El guitarrista Joe Satriani comenzó 2022 con el lanzamiento de su decimonoveno álbum de estudio Elephants of Mars. Este legendario músico en sus más de 35 años de carrera musical ha desafiado el sonido, ha llevado a la guitarra eléctrica a sus límites y ha publicado una discografía que nunca termina de evolucionar.
El guitarrista se propuso crear un “nuevo estándar” para medir los álbumes de guitarra instrumental, que funcionara desde “una nueva plataforma de diseño propio”, como él mismo dice. “Quiero mostrar a la gente que un álbum de guitarra instrumental puede contener elementos mucho más creativos y entretenidos de lo que creo que la gente está utilizando ahora”.
Hablamos con el guitarrista sobre el concepto detrás de su más reciente disco, su perspectiva sobre la música instrumental hoy en día y cómo las artes visuales permean cada una de sus obras.
¿Cuál es el concepto detrás de The Elephants of Mars?
Sabes, el concepto no tiene nada que ver con el título. Fue sentirme en una posición en la que después de hacer dos álbumes, que fueron pensados en un contexto más rockero, quería cambiar y mirar completamente hacia el futuro. Entonces, pensé que me debía asegurar de escribir mejores canciones y arreglos, tocar mejor la guitarra, ampliar la variedad de sonidos para el instrumento y juntar a un equipo que esté en sintonía con todo eso. Terminó siendo un período maravilloso en el que pude componer mucho y en cualquier estilo, al final teníamos alrededor de 30 canciones que podíamos escoger. Fue difícil quedarse con solo catorce pero pienso que fue un buen límite.
¿Cuál fue el chispazo que detonó este álbum?
Fue algo extraño. Muchas cosas pasaron en el último año y fue como un comienzo no deseado a raíz de la pandemia. En enero de 2020, ZZ y yo acabábamos de grabar el video de Nineteen Eighty y estábamos alistandonos para lanzarlo cuando empezó la cuarentena. Tuve que hacer un plan. Me preguntaba si debía esperar hasta que todo pasara o hacer música para la gente, porque soy músico y se supone que eso es lo que debo hacer sin pensar en la situación. Entonces pensé que la gente va a necesitar la música y no sé cuánto tiempo se va a alargar todo esto, así que decidí seguir adelante y lanzar “Shapeshifting” junto con el video.
Desafortunadamente para todo el mundo la pandemia se prolongó. Tuve una idea, luego de algunos meses, de hacer una grabación vocal e instrumental como algo extra. De esa forma cuando volviéramos a girar, algunos meses después, sería una forma de presentar a la nueva banda con Brian Beller, Kenny Aronoff y Rai Thistlethwayte. Pero mientras más pasábamos encerrados pensé en que la siguiente vez que pusiera un pie en el escenario la gente me iba a mirar y se iba preguntarse algo como ‘¿qué más tiene?’. Entonces me di cuenta de que iban a querer algo completamente nuevo entonces tuve que rehacer mis planes y pensé en todas esas metas que mencioné antes y apegarme a ellas.
No tengo horario, no hay reloj en la pared, entonces no hay ninguna excusa para ir de afán, y quiero ver como puedo esforzarme y así fue como pasó. Además todos querían hacerlo. Me reuní con mi amigo Eric Caudieux quien aceptó producirlo y reunir todos los archivos de las grabaciones remotas porque Rai estaba en Australia, Kenny estaba por todo el mundo, porque siguió trabajando, Brian y Eric estaban fuera de Los Ángeles. Tuvimos la oportunidad de usar el estudio de Jhon Brian como nuestra central de mezcla con Greg Koeller a la cabeza. Tomó un largo tiempo pero nos beneficiamos de no apurarnos, de grabarnos a nosotros mismos de forma privada sin feedback, sin reírnos de los otros. Todo eso nos dio unas actuaciones muy interesantes de todos. Así el álbum resultó ser bastante impresionante, a mi me encanta.
¿La pandemia afectó el sonido del álbum?
