“Este disco es la historia de una estrella y al mismo tiempo mi propia historia”, explica Bratty sobre HOSHI, título que viene de la palabra japonesa para “estrella”. La idea nace de una pregunta personal. Por qué está en ese lugar, por qué la gente conecta con lo que hace y si realmente lo que está construyendo vale la pena.
En la portada aparece con una estrella en la frente, como las que te ponen de niño cuando haces las cosas bien. Esa imagen resume el concepto del disco. Habla de validación, de la necesidad de sentir que lo que haces es suficiente y de todas esas dudas que, en su caso, no se dicen en voz alta, pero sí se convierten en canciones. ‘la estrella que quería brillar’, el segundo tema del album, retrata esta idea con crudeza.
El material reflexiona sobre lo que implica ser una “estrella”. No desde la idea aspiracional, sino desde las preguntas que hay detrás. Qué significa hacer algo original, qué expectativas se proyectan sobre los artistas y cómo se vive eso desde dentro.
El disco, en el que la artista de Culiacán explora un nuevo sonido, gestado durante un proceso de colaboración con muchos productores, colaboradores y en muchos lugares, es una interesante exploración sobre la historia de la artista, sus inseguridades, su ego y su posición como artista en esta era. El álbum cuenta con colaboraciones de Ed Maverick, Julieta Venegas, Marc Seguí, Natt Calma y Barry B.
Hablamos con Bratty unos días después del lanzamiento del disco. Lee la conversación a continuación:
¿Cómo va el álbum?, ¿cómo has sentido la recepción?
Bien, muy bien. Muy diferente a todo lo que he sacado antes.
¿En cuanto a la recepción de la gente?
Sí, o sea, de la mejor manera.
Hoshi es la palabra japonesa de estrella, ¿no? Y dices que el disco es la historia de una estrella y al mismo tiempo tu historia, ¿pero cómo se entrelazan esas dos?
Exacto. Pues creo que al principio del disco sentí que estaba hablando de alguien más y luego, en el proceso, me di cuenta de que estaba hablando de mí misma sin saberlo. Y bueno, por eso digo que es la historia de una estrella, pero terminó siendo mi historia porque soy una estrella, al parecer.
Me encanta la portada y me gusta el concepto de la estrella en la frente, ¿simboliza decirte a ti misma que lo estás haciendo bien?
Tal cual. Creo que siempre he sido una persona —no es secreto— muy introvertida, muy en su rollo, en su mundo. No soy de las personas a las que les gusta llamar la atención, tal cual. Entonces siempre he tenido esa espinita de preguntar: ¿por qué estoy aquí?, ¿por qué la gente se interesa por lo que tengo que decir? Siempre sobrepienso demasiado las cosas, incluyendo esto. Como si de verdad lo que estoy haciendo vale la pena, si es suficiente, si estoy haciendo lo correcto, si lo podría hacer mejor. Todas esas preguntas que todos los días pasan por mi cabeza y que no las hablo, las digo con música y este disco no es la excepción. Quise explorar mucho ese concepto de: ¿qué significa ser una estrella?, ¿qué significa hacer algo original?, ¿qué significan todos estos patrones que ponemos en alguien que idolatramos? Pero preguntándomelo a mí misma.
Y justo ‘la estrella que quería brillar’ es la que junta todo ese concepto, que habla del síndrome del impostor, de no sentirte suficiente. ¿Es la canción que mejor retrata el álbum?
Sí, yo pienso que sí, porque al mismo tiempo es la canción más vulnerable en ese aspecto; es lo que estoy pensando cuando estoy en mi punto más bajo de lo bajo, cuando empiezas a pensar que tal vez lo que está diciendo el username @JuanPablo.55, tal vez tiene razón, ¿no?, ¿sirvo para esto? La canción representa cuando todos esos pensamientos te empiezan a invadir la cabeza, sobre todo en alguien como yo, que sobrepiensa las cosas.
Sí, esta canción fue como mi punto más bajo, podría decir, de lo que para mí significa ser una estrella y hacerme este tipo de preguntas: ¿aún hay manera de decir algo original?, ¿o no?
Qué justo esa pregunta la haces en la canción. ¿Tú qué opinas de eso? ¿Es algo que te preocupa a ti como artista?
Sí, porque yo soy perfeccionista de corazón, entonces cuando pienso en hacer algo, siempre pienso en hacerlo de la mejor manera posible: ¿Qué es lo mejor que puedo hacer que nadie ha hecho nunca antes? Y al final, también recordando un poco mis inicios, eso también fue lo que me motivó, hacer música de este tipo, que venga de morras porque nadie lo está haciendo y yo quiero hacer algo nuevo. Y ese sigue siendo todavía mi detonador, ¿qué es algo que nadie está haciendo o que nadie ha dicho? Yo lo voy a hacer.
