Durante años, Steve Aoki ha construido una carrera basada en la colaboración y en el intercambio cultural. Desde sus primeros cruces entre la electrónica y el hip hop hasta sus múltiples acercamientos a la música latina, el productor estadounidense ha convertido su proyecto en un espacio donde distintos géneros, idiomas y escenas pueden coexistir. Su nuevo sencillo, ‘Fotopaparazzi’, continúa esa idea a través de una colaboración junto a Jessica Audiffred y JON Z.
La canción fue presentada por primera vez durante el set de Aoki en Ultra Music Festival, como parte de las celebraciones por el 30 aniversario de Dim Mak. Para el productor, el tema representa una combinación entre México, Puerto Rico y su propia identidad japonés-estadounidense, además de una nueva oportunidad para seguir explorando la relación entre la música dance y los sonidos latinos.
En conversación, Aoki habló sobre el proceso detrás de ‘Fotopaparazzi’, el papel creativo de Jessica Audiffred dentro de la producción, su interés constante por colaborar con artistas latinoamericanos y la próxima canción que lanzará junto a Farruko y Greeicy, inspirada en la era dorada del EDM de inicios de los 2010.
Felicidades por el lanzamiento de ‘Fotopaparazzi’, tu nueva canción, en la que colaboras con dos artistas que forman parte de esta escena latinoamericana que crece cada día a nivel global. ¿Por qué elegiste a Jessica Audiffred y Jon Z para formar parte de este track?
Bueno, con Jon ya he estado trabajando en música. De hecho, hicimos una canción para su álbum llamada ‘Rumba Hoy’, y esta idea de ‘Fotopaparazzi’ surgió hace como uno o dos años. Estaba trabajando en un beat y tratando de llevarlo a un muy buen punto. Escuché sobre Jessica Audiffred, sobre su sonido y lo que representa, y me emocioné mucho por trabajar con ella. Le envié lo que estaba haciendo, ella añadió sus elementos y entonces simplemente se completó.
Estoy feliz de que Jessica se haya sumado, realmente quería hacer una canción con ella. Creo que es una artista increíble y lo que está haciendo en México y en la comunidad de EDM latinoamericana, y con la música dance en general, es impresionante. Así que estoy feliz de que también la estemos apoyando a través de mi sello y de haber lanzado un sencillo con ella. Ojalá podamos lanzar más música propia de ella también.
Es una muy buena mezcla entre Puerto Rico y México, y luego yo, que soy japonés-estadounidense, así que son muchas culturas diferentes uniéndose para hacer posible esta canción.
Entonces, dos años en desarrollo para esta canción, ¿qué tanto cambió la idea original a lo largo de los meses?
Bueno, las voces siempre son las mismas. Para mí, cuando recibo una voz, si es realmente buena, puede envejecer como un buen vino. Sin embargo, la producción siempre va a cambiar. Cada vez que lanzo un track, las voces generalmente, si son muy buenas, no las toco demasiado, pero mi producción siempre se va a actualizar justo antes de lanzar la canción, según el sonido que más me esté inspirando en ese momento.
Y es que con la producción y creación musical, nunca se termina. Si no hubiera una fecha límite, estaría constantemente produciendo y cambiando mi música todo el tiempo. Me gustaría poder volver a algunas de mis producciones antiguas y modificarlas. Pero necesitas una fecha límite para liberarte de eso y dejar que el mundo la tenga.
Pero sí, ha sido una canción en evolución, y la voz es tan fuerte para mí. Siento que es pegajosa, tiene ritmo, tiene energía, lo tiene todo, y solo necesitaba algo que realmente capturara esa presencia y coincidiera con ese tempo, con esa energía.
Y hablando de la producción, Jessica Audiffred tiene un papel importante en esa parte de la canción. ¿Cómo describirías su estilo de producción?
Creo que es bastante innovadora. También está mezclando y encontrando su lugar en distintas áreas. No solo hace bass music, obviamente es conocida por drops más pesados y sonidos más trap. Creo que es una productora y artista muy inteligente, y va a mezclarse y fluir con diferentes artistas.