Creo que el no apurarse fue muy importante. Puede que sepas esto, pero, cuando estás arrendando un estudio profesional cuesta por hora y estás invitando a músicos profesionales que también te cobran por hora. También están los gastos de los hoteles, la comida, los discos duros y todo ese tipo de cosas. Antes de que te dieras cuenta, cada hora estás pensando que debes tener listas al menos tres canciones para el final del día y mañana debes tener otras tres. Te comprometes con esos tiempos. Ya sea que estés grabando overdubs, de forma automatizada o estés grabando las presentaciones en vivo, en un punto tú dices ‘está lo suficientemente bien, me estoy quedando sin tiempo’, o necesito más dinero, o que el baterista tiene que salir de gira’ o algo así. Es algo divertido porque puede energizar una sesión porque todos deben estar atentos, saben que deben tener la mejor actitud para tener la toma.
Pero en últimas, para el artista, y en mi experiencia como solista, desafortunadamente también estoy a cargo del dinero. En cierto punto durante el día pongo a un lado la guitarra y me pregunto si me estoy manteniendo en el presupuesto o si tengo que pasar a la siguiente canción. Esta es una profunda diferencia con todo lo que pasó porque no estábamos pagando el estudio, nadie estaba siendo contratado por horas y a todos les dije que se tomaran su tiempo. Por ejemplo, le dije a Brian que si se quería demorar tres semanas en una sola canción entonces podía hacerlo y que no la enviara hasta que creyera que es la mejor parte que Brian Beller ha hecho.
Y así fue como todos trabajaron y fue muy bonito ver a mis amigos enviarme estas tomas geniales que siempre me sorprendían. Siempre eran diferentes e inusuales y eran perfectas para las canciones. Estaba funcionando, tengo que decirlo, no quisiera estar en la situación en la que tuviéramos que hacerlo de nuevo por la pandemia pero no puedes negar que el resultado fue muy bueno.
¿Qué tipo de cosas son las que lo inspiran a crear estos paisajes sonoros tan complejos?
A veces me gustaría tomar el crédito y decir que simplemente lo soñé he hice que pasara. Pero, en el mundo real, estas cosas pasan por accidente. Creé un sonido que me hizo pensar en un elefante gigante, pero pensé que no debería estar en la tierra, así que me pregunté dónde estaría y pensé en Marte. Pensé en por qué estaría un elefante allá. Tal vez porque el planeta se terraformó y los científicos responsables de este proceso no saben que crearon esta raza de elefantes súper inteligentes y gigantes por accidente. Y qué harían una vez que están poblando el planeta junto con las colonias terrestres que vivían allí. Tal vez creen una revolución para hacer de Marte un planeta independiente. Es una gran historia de ciencia ficción.
Esto me motivó a terminar de reconocer lo loco que puedo volverme con los sonidos de mi guitarra y cómo decirle al resto de la banda que también deberían liberar su imaginación cuando tienen que hacer sus partes. A veces lo hago como una broma. Compuse una canción llamada “Dance of the Spores” y hay una sección de desglose que escribí para guitarras sin distorsión, piano y algunos pizzicatos. Los puse allí simplemente como una broma porque sabía que mi productor odiaba cuando los ponía en mis demos. Así que pensé, bueno, voy a poner muchos pizzicatos y los voy a enviar sin decir nada. Pero no reaccionó a la broma, me devolvió la canción y los reemplazó con una sección de trompetas mexicanas y un coro de mujeres búlgaras, que básicamente cantaban todas las notas que había escrito allí. Así que me dio la vuelta a la broma, pero terminó siendo algo que realmente me encantó fue algo incluso mejor de lo que imaginé. Mucho más bizarro. Cuando escribes una canción sobre esporas divirtiéndose, debes ser sincero.
¿De quién fue la idea de “Dance of the Spores”?
