Los fanáticos esperaron mucho tiempo para el último álbum de estudio de Kendrick Lamar, Mr. Morale & the Big Steppers: 1855 días, para ser exactos. Y aunque los escritores, los entusiastas de Twitter y los TikTokers de la Generación Z han estado ocupados deconstruyendo las letras de los nativos de Compton, es útil recordar que Kendrick sigue siendo uno de los selectores de ritmos más subestimados en el hip-hop. Su debut, Good Kid, M.A.A.D City, se desarrolló como un largometraje, y sus lanzamientos posteriores han vuelto a imaginar constantemente los límites entre el jazz, el hip-hop y las bandas sonoras de películas.
A diferencia de cualquiera de los álbumes anteriores de Kendrick, no hay un sencillo de radio prominente o un éxito obvio en Mr. Morale, lo que significa que la atención a los detalles sonoros dentro de la música es mucho más llamativa. Desde Florence + the Machine hasta Gary Peacock y Kadhja Bonet, cada sample utilizado en el álbum se siente como si estuviera hecha a mano para cada emoción que quería evocar. Todo esto se atribuye a un proceso creativo fluido que Kendrick y su equipo de productores han desarrollado a lo largo de los años.
Entre ese grupo de productores de confianza se encuentra DJ Dahi, que ha trabajado con Kendrick durante más de 10 años y también ha producido para todos, desde Drake y Travis Scott hasta 21 Savage y Yebba. Dahi habló con Rolling Stone después del lanzamiento de Mr. Morale & the Big Steppers sobre el proceso creativo de cinco años que condujo al álbum.
¿Cómo te involucraste en la realización de este álbum?
Quiero decir, Kendrick y yo hablamos casi todos los días, solo sobre la vida en general. Cuáles son nuestras experiencias de vida y lo que hemos estado haciendo. Siempre nos preguntamos cosas como qué estás haciendo, en qué estás trabajando o qué estás escuchando, ese tipo de ambiente. Así que siempre estamos en comunicación acerca de dónde están las cosas culturalmente, dónde están las cosas musicalmente. Después de DAMN., recuerdo que salió de la gira y se estaba relajando. Con nosotros es realmente ligero, sin saber exactamente qué van a ser las cosas, pero simplemente pasándose ideas para ver si despierta algún sentido de inspiración o algo así.
¿Cómo hicieron para hacer un álbum tan ambicioso como este?
Tenemos oídos muy quisquillosos. Al menos para mí, como que odio todo. Entonces, a menos que sea algo que despierte una idea o algo que desencadene un cierto ambiente creativo, simplemente seguiremos lanzando cosas al frente. Para mí, creo que el corazón del álbum realmente comenzó hace unos cuatro o cinco años; Recuerdo que solo estaba escribiendo. Escribir canciones sin ritmo, sin instrumentales. Literalmente escribiendo ideas, escribiendo notas y escribiendo canciones. Fue genial ver su proceso. Tener un concepto, una idea de lo que iba a ser el álbum. Recuerdo específicamente entrar y escucharlo escribir “Auntie Diaries”, y eran literalmente esqueletos de ideas. Eso fue interesante, porque para mí, como productor o escritor, es divertido cómo, a veces, con el hip-hop, muchos artistas con los que he trabajado escriben al ritmo primero. El ritmo inspira el concepto de la canción. Pero con Kendrick es como una forma antigua de escribir canciones, en la que escribes algo en el piano o escribes algo con un ritmo básico de bombo y luego dejas que la música suene y sea. El quid de la cuestión era simplemente entrar y escucharlo escribir ciertas canciones y luego reproducirle pequeñas ideas en bucle. [Con] muchas cosas ahora, la forma en que creo es a partir de ideas mínimas, ya sea teniendo algunas sesiones improvisadas con mis muchachos o también muestras. Solo pequeños fragmentos de cosas.
Mencionaste que han sido cinco años de elaboración, pero ¿hubo un momento decisivo en el proceso de creación del álbum que recuerdas?
Uno de los momentos más grandes para el sonido del álbum vino de una sesión que hicimos en Londres. Fuimos yo, Sounwave, Danny y Keem. Lo bueno de cómo creamos es que en esas sesiones creamos como una banda. Literalmente todos juntos trabajando y tocando. Intercambiando ideas, grabando y obteniendo un montón de ideas y esas cosas. Es genial para nuestro proceso. Creatividad de flujo libre. Muchos discos comenzaron a partir de ahí, como “Father Time” definitivamente fue un disco que surgió de ese campo de ideas en esas sesiones. El “Vent” de Keem también salió de esas sesiones. Mucho de eso es solo nosotros tirando pintura a la pared y luego algo de eso es ver cómo inspira su narrativa de adónde está tratando de ir desde donde está.
¿Sabías que sería un disco personal?
Sabía con seguridad, solo con escuchar “Auntie Diaries” y también con “Father Time”, iba a ser un álbum personal y más de dónde se encuentra en la vida. Pero incluso las canciones que no terminamos usando para el álbum, solo las cosas que estaba escribiendo iban a profundizar más en quién es él y lo que realmente representa. Cómo deberían mirarlo realmente, y no como este mesías del rap. Me di cuenta de los primeros escritos de sus ideas que estaba dejando de lado para los ganchos y cosas por el estilo.