Para mí es súper importante eso. No creo que todos los artistas se lo pregunten porque hay muchos que hacen lo mismo y está bien que se queden ahí, pero yo siempre estoy buscando cómo aprender, cómo evolucionar, cómo poder decir de manera diferente las cosas. Es algo que, si no es así, para mí no tiene sentido.
Sí, y es un pensamiento fuerte para un artista pensar que ya todo está inventado y que ya todo existe.
Sí, es como, ¿para qué?, ¿para qué lo haces si todo ya existe?
Yo creo que hacer algo nuevo también va de la mano con hacer algo honesto. ¿Lo ves así también?
Sí, de repente. Me cuesta, pero sí, tienes toda la razón.
Y luego en ‘siempre quiero +’ te vas a la parte opuesta, hablas del ego, ¿no?
Sí, también. Así como uno está de repente abajo, si estás muy delulu, y te empiezas a decir; “No, pero ¿por qué? Si yo me merezco esto y esto y esto, y yo me veo ahí, yo sé que lo voy a lograr.”, pero, “¿Por qué todavía no estoy ahí?” Y de repente son cosas más materiales. Lo material no es sinónimo de éxito, pero a veces uno piensa que así es. Y en esa canción también quise recalcar eso, las cosas materiales, puras cosas más del ego, de que “no es mi culpa que a ti te duela que me vaya bien y que me estén pasando cosas chidas”. Ajá, es como el otro extremo de la estrella que quería brillar, que es siempre querer más, que nunca es suficiente con lo que tienes.
Y quieres buscar un balance entre esas dos, entre esos dos personajes, ¿no?
Un poco, sí.
Vi que en esta ocasión le das la vuelta al proceso y empiezas desde la parte visual. ¿Cómo empezaste eso? ¿Qué influencia tenías para construir la parte visual?
Justo nació de la parte visual porque me sentí estancada musicalmente, no sé, como que no sabía qué es lo que quería hacer, pero ya estaba aburrida de lo que estaba haciendo, quería hacer algo distinto. Y sí, dije, “Bueno voy a empezar con algo visual”. Hice este monito con una estrella en la frente y le empecé a dar un significado, una narrativa. Eso me ayudó a construir las canciones, a preguntarme estas preguntas de las que estoy hablando en todo el disco. Entonces fue como un rompecabezas, ¿no? Fui hilando los puntos y fui construyendo algo sin saber cómo se iba a ver al final.
¿Tú lo dibujaste?
Sí.
Ah, qué cool. Y luego literal retratas ese rompecabezas como parte de los visuales del disco, ¿no?
Sí, también en los sencillos. Como que así tal cual fue este disco, ir viendo qué pedo, o sea, cómo va a fungir este disco, cómo se va a ver al final. Es un disco muy frontal, desde la portada, por eso es literal mi cara con la estrella en la frente porque es lo que es, it is what it is. O sea, no me estoy escondiendo de nada, te estoy diciendo cosas súper vulnerables, te estoy diciendo lo que pienso sin esperar que nadie me juzgue y con toda la crudeza del mundo, ¿no?
¿Te tomaste más el tiempo de disfrutar el proceso que en otras ocasiones?
Sí, en general mi cerebro funciona así. Yo siempre veo los detalles primero y luego veo el panorama completo. Entonces, este disco fue eso, ir poniendo los detalles; quiero que sean estos colores, quiero que tenga lo de la estrella, quiero que la portada sea solo mi cara, quiero que sea muy minimalista, pero que cada cosa tenga su propio significado, etc. También me inspiré mucho en la cultura japonesa porque tal cual es eso, el ser minimalista y darle mucho peso a todo lo que estás poniendo, que sea intencional.
Fue un proceso de muchas sesiones, muchos productores, ¿cómo logras acotar todo eso que fuiste haciendo en un disco?
Pues creo que todo ese factor común fui yo. Fui con productores que hacían electropop, luego con productores que hacían reggaetón, otros que hacían cosas más poperas. Intenté de todo para ir encontrándome a mí también entre todo eso y creo que por eso el disco nunca pierde el hilo. Por más que cada canción suene muy diferente, el factor común es que yo estoy ahí también produciendo esas canciones junto con las otras personas con las que me junté, y que tienen una versión muy distinta a la mía y que son súper talentosos en lo que hacen. Fue como: “¿Cómo vamos a combinar esto con lo que yo hago y hacer algo nuevo?”. Y eso fue también un reto para las personas que produjeron conmigo el disco, porque al final hacían cosas súper diferentes, pero les emocionaba, así de que: “Ya necesitaba hacer algo como esto, algo más emocional”. Y creo que eso también es lindo, que ambas partes estén contribuyendo en algo con lo que estás aprendiendo al mismo tiempo que lo estás haciendo.
¿Es difícil mantener la parte emocional característica de tu proyecto con un sonido más alternativo?
