noviembre 16, 2021

21 grandes películas iberoamericanas del siglo 21

En el cine también nos une nuestro idioma, reflejando nuestras preocupaciones y rebeldías, mientras se deja un legado valiente para el cine del futuro

Por  ROLLING STONE

ILUSTRACIÓN POR ALIAS, CE BASADA EN LAS FOTOGRAFÍAS: ROMA: CORTESIA NETFLIX; LABERINTO DEL FAUNO: ESTUDIOS PICASSO/TEQUILA GANG; LA LLORONA: © LA CASA DE PRODUCCIÓN; ZAMA:REI CINE Y BANANEIRA FILMS; RELATOS SALVAJES: KRAMER & SIGMAN FILMS; POST TENEBRAS LUX: MANTARRAYA; DOLOR Y GLORIA: EL DESEO.

SELECCIONARON: Rodrigo Torrijos, André Didyme Dome, Ricardo Durán (Colombia) con la colaboración de Alfredo Nieves (México), Carlos Arenas (España) y Unai García (España-Chile).

Compartimos la misma lengua, pero aún no logramos consolidar un mercado de contenidos cinematográficos que dialoguen entre sí. Somos 683 millones de personas hablando en español o portugués en millones de kilómetros cuadrados llenos de realidades complejas, intensas, vitales. Nos agrupamos como una veintena de naciones, pero a la hora de mirarnos en el espejo del cine preferimos buscarnos en un reflejo único, lejano y distorsionado de los dueños de los cristales.

Es difícil que el cine iberoamericano circule, que viaje y nos ponga a dialogar con estos parientes que están tan cerca. La colonización del entretenimiento ha impulsado una evasión sistemática de nuestra identidad, un entramado de complejos que naturalizan narrativas en donde los rasgos que nos definen se presentan como extraños.

Por eso proponemos un listado de películas fundamentales para entender lo que va de este siglo con la ayuda de valientes cineastas iberoamericanos que han definido con su osadía, no solo el presente, sino el futuro del cine mundial. Como cualquier listado que se respete, serán más quienes resulten inconformes, pero dará origen a la curiosidad y al sano debate que tanta falta nos hacen por estos lados.

En este encuentro de miradas resalta la rebeldía, la pasión y la búsqueda de trazos y ritmos que definen nuestra vitalidad, nuestra búsqueda de justicia y la de nuevas formas de comprender el mundo, proponiendo obras que trascienden al entretenimiento y que avanzan en la función de convertirse en mecanismos de entendimiento.


CIUDAD DE DIOS

Dir. Fernando Meirelles y Kátia Lund

Brasil – 2002

Desde sus inicios, el cine de Brasil presenta una fuerte dicotomía, así como la cultura que lo produce. Por un lado, está la festividad, el hedonismo y el derroche del carnaval, representado por las “chanchadas”, unas películas grandes, alegres y artificiosas, encarnadas en Carmen Miranda, que celebraban el espíritu festivo de este país. Pero, por otro lado, están esas películas pequeñas, agresivas, tristes y realistas, que exploran el hambre, la pobreza y la opresión del Cinema Novo liderado por Glauber Rocha. De esta dialéctica surge la primera película dirigida por Fernando Meirelles, un hombre que viene del mundo de la televisión infantil, y Kátia Lund, una directora de videos musicales. Juntos retoman la tradición del cine sobre “los niños perdidos”, iniciada por El limpiabotas de De Sica y continuada por Los olvidados de Buñuel, Pixote de Héctor Babenco y La vendedora de Rosas de Víctor Gaviria. Con una energía y vitalidad tal que nos recuerda al mejor cine de Scorsese y Tarantino, Meirelles y Lund nos ofrecen una cinta que explota ante nuestros ojos. Ciudad de Dios es todo un carnaval visual lleno de color, frenetismo y riqueza formal, pero también es un manifiesto que, con cámara en mano, hace visibles a los invisibles y nos muestra cómo, de acuerdo con lo planteado por Rocha, el hambre y la pobreza acaban con los sueños y las ilusiones, dando origen a la violencia de una manera inevitable.     

ROMA

Dir. Alfonso Cuarón

México – 2018

En los albores del siglo XXI los mexicanos se han apoderado del mejor cine. En 2014, Alejandro González Iñárritu se llevó a su casa el premio Óscar a la mejor película con Birdman. Tres años después, Guillermo Del Toro hizo lo mismo con La forma del agua. Pero definitivamente, Alfonso Cuarón es el mejor de los “Tres Mosqueteros”. No pudo llevarse el codiciado galardón con Roma, una cinta que, de hecho, es superior a los premiados trabajos de sus estimados colegas y amigos. El mismo Guillermo Del Toro la mencionó como una de sus películas favoritas de todos los tiempos, y no es para menos.

