest, era evidente que aún tenía mucho que dar. Forever, que cuenta con las apariciones de Q-Tip, compañero de Phife en ATCQ, así como de Busta Rhymes, Redman, Rapsody y Maseo de De la Soul, y con la producción de 9th Wonder y Nottz, es el sonido de un hombre que echa la vista atrás a sus éxitos y fracasos tanto personales como profesionales, y de un artista que se enfrenta, sin saberlo, a la mortalidad e intenta hacer las pases al final…

Omar Apollo, Ivory

La belleza de Ivory, el magnético debut de Omar Apollo, es que incluso a través de las complejas elecciones de producción y los ricos florecimientos sónicos, siempre se siente como algo orgánico y sin esfuerzo. El LP es un abundante tesoro de géneros y técnicas que, si lo abres, salen a relucir afilados lazos de guitarra, armonías celestiales, dolientes melodías soul y hasta unos toques de ranchera. Incluso cuando el álbum se despliega en múltiples direcciones, el sentido de madurez de Apollo fundamenta el proyecto, y las canciones siguen siendo juguetonas pero tiernas, libres pero centradas. A través de todo el terreno que cubre, un mensaje central brilla, apareciendo como un ojo mágico: Omar Apollo es una estrella.

Kurt Vile, Watch My Moves

Lanzamientos de Matador como B’lieve I’m Goin’ Down … de 2015 y Bottle It In de 2018, Vile parecía poner sus miras en un nivel superior de creación de éxitos de rock moderno, con sencillos bien elaborados como Pretty Pimpin y Loading Zones. No hay mucho de esa ambición en Watch My Moves, lo cual es justo, ya que es más difícil que nunca saber lo que significa un éxito de rock moderno en estos días. En su lugar, se estira y se pone cómodo en sus temas más sueltos hasta la fecha, repartiendo 74 minutos de suave sabiduría fuera de la cúpula. Ha dejado, sabiamente, de buscar el siguiente nivel, centrándose en cambio en la hermosa y desenfocada beatitud del aquí-ahora que siempre ha sido su mejor regalo.

Koffee, ‘Gifted’

En Gifted, Koffee combina el reggae tradicional con florituras modernas y sensibilidades hip-hop, recordándonos que las raíces del rap están ricamente entrelazadas con la música jamaicana. Mientras que una canción como «Lonely» podría hacer sonreír al purista más puro, «Defend» estalla en una producción polvorienta de boom-bap, y «Shine» coloca guitarras soleadas sobre hi-hats risueños y 808. Los fondos musicales del álbum van desde alegres hasta absorbentes, pero son las actuaciones de Koffee las que siempre cautivan.

Kendrick Lamar, ‘Mr. Morale & the Big Steppers’

A pesar de presentarse literalmente como Jesús en la portada del álbum, encontramos a Lamar en un terreno más falible que en cualquier otro momento de su carrera. Lanzado como un álbum doble, Mr. Morale & the Big Steppers adopta un concepto ambicioso, guiándonos a través de la psique de Lamar, con su compañera de toda la vida, Whitney Alford, como narradora. El artista siempre influenciado por el jazz es diligente en la progresión sónica a través de su subconsciente. El disco encuentra un espacio entre la prisa a lo Donda 2 y la disonancia intencionada. La mayoría de las canciones se cortan en uno o tres ritmos diferentes, dando a las canciones individuales el tipo de textura narrativa que esperarías de un álbum completo.

Harry Styles, ‘Harry’s House’

Con su tercer álbum, Harry’s House, logró el ingenioso truco de hacer su música a la vez elegante y más refinada, pero también más cálida e íntima: la suavidad de mármol pulido de Steely Dan con la generosidad de Al Green o Yo La Tengo. registro. Harry’s House es brillante con sintetizadores y metales, a menudo impregnados de synth-pop y R&B ingeniosos y pegajosos. Casi esperas revisar los créditos y encontrar a Greg Phillinganes y Rod Temperton allí con los colaboradores de composición de canciones de Styles, Kid Harpoon y Tyler Johnson.

Future, ‘I Never Liked You’

Future ha demostrado ser capaz de evolucionar. Solo las cabezas viejas que lo llaman «rapero balbuceante» no pueden ver eso. Pero sus cambios tienden a ser sutiles y hechos en sus propios términos. En I Never Liked You, se entrega desvergonzadamente a su característica mezcla de impulsos misóginos, reduciendo a las mujeres a bienes muebles para ser consumidos y prescindir de ellos. Sin embargo, también revela cómo sus relaciones con el sexo opuesto lo afectan personalmente. Es capaz de extraer profundos pozos de emoción, reafirmando su primacía como una figura clave (si no la clave) en el rap melódico posterior a Weezy/T-Pain/Kid Cudi.