Para mí no lo fue. Lo sentí súper natural, esto es lo que tengo que estar haciendo. Me trajo mucho la emoción otra vez de hacer música porque, por ejemplo, las canciones usan mucho el recurso de los vocal chops, para mí eso fue algo súper nuevo, y dije “Wow, eso suena cabrón, no sabía que podía hacer eso, lo quiero poner en todas las canciones”. Y eso es algo que existe desde hace un montón, ¿no? Pero yo apenas estoy descubriendo este synth o estos samples que no sabía que se podían hacer en la compu y sin querer estaba yo descubriendo un mundo que yo nunca había explorado. Obviamente existe, pero yo nunca me había dado la oportunidad de explorar eso.
Es lo que te da salir y trabajar con varias personas, vas incorporando nuevos elementos y eso al final te inspira más.
Es como la cocina. Vas a la India y conoces un condimento y te lo quieres llevar para ponerle a los tacos. Entonces vas ahí inventando cosas nuevas.
¿Hoshi es un alter ego?
Siento que esa es una pregunta que todavía no me contesto al cien por ciento porque, pues sí, es un alter ego, pero soy yo. O sea, al final soy yo. Entonces, no sé.
Que es lo mismo que pasa con Bratty y Jennifer, ¿no? O sea, como que vas adoptando distintos personajes que te dan nuevas cualidades, pero al final eres tú siempre.
Exacto. Siento que Hoshi al principio fue un personaje, fue esta excusa para experimentar con cosas nuevas y al final, bueno, o sea, soy yo. Entonces creo que nada más es el nombre de algo para poder explorar otras facetas que tú en tu vida a lo mejor no harías, pero que son parte de ti y están ahí.
Obviamente las colaboraciones son importantes en el disco. ¿Cómo juntaste grandes nombres y algunos más emergentes, pero todos de diferentes estilos?
Tal vez no es que yo los haya escogido así tal cual, sino que la vida me los puso enfrente y yo nada más tuve que ordenar esos pensamientos y decir: “Esta canción creo que iría muy bien con esta persona”. Y hablando, por ejemplo, de los nombres grandes que son Julieta y Ed Maverick, me siento muy afortunada de que se hayan tomado el tiempo, de que les haya gustado la música, de que hayan entendido la visión que yo tenía de las canciones y me hayan dicho que sí, porque les gusta también mi proyecto y a mí me gusta el de ellos, y esa sinceridad y esa naturalidad de las cosas es lo que hace que sucedan. Entonces, cien por ciento creo que eso fue con todos.
Con Marc, el día que hicimos la canción fue el día que lo conocí y me cayó súper bien y ahora es de mis amigos más cercanos del círculo de gente que hace música, y con Nat también, es súper tranqui. Con Barry también, entre él y yo hicimos esa rola como en dos horas y fue lo que salió, lo que grabamos, entonces, siento que ese factor común también es que son personas súper humanas, con los pies en la tierra y que confían en la visión y que también tienen esta dimensión emocional cuando hacen música, igual que yo, entonces conectamos muy bien.
¿Y cómo fue volver a trabajar con Ed Maverick? Ya con la evolución que tienen ambos unos años después de crear ‘Ropa de bazar’.
Pues él y yo tenemos una historia muy particular; nos conocimos cuando apenas acabamos de sacar nuestras primeras rolas, obviamente cada quien fue en direcciones distintas y ahí se fue distorsionando con el tiempo. Pero la manera en la que crecimos, los dos somos del norte, somos súper de rancho, y a veces no nos creemos lo que nos está pasando; es muy raro lidiar con esos sentimientos. Me acuerdo de cuando le dije a Ed: “Oye, ¿sabes qué?, voy a sacar este disco y significaría mucho para mí y también creo que significaría un chingo para los fans si sacamos otra canción juntos, pero ahora como en este presente que tenemos tú y yo.” Lo platicamos por mensaje y me dijo: “Tienes toda la razón, creo que estaría la neta bien lindo.”, además le gustó la canción.
¿La habías pensado para él?
Cuando yo la hice en el estudio, no. Siento que eso fue cuando la volví a escuchar, y pensé que esa canción me gustaría que subiera como collab con alguien y fue cuando pensé en él. Es una canción súper emocional y pensé que con Ed estaría increíble y dije: “Voy a mandarle mensaje, o sea, no pierdo nada”, y me dijo que sí, la grabó. Entonces creo que fue un regalo que le quisimos dar a los fans, sobre todo.
Supongo que te urge tocarlo en vivo. ¿Cómo te imaginas el show?
Me lo imagino súper diferente a todo lo que he hecho. Quiero que, así tal cual como lo fue este disco, también sea algo con una evolución súper marcada de lo que soy ahora en este presente y que se sienta como un renacimiento, que la gente lo vea y diga: “Ay, güey, no sabía que Bratty podía hacer esto y está muy cabrón”. Quiero que se sienta eso en todos los aspectos, tanto en lo musical como en lo visual, en la iluminación, en todo. Se me hace súper importante y es mi meta más próxima a la que quiero llegar, que cuando saque el tour y todo, eso sea lo que la gente pueda ver.