Esa es una de las grandes cosas de la colaboración: te permite hacer algo distinto a lo que la gente esperaría. Así que creo que con esta canción y con el beat que le di, el que estaba trabajando antes de que llegara a ella, fue como: ‘Ok, me voy a mantener en esta línea’, y yo quería escuchar qué ideas de drop tenía, y tenía algunas muy buenas. Todo fluyó muy bien, era para festivales, listo para clubes, listo para streaming. Sabía que teníamos algo especial.
Y mencionaste que mezclar culturas fue una de las cosas más emocionantes de esta canción. No es la primera vez que colaboras con artistas de una cultura distinta a la tuya. ¿Qué has encontrado en este tipo de colaboraciones que no encuentras al trabajar con artistas de tu propia cultura?
Creo que mis colaboraciones favoritas son las que están fuera de mi cultura. Muchas de mis colaboraciones latinas constantemente me hacen evolucionar como artista. He hecho muchas colaboraciones mexicanas con Natanael Cano, Oscar Maydon, Santa Fe Klan, y algunos productores y DJs mexicanos, pero no tantos como cantantes y vocalistas. Por eso me emocionó mucho trabajar con una DJ y productora mexicana.
He trabajado con Deorro, aunque es estadounidense, representa mucho la cultura mexicana. Trabajo con él desde 2013, tal vez incluso desde 2012, llevamos mucho tiempo haciendo música juntos. Me encanta Deorro. Pero fuera de eso, he trabajado con muchos artistas colombianos como J Balvin y Maluma, y con muchos artistas puertorriqueños como Daddy Yankee y Nicky Jam, y muchos otros artistas latinos.
Y lo nuevo que viene, tengo una colaboración próxima con Greeicy de Colombia y Farruko. Tengo un interés muy marcado que siempre se inclina hacia lo latino. El ritmo, los sonidos, la cultura, la gente, los artistas… los artistas con los que trabajo en espacios latinos tienen una mente abierta. Quieren intentar algo fresco, algo diferente, algo nuevo. Y creen en mí, lo cual es lo más importante. Siempre ha sido una bendición. Siempre ha sido una experiencia muy divertida.
Como dijiste, tienes una nueva colaboración próximamente con Farruko y Greeicy. ¿Qué puedes contarnos de esa canción? ¿Cómo la describirías?
La canción tiene la vibra de las canciones que hemos hecho juntos. He trabajado con Greeicy antes, hicimos una canción llamada ‘Cartagena’, y con Farruko hicimos ‘Aire’ y también hice un remix de ‘Pepas’.
Ambos vinieron a mi estudio, entendimos nuestras energías, y con esta queríamos hacer algo que trajera de vuelta la edad dorada del EDM. Realmente quería recuperar ese elemento de melodía y felicidad; es una canción feliz. Musicalmente es feliz, es melódica, brilla.
Cuando escuchas la voz de Greeicy, sus melodías, y cuando escuchas a Farruko cantar, es un sonido muy ligero. Y tengo que decir que, con la melodía y el sonido, siento que estoy regresando a mi buen amigo Avicii, quien realmente marcó el camino de lo que fue la era dorada del EDM a principios de los 2010.
Y quería traer de vuelta esa energía con esta producción y hacer algo interesante que tome el sonido de Farruko y Greeicy, lo que culturalmente se conoce de ellos en el mundo, y llevarlos a esta era más melódica del EDM de inicios de los 2010.
Y hablando de Farruko, sobre el remix que hiciste de ‘Pepas’, que tiene un sonido muy electrónico, ¿cómo fue el proceso de añadir tu propio toque?
La melodía ya es el gancho, y aunque no conozcas la letra, ya puedes cantar la melodía. Esa es la verdadera señal de la música electrónica: cuando puedes cantar la melodía con la misma fuerza que la voz.
Para mí, cuando hice ese remix, estaba muy metido en una vibra más house, con los drums liderando con una energía electro. Entonces, en el drop, dejé que la voz de Farruko guiara la canción, llevara la melodía. Y cuando entro en el drop de Steve Aoki, vamos hacia ese sonido big room, electro house, con mucha energía.