Hay un gran descubrimiento en los hongos psicodélicos, pero siempre pienso que tenemos muchos problemas como humanos. Problemas interminables con la guerra, la política, la pandemia y todo eso, pero, en un nivel más bajo, las esporas probablemente estén pasando el mejor momento de sus vidas. Pase lo que pase en el mundo humano, simplemente se lo pasan genial. Así que pensé, ¿cómo sería si te encogieras y pudieras ver las esporas aterradoras? y luego comenzarás a aprender más acerca de ellas y te das cuenta de que tienen una fiesta todo el tiempo. Eso es lo que estaba pensando.
¿Qué pasa con “22 Memory Lane”?
Esa canción trata sobre cómo es crecer en Long Island. Puse dos canciones en el álbum que tienen que ver con mis primeros años en Nueva York. 22 es el número de la casa donde crecí. Pensaba en cómo a medida que envejecemos a menudo volvemos a nuestros primeros recuerdos y tratamos de descubrir el cómo y el por qué. Y luego con “E 104th ST NYC 1973”, esa canción hace referencia a la dirección donde creció mi padre entre la primera y segunda avenida en Manhattan. Es un barrio llamado Spanish Harlem. Cuando era un niño en los años 60 recuerdo que me encantaba ir todos los domingos a compartir con mis familiares, pero en los años 70 era un adolescente músico que se metía en problemas, iba a conciertos y tocaba en bares. Comencé a darme cuenta de que la ciudad de Nueva York da mucho miedo y es un lugar muy loco pero la música era maravillosa. Me inspiré en el tipo de música que ponían cuando trabajaba en alguno de los bares que cerraba a las 4 A.M. Así que estaba allí a las cuatro y media de la mañana en el escenario tomando una copa o fumándome un cigarrillo y tocaban algo y sonaría así y básicamente de eso se trata esta canción.
Las artes visuales están muy relacionadas con su trabajo, ¿cómo se aproximó a ellas en este trabajo?
Bueno, la portada del álbum fue una idea muy loca. Esta idea viene de la mente de Todd Gallopo. Esta no es una nueva foto de mí. Hemos trabajado juntos en varios álbumes desde Chickenfoot. Le dije: ‘ok, el proyecto se llamará The Elephants of Mars y aquí hay una mezcla sin masterizar de la canción’.
Ya no tengo otra pose para hacer, me han fotografiado mirando a la izquierda, a la derecha, hacia adelante, hacia arriba y hacia abajo, así que después de reírnos, él comenzó a pensar en cómo podemos hacer que la guitarra, los elefantes y sus partes se junten de alguna manera. Ahí se le ocurrió la idea de utilizar el cuerpo, el cuello y la cabeza para representar a los elefantes. Fue genial. No quería hacer una sesión de fotos normal que es como de dieciséis horas y un montón de gente que debía estar cerca pero pues no se podía debido a la pandemia.
Entonces mi médico de cabecera es un muy buen fotógrafo y tenía un apartamento antiguo que había convertido en un estudio fotográfico y me garantizaba que era el lugar más seguro de San Francisco. Así que fuimos allí. Estábamos tomando algunas fotos serias y justo antes de irme, me dice: ‘sabes, tengo una mochila naranja que va muy bien con todo lo que hablas de Marte’. Él la tiene para guardar medicina para desastres porque es totalmente resistente al agua. Así que me puse esta cosa y tomamos como cinco fotos en forma de broma. No pensamos en usar ese material. Pero, cuando Todd vió la foto me dijo que deberíamos usar esa maleta porque parece equipación para viajar Marte. Fue realmente muy divertido con todo lo que teníamos en contra.
Terminamos el disco que pudimos sacar adelante con grandes conceptos y conseguimos buen material fotográfico. Todos colaboraron y realmente ayudaron a elevar el nivel artístico del proyecto. Siempre estaré en deuda con la banda, los productores, directores de arte, fotógrafos, fue un gran esfuerzo conjunto.
Dice que usted ha creado un nuevo estándar para este álbum, ¿cuál es su perspectiva sobre la música instrumental en la actualidad? ¿Por qué sintió esa necesidad de reinventarse y moverse a otros espacios?