La ganadora del Óscar a la mejor película de habla extranjera es importante por tres aspectos fundamentales: primero, es una cinta que busca reconocer y redimir a mujeres maltratadas y abandonadas por una sociedad machista. Segundo, es un profundo comentario social sobre una cultura con una marcada división étnica y social que aún no se ha superado. Y tercero, es una reflexión fundamental sobre los recuerdos y la forma en que estos conforman nuestra identidad.

Pero la obra maestra de Cuarón, basada en sus propias vivencias, es también un trabajo que bien puede compararse a otras grandes obras autobiográficas como Amarcord de Fellini, y Los 400 golpes de Truffaut. También es una cinta con una marcada influencia literaria, especialmente de Dickens y de Tolstoi, autores que mostraron desde un punto de vista directo y candoroso, cómo los eventos traumáticos marcan nuestra existencia. Roma es una película muy personal, de una factura preciosa y grandilocuente, con una fuerza emotiva que logra conmover y estremecer hasta la médula.

AMORES PERROS

Dir. Alfonso González Iñárritu

México – 2000

Aunque la ópera prima de Iñárritu está claramente influenciada por el cine de Tarantino (especialmente por Pulp Fiction), lo cierto es que Amores Perros posee un ingrediente adicional del que carecen las películas del estadounidense: un demoledor trasfondo sociopolítico por cuenta del guionista Guillermo Arriaga.  El pasado, el presente y el futuro, junto con la clase media, alta y baja, colisionan y producen tres historias diferentes sobre unas personas y sus perros, las cuales hacen parte de la “comedia humana” de la que hablaba Balzac. Asimismo, el cine de Tarantino colisiona con el cine de Buñuel y de Glauber Rocha, en un épico con la densidad, la agresividad y la contundencia de una pieza musical de Led Zeppelin (la mayor influencia del director antes de producir esta inolvidable cinta). Según contaron sus realizadores, cuando se presentó por primera vez en Cannes los agentes de ventas salían de la sala y se dirigían al pasillo a hablar por teléfono. Aunque ellos pensaron que se trataba de algo negativo era un impulso frenético desatado por comprar sus derechos de exhibición en diferentes territorios, abriendo las puertas al cine iberoamericano en muchos lugares del mundo.

EL LABERINTO DEL FAUNO

Dir. Guillermo del Toro

España – 2006

El director mexicano, obsesionado por lo gótico y lo macabro, confeccionó una de las más importantes cintas de fantasía de todos los tiempos. A diferencia de sagas como Harry Potter y El Señor de los anillos, que funcionan como escapismo para sus seguidores, El laberinto del fauno es una cinta sobre el propio escapismo, que nos cuenta la historia de una niña que se refugia en un mundo de fantasía para huir de los horrores de la guerra. Con esta bella y cruel maravilla, Del Toro nos recuerda que los cuentos de hadas siempre poseen un trasfondo macabro y sirven como advertencia ante los peligros de la vida real.

EL ABRAZO DE LA SERPIENTE

Dir. Ciro Guerra

Colombia – 2015

En la aclamada cinta del colombiano Ciro Guerra, Sudamérica se concibe como una selva exótica y misteriosa, en donde existen seres místicos que poseen los secretos de toda clase de plantas mágicas que permiten expandir la mente, embarcarse en viajes astrales y entender el verdadero significado de la existencia… O por lo menos es así en la mente del hombre blanco. En un evocador blanco y negro, se nos cuentan dos historias paralelas, las cuales transcurren una en 1909 y la otra en 1940. En ambas historias, dos hombres blancos buscan la ayuda de Karamakate, un imponente indígena solitario con aire de superhéroe. En este relato psicodélico y con toques de Carlos Castaneda, Guerra hace uso de múltiples referentes, que incluyen a Herzog, Coppola, John Boorman, Jamie Uys, Stanley Kubrick, así como los cómics de Tarzán y El Fantasma. Se puede pensar en El abrazo de la serpiente como la mejor obra de “explotación indígena” en la historia del cine.

EL SECRETO DE SUS OJOS

Dir. José Luis Campanella

Argentina – 2009

Un drama criminal y una historia de amor convergen en un trabajo armado con la precisión de un reloj suizo por el director y guionista argentino José Luis Campanella. Ricardo Darín nos demuestra una vez más por qué es uno de los actores más importantes del cine actual, y Campanella vuelve a hacer evidente su gusto por un cine clásico, artesanal y literario, ese que ya dejó de hacerse hace mucho tiempo.  