Y lo bueno de la cultura DJ es que puedes probar estas cosas antes de lanzarlas. Recuerdo probar el track de ‘Pepas’ y pensar: ‘Wow, esto es diferente. Es una versión distinta del drop, y funciona’. Aún lo toco hasta el día de hoy, todo el tiempo. La gente sigue pidiendo mi remix de ‘Pepas’.
Quiero volver a ‘Fotopaparazzi’ y hablar de algo que mencionaste: que la canción se siente global y auténtica al mismo tiempo. ¿Cuál es el secreto para hacer productos que reflejen tu identidad y al mismo tiempo conecten con una audiencia global?
El sonido de Steve Aoki es global, y hago mucho énfasis en colaborar con diferentes culturas. Es algo que he hecho desde mi primer álbum, trabajando con artistas de hip hop, con distintos géneros. Siempre quiero expandirme. Cada vez que trabajo con otra cultura, con artistas que tienen otra forma de entender y crear música, eso expande mi creatividad, y ese proceso de aprendizaje siempre es emocionante.
Pero mi sonido siempre es global. Mis shows son globales. No están basados sólo en Estados Unidos ni en el inglés: hay coreano, japonés, español, alemán, italiano. Siempre quiero pensar en el mundo, y el mundo cada vez es más pequeño.
Recuerdo cuando la música latina empezó a crecer muchísimo hace unos ocho años, y creo que la música en español va a ser más grande que la música en inglés.
La música coreana se volvió tan popular que gente que no hablaba coreano cantaba K-pop. Nunca puedes subestimar los idiomas no dominantes ni el poder de las culturas para penetrar el mundo.
Algo que me llamó la atención de la canción es que me hizo querer bailar. Y también mucho de tu material reciente. ¿Por qué crees que sigue siendo importante hacer música que haga bailar a la gente hoy en día?
El mundo tiene muchos conflictos, mucha división, muchas cosas negativas. Y sí, necesitamos bailar, necesitamos movernos, necesitamos la música como una forma de escape o de sentirnos libres.
Al final del día, ese es mi objetivo como artista y productor: darle a la gente un espacio seguro para expresarse. Y no hay mejor lugar que un festival o incluso un club pequeño donde veo a la gente moverse, disfrutar. Cuando estás en el estudio creando una idea, esa es la imagen que tienes.
No es solo para escucharla, aunque sí quiero que la gente la disfrute en su coche. La imagen es la pista de baile, con amigos, saltando, pasándola bien. Si te mueves, vas a ser feliz, te lo prometo.
Y finalmente, Steve, ¿qué más tienes en mente para la celebración del 30 aniversario de Dim Mak Records?
Vamos a lanzar una recopilación con los 30 grandes éxitos de Dim Mak, lo cual es muy difícil porque hemos lanzado miles y miles de tracks en muchos géneros. Dim Mak comenzó en 1996 cuando estaba en la universidad en Santa Bárbara, en la época en la que tocaba punk y hardcore, ni siquiera era música electrónica.
También estamos trabajando en un libro con toda la historia de colaboraciones, fiestas, eventos, lanzamientos y recuerdos.
Y aún tenemos más escenarios por venir. Tendremos un escenario Dim Mak 30 en Tomorrowland en Bélgica, el primer fin de semana. Y también en Japón, que aún no se ha anunciado, pero lo digo aquí: tendremos escenario en Summer Sonic.
Estoy feliz de que Japón esté representado. Es el festival más grande del país, aunque no es electrónico sino de rock, lo cual es especial porque Dim Mak empezó en el rock.
También tengo más shows de Dim Mak 30 como Steve Aoki: Chicago, Washington DC, Nueva York, Los Ángeles, San Francisco, Minneapolis… muchos shows en Estados Unidos. Habrá más shows, productos, objetos de colección, cosas importantes. Y también habrá cosas interesantes que aún no anunciamos dentro de la línea de coleccionables. Así que estén atentos.