Gran parte del álbum es personal, y hablas de cómo la escritura de Kendrick fue primero y la música siguió. ¿Cómo se tradujo eso en jam sessions?
En nuestras conversaciones se trata de lo que realmente te mueve, lo que te impulsa a querer hacer algo ese día o generar una idea. Hemos estado trabajando en esto durante cinco años, por lo que ha habido tantos cambios de humor en los que vamos en esta dirección, entonces está bien, ahora salimos de eso. Así que es un viaje constante. Sabía que líricamente tenía una perspectiva que estaba tratando de decir, pero creo que musicalmente tratar de encontrar algo que atraiga la mejor emoción era la verdadera tarea en cuestión. Lo bueno de este álbum, que realmente me encanta, es que es un artista tan popular, y hacer el tipo de álbum que está haciendo es algo peligroso. Tomar ese riesgo… quiero decir, la gente ahora espera que él haga eso, lo cual es genial, pero de alguna manera sigue siendo un desafío, musicalmente. Pero me gusta vivir en ese espacio mucho más que con cosas seguras.
Quería entrar en el desglose de algunas pistas. Recuerdo haber visto un video tuyo de deconstrucción de ritmos y cómo el comienzo de hacer el ritmo no se parecía en nada al producto final. ¿Cuál fue el caso con las pistas de este álbum?
Hay un montón de registros como ese aquí. Específicamente puedo hablar de “Count Me Out”.
Ese es sin duda uno de mis favoritos.
Gracias hermano. Es divertido porque originalmente esa pieza musical era en realidad para mi álbum. Eso fue de una jam session que hice con mis muchachos, Eli y Danny: Danny McKinney es un guitarrista increíble. Estábamos en la casa, improvisando ideas. Originalmente habíamos trabajado en la idea de esta canción y contraté un coro para trabajar en un montón de ideas que tenía para mi álbum. Yo estaba como “Estoy usando esto, esta mierda es fuego”. Pero se lo envié a Kendrick, como, “¿Qué piensas?” Y él dijo: “Yo, me encanta”. Él dijo: “Esta mierda es una locura”, y comenzó a escribirle, y dijo: “Oye, hermano, creo que podría necesitarlo. Esto es exactamente lo que necesito. Con solo conocerlo a él y su proceso, es como, está bien, sí. Tal vez sea algo bueno o malo, pero no me aferro a la música. Si confío en otros artistas o en lo que hacen creativamente, dejaré pasar las cosas porque se trata más del mensajero. Hay tantas versiones de ese disco. Puedo pensar en 10, no, en realidad 20, 30 versiones de ese disco que probamos, hicimos y moldeamos. Fue porque estábamos pensando en cómo encajaría en el mundo de hoy, y eso es lo más importante. ¿Cómo encaja en cierto tipo de espacio donde las personas pueden tener esa sensación? Creo que al final del día, mi lema es “Un disco es una demostración hasta que realmente sale”. Muchas pruebas, pero estoy muy contento con el producto final, solo porque creo que el corazón del disco sigue ahí, lo cual es genial. La forma en que se siente, la forma en que recoge la energía, el mensaje que tiene todavía está ahí. Eso es lo más importante. Incluso puedes hacer una versión acústica de esa canción. Literalmente tuve esa idea hace unos tres o cuatro años.
Canciones como “Rich Spirit” y “Die Hard” tienen esa sensación de Los Ángeles y rebotan en ellas. Con Kendrick y tú siendo nativos, ¿eso juega un papel en cómo salieron esos discos?
Buena pregunta, porque no creo que haya algo específico que intentáramos hacer. Al menos para mi. No parecía que íbamos a hacer cosas funk hoy. Según mi estimación, se sentía natural, ciertas cosas que hacemos, ¿sabes? Ciertas personas en la sala agregan cierto gusto o cierta perspectiva a la música. Así que creó un crisol de ritmos de batería interesantes o opciones de muestras interesantes o estilos de interpretación interesantes. Luego obtienes un grupo de ideas que se siente un poco inesperado. Pero creo que como somos de una época y nuestros oídos están sintonizados con ciertas cosas, vamos a crear eso de forma natural.
Con “Rich Spirit”, esa idea vino de mi amigo Frano de Nueva Zelanda. Es increíble, un productor realmente genial con el que trabajo mucho. Me dio la progresión de acordes original para la idea. Era, como, solo un tipo de registro de estado de ánimo automático. Luego comencé a jugar un poco con la batería y Sounwave se metió con las voces que venían en el disco. Luego ese ritmo, Sounwave agregó eso último, esa patada en él. Originalmente era solo esa melodía cruda, y se la di a Kendrick, y Kendrick dijo: “Oh, esto es perfecto, creo que tengo algo”. Él naturalmente hizo ese flujo. Pero ese segundo verso, lo que estaba diciendo sonaba como un rapero de la costa oeste, el bolsillo en el que estaba escupiendo era duro. Yo estaba como, este tipo de canción de suspenso de la Costa Oeste.
¿Cuál crees que fue tu mayor contribución al álbum?
Solo puedo decir que traje mi oído, en términos simples. Traje lo que elegiría. Hay ciertas cosas que me gusta escuchar independientemente de los demás. Como, oh, esto es lo que voy a hacer. Dependiendo de con quién esté trabajando, me adapto a lo que les gustaría hacer o a lo que les gustaría.