Realmente miré hacía atrás en mi catálogo y vi que todos mis álbumes tenían razón de ser. Pensé que si alguien en mi posición tuviera la suerte de poder tener una gran trayectoria, abarcaría muchos estilos diferentes. Entonces, aquí estaba yo con un nuevo sello discográfico que estaba ansioso por apoyarme con lo que quisiera y realmente sentí que necesitaba estar a la altura de la ocasión de una nueva forma. Así que miré hacia atrás en mi catálogo y dije, está bien, necesito desarrollar un nuevo estándar para mí. Miré a mi alrededor y bueno, sí, hay muchas cosas diferentes en el mundo de la guitarra instrumental, es un pequeño subgénero. Puedes verlo cuando miras los músicos más jóvenes que intentan hacerse un nombre por sí mismos. Tiene sentido que se centren en la técnica porque están tratando de decir: ‘¡hey! ¡mírame! Mira lo que puedo hacer’. Eso es genial, pero eso no es para mí.
He estado en el medio durante mucho tiempo. Lo mío siempre han sido las canciones. Realmente pensé en que debería dejar en paz a los muchachos que están tocando guitarra de una forma increíble. Dejar que hagan discos como ellos quieran, dejarlos cometer errores. Simplemente crear mi propio mundo y eso es lo que realmente me liberó, olvidarme de lo que hacen los demás
¿Qué música escucha por estos días? ¿Hay algún artista o banda que llame su atención?
Todavía escucho mucha música antigua. Hace un mes estaba en mi estudio de pintura, porque me encargaron hacer varios cuadros para la Wentworth Gallery, y me puse a escuchar durante ocho horas a Black Sabbath. No lo había hecho en años. Así que ahora me pongo en streaming el catálogo completo de un artista. Un día será Hendrix, otro Led Zeppelin, o Black Sabbath. Me divierto mucho volviendo en el tiempo. De vez en cuando pongo algunas cosas nuevas y digo ¡wow!.
Me impresiona mucho y me inspiran los guitarristas jóvenes, los veo publicar cosas ridículamente buenas todos los días en Instagram. Cosas que técnicamente nunca podré tocar pero no me molesta. Veo artistas como Steven Toronto o Jason Richardson y simplemente me sorprende lo difícil que es y lo bien que lo hacen, incluso la velocidad que es alucinante y lo están haciendo en guitarras de siete y diez cuerdas. Pero todo eso me inspira, siempre pienso en que si ellos pueden hacer eso, yo debería volver a mi habitación y practicar.
G3 está próximo a cumplir 25 años, ¿habrá una reunión con la alineación original?
Espero que sí. He hablado con Steve Vai y con Eric Johnson con respecto al tema y todos pensamos que es una buena idea. Todos estamos ocupados sacando nueva música, Steve tiene un nuevo álbum genial, Eric tiene dos proyectos que van a salir en cualquier momento. Álbumes realmente sorprendentes. Todos tenemos fechas de lanzamiento y seguimos pensando que en 2023 podría suceder. Estamos hablando detrás del escenario.
Steve Vai alguna vez le dio el consejo de no reemplazar a alguien en una banda famosa, ¿sigue considerando salir de gira con Van Halen?
Alex y Dave me contactaron hace casi un año. Representar a Eddie es un sentimiento que me aterra en cualquier presentación en vivo. Lo único que supera mi miedo es el profundo amor y respeto que le tengo a su legado. Recuerdo haber dicho que sí con mi boca antes de que mi cabeza se negara. ‘Llamen a Steve o a cualquier otro’ pero supongo que en mi corazón pensaba que esto podría ser algo maravilloso de lo que ser parte. No sé si realmente puede pasar, sé que supone que no deberíamos hablar sobre ello, es una situación muy inusual con Alex, Dave, Sam y Wolf. Yo soy un forastero, solo estuve con él una vez y me siento honrado y estoy feliz que con Alex tuvimos muchas conversaciones sobre el tema pero no sé si algo como eso pueda pasar. Probablemente no pase pronto.
