El camino musical de Vicente Gracía ha trazado un puente entre los sonidos autóctonos y de la modernidad, haciendo de su música un homenaje a todos los artistas que forjaron los sonidos del folclor del Caribe, manteniendo sus raíces en nuevas propuestas musicales.
García ha entendido a lo largo de su carrera que dentro de los orígenes musicales, están las herramientas para innovar dentro de una industria saturada y en muchos casos homogénea. Desde colaborar con los Gaiteros de San Jacinto hasta Juan Luis Guerra, el abanico de sonidos de Vicente García se despliega brindándonos una reconciliación con los sonidos que nos forjaron y nos identifican como sociedad.
Eso es Puñito de Yocahú, un álbum que genera una conversación entre lo ancestral y el presente en busca de la preservación.
Fueron 6 años para volver a lanzar un álbum de larga duración. ¿Cómo nació Puñito de Yocahú y por qué pasó tanto tiempo entre este disco y Candela?
Durante estos 6 años lancé dos EP, Camino al Sol que ganó un Grammy hace dos años y Desde Otro Malecón. Puñito de Yocahú siento que es la continuación a lo que inició en A la Mar, continuó con Candela y ahora vuelve a encontrar la dominicanidad y el transformar esa cultura en una producción.
Este álbum, además de representar mi cultura en vocabulario y expresiones, también refleja momentos importantes para la historia de la isla, la llegada de los españoles, la explotación de los esclavos en la industria azucarera… también explicar un poco la situación actual en canciones como ‘Quisqueya’, que habla del gobierno y ese pseudo desarrollo a través del turismo que solo beneficia a los grandes empresarios. El disco no es una crónica, pero sí marca momentos importantes de la isla. También, el cruce entre las tres razas: la española, la africana y la taína.
Como te decía, este disco viene prácticamente formándose desde A la Mar y Candela, pero sí hubo un punto de quiebre, donde entendí que este álbum era lo que necesitaba. El punto de quiebre fue un viaje que hice a San Francisco, un pueblo cercano a Bogotá, en donde un proceso de meditación y trabajo espiritual, me llevó a la conclusión de lo que debía hacer. De hecho sentí, que Colombia tiene mucho que ver desde la cosmovisión indígena, siento que esto también hace parte de una historia de la isla, una historia que se perdió. Una teoría dice que los taínos llegaron desde aquí, desde el Orinoco… Por eso el teaser del disco inicia con unas flautas de Colombia, que llegan a la isla y ahí empieza ese recorrido del criollismo antes de la llegada de los españoles.
En conclusión, la cosmovisión y espiritualidad indigena que se abraza en Colombia, quería también abrazarla pero en República Dominicana, de ahí parte este nuevo disco.
¿Cómo describirías el sonido del disco?
Ese sonido busca en la raíz, el sonido va buscando desde el pasado pero conecta con la electrónica, con los arpegiadores. También trabajé mucho desde el sampleo, la canción ‘Abusadora’ empezó desde una de un bachatero llamado Blas Durán, de una canción que se llama ‘Que Bien Le Hiciste’. Se trabajó mucho desde la estética del collage sonoro.
Este disco fue jugar con las herramientas que teníamos, agarrar el tres cubano que viene de la fusión de culturas, la llegada de los españoles, de los africanos, de todos esos ritmos percutivos, y meterle un sintetizador que traje de Brooklyn. Es jugar con la sonoridad sin prejuicios.
Siento que en estos tiempos para innovar dentro de la música, una de las mayores herramientas es mirar nuestras raíces musicales ¿Qué piensas al respecto?
Así es que yo lo hago, siento que es esencial y es lo que le da peso a la música, porque digamos, a mi me encanta la música electrónica, me encanta el techno, pero ahí no voy a encontrar mucho más de lo que ya sé, es música fría, pero si a eso le metes un canto que se grabó en el campo en los años 70s, ahí ya alguien puede resonar con eso, es el elemento que seguramente te hará destacar.
El reggaetón está bien, pero dame algo más, cuando le ponen una guitarrita de champeta, revive la vaina. El problema no está en ningún género, la vuelta es como hacerlo suyo y cómo transformarlo.
‘Coger el Monte’ parte de toda una librería de reggaetón, pero para hacer algo completamente diferente, una librería muy famosa en los años 2000. Esta canción no suena a reggaetón pero ahí está el juego, convertir lo que ya existe, eso es lo divertido.
Siento que trabajar con los sonidos del folclor del Caribe es todo un reto por cómo la industria viene trabajando, una industria cada vez más homogénea… ¿Cuándo estabas haciendo el álbum pensabas en algo así, alguna presión de cómo le podría ir al álbum por desligarse de los sonidos más comunes?
Yo estoy claro que este disco no va a ser el número uno, además no es lo que busco. Igual si, te puedo decir que hubo dudas, sobre todo al final, uno está tan saturado e inmerso, que se pierde un poco de perspectiva, pero son dudas sobre todo en algunos versos o cositas chiquitas. Pero, ¿si el disco va a tener éxito comercial? ya no me preocupo por esas cosas.
Sé que Juan Luis Guerra ha sido un gran referente durante tu carrera y siento que además de la canción ‘Voy en Coche’, el sonido de él se hace presente en el disco. ¿Qué tanta influencia hay de él en este álbum?
En mi carrera es muy evidente lo que me influencia Juan Luis. En este disco siento que no es algo tan explícito como en ocasiones pasadas, en Candela si hubo una mayor y más explícita referencia, claro, lo que pasa es que su influencia es tanta que si hago una bachata, seguramente se escuchará a Juan Luis ahí, él fue mi gran maestro que me llevó del funk a la música dominicana.
En este disco hay una canción que hice inspirada en Víctor Víctor, ‘Bajo el Flamboyán’ estaba inspirada en su sonoridad, una sonoridad también ligada a Juan Luis, ellos hicieron muchas cosas juntos. Víctor Víctor murió en el covid y era momento de hacerle un pequeño homenaje.