Francisca Valenzuela, ‘Vida Tan Bonita’

La artista chileno-estadounidense Francisca Valenzuela siempre ha tenido la habilidad de hacer música pop inteligente y nítida, y encontró la manera de subir de nivel en Vida Tan Bonita, un álbum que celebra encontrar alegría incluso en momentos de dificultad. Ella rinde homenaje a algunos de los sonidos de rock y pop alternativo con los que creció a través de temas de guitarra como «Se Va» y «Hola Impostora», al tiempo que muestra un lirismo perspicaz y tan confesional como siempre. Sebastian Krys echa una mano en el final de la producción, ayudándola a lograr un proyecto unido que es radiante, refinado y súper pegadizo.

Florence + the Machine, ‘Dance Fever’

Dance Fever puede ser el trabajo adicional más épico de Florence Welch hasta el momento. Solo echa un vistazo a «Free», un éxito titánico de synth-rock en el que describe cómo las epifanías retuercen su mente y su cuerpo como descargas incontrolables («A veces me pregunto si debería ser medicada», canta), o «Coreomanía», un disco de catarsis que toma su título de la famosa “plagas del baile” que arrasó Europa durante el Renacimiento. «Heaven Is Here» es una explosión de hedonismo de folk celta, y en «Daffodil», ella canta sobre trascender el tormento generacional con el «optimismo impotente de la primavera».

Eddie Vedder, ‘Earthling’

En su última salida en solitario, Earthling, Vedder retrocede sin pedir disculpas por el territorio de Pearl Jam con 13 pistas que recuerdan tanto la energía punk de la banda como sus aspiraciones de rock convencional de una manera que se siente distintivamente Vedderezco. Es su lanzamiento en solitario más revelador, ya que, musicalmente, se siente más como el Vedder que conocemos desde hace 30 años y no como una desviación intencional de Pearl Jam. El sello distintivo de Vedder siempre ha sido la forma en que podía sonar confiado y vulnerable al mismo tiempo, y los momentos en los que logra ese equilibrio en Earthling son las mejores canciones del disco.

Daddy Yankee, ‘Legendaddy’

Cuando Daddy Yankee anunció formalmente su retiro de la música, tenía sentido que la declaración estuviera vinculada al lanzamiento de un álbum nuevo y aparentemente definitivo. Solo la superestrella puertorriqueña pudo salirse con la suya al nombrar su despedida de larga duración con un acrónimo tan engreído como Legendaddy. Una gran parte de por qué Legendaddy demuestra ser su mejor álbum desde su clásico Barrio Fino es su rechazo tácito de la nostalgia como su principal fortaleza. Temas como «La Ola» y el trap banger «Enchuletiao» se sienten fundamentalmente contemporáneos, recordándonos que él ha sido parte del movimiento actual de la música latina de una manera material.

Camila Cabello, ‘Familia’

“Celia”, la primera canción de Familia, abre con trompetas que evocan sus raíces cubanas, mientras canta sobre un amante que está “fascinado, embobado” con la belleza de su cultura y está listo para beber “tequila con papi”. Al igual que con su éxito «Havana», el éxito de pop latino de este álbum es «Hasta los Dientes» y el sencillo principal «Don’t Go Yet» muestran la habilidad natural de Cabello para hacer que los sonidos de su cultura sean accesibles para cualquier audiencia, independientemente de idioma. A veces, los cambios estilísticos pueden darle al disco una sensación un poco mod-podge, pero la artista lo mantiene unido al mantenernos comprometidos con su historia.

BTS, ‘Proof’

Proof, el último lanzamiento del grupo, es el más ambicioso hasta el momento, pero no necesariamente de la manera que muchos esperarían. A lo largo de una antología de tres volúmenes, BTS no solo narra su viaje incansable y ultra exitoso hasta el momento, sino que también brinda a los oyentes una mirada íntima al arduo trabajo que se ha realizado detrás de él. Finalmente, se permiten tomarse un momento para detenerse y disfrutar de la vista. Hay una razón por la cual el disco tres está oculto, solo está disponible en el álbum físico: este es para los verdaderos fanáticos. Lleno de versiones de demostración de pistas BTS existentes y canciones inéditas que nunca llegaron al corte, el CD es, en muchos sentidos, una de las ofertas más íntimas del grupo hasta el momento, presentado como páginas arrancadas de un diario que nadie debería leer.

Bad Bunny, ‘Un Verano Sin Ti’

En Un Verano Sin Ti, Bad Bunny se recuesta y se divierte con un conjunto suelto y pausado de 23 canciones, su álbum más largo. En entrevistas, Bad Bunny dijo que estaba pensando en las visitas que hizo a la costa de Puerto Rico cuando era niño, inspiración que informa algunos de los sonidos caribeños y el espíritu relajado del álbum. El enfoque marinero y despreocupado de Bad Bunny funciona de la mejor manera cuando se sumerge en las aguas de la escena alternativa y trae el talento de artistas independientes como Bomba Estéreo («Ojitos Lindos»), Buscabulla («Andrea») y las Marías. (“Otro Atardecer”) a las masas.

Anitta, ‘Versions of Me’

¿Eres parte de la Nación del Algoritmo de Anitta? En Versions of Me, un deslumbrante ómnibus de pop digital, la cantante, MC y bailarina brasileña de 29 años va de puerta en puerta, tratando de unir a las personas detrás de su creciente campaña para Global Dance-Floor Booty Inspector.