RELATOS SALVAJES

Dir. Damián Szifrón

Argentina – 2014

Pese a que lo intentaron Fellini, Antonioni, Woody Allen, Scorsese, Spielberg, Tarantino y Wong Kar-Wai, las películas antológicas en el cine siempre terminan convirtiéndose en productos irregulares, con algunos relatos muy buenos, pero otros que no lo son tanto. El argentino Damián Szifrón logró lo imposible: la primera película antológica que es estupenda de principio a fin. Cada una de las seis historias contadas aquí es tan salvaje como lo promete su título, pero también están llenas de humor, sorpresas y mucha humanidad.

LA FLOR

Dir. Mariano Llínas

Argentina – 2018

La Flor es producto de la fascinación de un director increíble por un grupo de actrices maravillosas, es una exploración desmedida del drama y de los mecanismos formales del cine. La película dura 13 horas durante las cuales suceden seis historias interpretadas principalmente por esas cuatro actrices. Fue rodada a lo largo de diez años y cada segundo vale oro. Su creador no ha permitido que se presente como una serie y ha preferido mantener la experiencia para ser vivida en salas de cine. Quienes han tenido la experiencia de verla en esta forma reconocen la vocación ritual que la ha convertido en una película de culto definitiva para la cinematografía iberoamericana.

NO

Dir. Pablo Larraín

Chile – 2012

Pablo Larraín, el mejor director chileno de todos los tiempos, nos entrega un recuento de los sucesos acontecidos en su país en 1988, cuando se generó una campaña publicitaria sin precedentes para convencer a los televidentes de NO elegir a Pinochet por ocho años más. Era una opción posible y viable. Con un arriesgado formato visual, conformado en su mayoría por material en video de baja definición de la época, combinado con nuevo material grabado en el mismo formato, Larraín da cuenta de una época borrosa, oscura y sucia, en la que unos pocos se opusieron a las estructuras aplastantes del poder y obtuvieron la victoria.

BLANCANIEVES

Dir. Pablo Berger

España – 2012

Blancanieves muerde la manzana de Pablo Berger para inyectar al relato clásico una dosis de oscuridad expresionista. Esta moderna obra maestra se apropia de los códigos del cine silente y nos transporta a una época previa a la aparición del cine sonoro, en donde la imagen era un camino absoluto. El cine silente llegó a un grado muy elevado de sofisticación visual y la producción no se limitaba a los confines de Hollywood; en la época que nos refiere Blancanieves, México, Argentina o España producían más cintas que Estados Unidos. Sin embargo, tras la guerra, estos caminos se truncaron y el monopolio asfixió la producción local. Blancanieves nos lleva a esos tiempos, sin diálogos innecesarios o artificios musicales. También se sirve de un discurso congruente con su estética para señalar los periodos de silencio a los que España fue sometida durante décadas. 

MEMORIA

Dir. Apichatpong Weerasethakul

Colombia – 2021

Filmada por un autor tailandés y protagonizada por una actriz irlandesa, Memoria representa un momento específico del cine colombiano en el que abre sus ojos más allá, pero no muy lejos de las narrativas de su violencia. Esta experiencia fílmica representa una cinematografía inquieta, que busca más allá de los cánones estilísticos hollywoodenses, con herramientas propias para acercarse a la ficción desde un espectro trascendental. También representa un punto alto en el trayecto de la productora Diana Bustamante, responsable por cintas esenciales del nuevo cine colombiano como El vuelco del cangrejo, Los viajes del viento, La sirga, Los hongos, La tierra y la sombra. 

POST TENEBRAS LUX

Dir. Carlos Reygadas

México – 2012

Carlos Reygadas fue premiado como el mejor director en Cannes 2012 por un trabajo que resultó abucheado fervientemente por la misma audiencia del festival. Post Tenebras Lux es una cinta que divide, una obra que tiene tanto de maestría como de inquietud y espíritu provocador. El filme recorre diferentes sensaciones y puede apreciarse por encima de su vocación narrativa como una experiencia sensorial que pasa fácilmente de una orgia en una sauna a una caminata en el campo de unos niños para plantear ideas inquietantes sobre la existencia.

ZAMA

Dir. Lucrecia Martel

Argentina – 2017

La autora argentina ha dejado su huella a través de un cine que presta gran importancia al entorno, a la construcción sonora y a la contemplación de lo que no está ante la pantalla. En Zama, la directora de La mujer sin cabeza, hace gala de su espíritu descolonizador y pone su cámara frente a un representante de la corona atascado en las tierras prometidas. El resultado es un retrato humano, una obra que rastrea las raíces de una cultura de la impostación, nacida hace siglos en las márgenes decadentes de unos territorios habitados por la esperanza.

LA LLORONA

Dir. Jayro Bustamante

Guatemala – 2019

El mito de ‘La llorona’ se remonta a la época precolombina, hace parte del folclor de México, Colombia y Guatemala, y plantea la historia de una mujer cuyos hijos murieron ahogados y que, como un espectro fantasmal, deambula por los pueblos y ciudades asustando con su llanto. Pese a que esta historia se ha llevado numerosas veces al cine, el guatemalteco Jayro Bustamante logró por fin confeccionar la versión cinematográfica definitiva de este personaje arquetípico. Con un manejo de cámara meticuloso y un ritmo pausado y perturbador que nos acerca a Kubrick, su cinta nos va introduciendo a las apariciones, los llantos, la humedad y las pesadillas que empiezan a envolver una familia confinada y asfixiada en su hogar en medio de los terribles secretos guardados por uno de sus más respetados miembros.

LA ISLA MÍNIMA

Dir. Alberto Rodríguez

España – 2014

La isla mínima es un clásico del cine policiaco. Sobre las sólidas actuaciones de Raúl Arévalo y Javier Gutiérrez, deja discurrir un guion sorprendente, logrando poner la ira y el resentimiento en el centro de un retrato de la relación entre la justicia y los ciudadanos que habitan en los confines de la sociedad. Esta película se ha inscrito como una de las maravillas contemporáneas del cine ibérico, fue la película española de mayor repercusión en su año de lanzamiento, y según el director, es producto de su interés en una serie de fotografías sobre el fenómeno de las marismas.

YA NO ESTOY AQUÍ 

Dir. Fernando Frías

México – 2019

La cumbia nació caribe, al igual que en el vallenato sus aires son sinónimo de mestizaje, la caña de milo de los indios, el tambor africano y un canto profundo que se expande en las praderas para juntar el ganado. Esa voz híbrida ha viajado desde el calor de la costa norte de Colombia y se ha instalado en diferentes locaciones. En Argentina se instaló en los barrios humildes y se convirtió en la cumbia villera, en México se metió entre los jóvenes que adoptan el estilo de los “Kolombia” y en sus fiestas sonideras se apodera de todo impulso de movimiento. Esta cinta independiente cuenta la historia de un joven atrapado entre las encrucijadas propias de un barrio latinoamericano, y en el proceso descubre su identidad y su fuerza interior.

UNA MUJER FANTÁSTICA

Dir. Sebastián Lelio

Chile – 2017

Una mujer trans ha sostenido durante años una relación de convivencia con un hombre de mayor posición social. Esta cinta retrata el tramo de su vida en el que debe confrontar a la sociedad para reclamar lo justo, la magnífica actuación de Daniela Vega y la acertada dirección de Lelio convirtieron esta película en una proclama sobrecogedora sobre la igualdad.

REC

Dir. Jaume Balagueró y Paco Plaza

España – 2007

Este fenómeno español surge del fanatismo de sus directores por el género de horror, y se convirtió en una rentable inversión, que con un presupuesto muy bajo generó una franquicia con tres secuelas, una serie de comics, una novelización y un remake norteamericano. Pero REC proviene también de un proceso experimental; por ejemplo, los actores nunca recibieron el guion en su totalidad, con lo que su director garantizó sustos genuinos para ellos y nosotros.

NO SE ACEPTAN DEVOLUCIONES

Dir. Eugenio Derbez

México – 2013

Un éxito comercial sin precedentes para la región, una de las pocas cintas que ha logrado convocar audiencias inclusive en Norteamérica en donde ha sido una de las cintas en español más vistas en la historia. Derbez hace uso de un humor particular y nos demuestra que incluso a través de la cursilería, el humor simple y una realización básica es posible poner a muchos de acuerdo para soltar una lagrimita, un placer culposo en nuestro idioma.


Mención de honor, grandes películas que fueron consideradas junto a las seleccionadas en esta lista: Monos, Pájaros de verano, La jaula de oro, Cocote, Arabia, El ciudadano ilustre, Matar a Jesús, La tierra y la sombra, Desde allá, Luz, Güeros, La noche de 12 años, Gloria, Las herederas, Tarde para morir joven, La Ciénaga, Whisky, El Club, 7 cajas, El agente topo, Diarios de motocicleta, Nueve reinas, Bacurau, Pelo malo, Conducta, La teta asustada.

  

Trending