Llegó el segundo conversatorio virtual de Future of Music de ROLLING STONE en Español: Hispanos definiendo el futuro. En esta jornada, se abordaron temas que se centran en cómo artistas hispanohablantes están marcando el rumbo de la música en español. Desde meditaciones que otorgan significado a las producciones surgidas de la experiencia de ser hispano, hasta reflexiones sobre la conmemoración de las raíces, los panelistas compartieron sus posturas, opiniones y perspectivas acerca de cómo ha evolucionado el panorama musical relacionado con quienes forman parte de la cultura hispana. Entre las grandes voces que formaron parte de este conversatorio, encontramos a J Noa (Artista), Duplat (Artista), Daniela Spalla (Artista) y Alejandro Jiménez (VP de A&R, 5020 Records).
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Hispanos definiendo el futuro
Moderado por Martín Toro, Editor Senior y Coordinador Editorial de ROLLING STONE en Español, el conversatorio comenzó por compartir las diversas historias que los artistas atravesaron la primera vez que tocaron fuera de su país natal. “Creo que la gente no tiene mucha idea de cómo es el desarrollo de las carreras artísticas. La primera vez que toqué fuera de Colombia fue en Perú. Fue un concierto extremadamente corporativo… Viví una cachetada de realidad. Entendí que desarrollar una carrera artística es un proceso largo, de muchos años. Es un trabajo de mucho tiempo de desarrollo. También se sufre y se aprende. La gente dice que se debe de disfrutar el proceso, pero a mí me parece imposible disfrutar un concierto así. Simplemente hay cosas que son difíciles y una tortura, pero que se deben de hacer”, dijo Duplat. A su vez, J Noa recordó la vez que hizo su Tiny Desk. “Yo tenía 17 años en ese momento. Fue algo muy impactante porque no sabía la magnitud de la plataforma en la que estaba; no tenía idea que había estado Adele o Post Malone. Simplemente estaba sentada en una silla en la que había pasado mucha gente de la industria. No sentía presión porque no sabía nada; lo hice como si estuviera con mi familia compartiendo. Ni sabía inglés”, reveló.
Por su parte, Daniela Spalla compartió el amor que tiene por México, porque además de ser el país en el que reside en la actualidad, fue la primera región que la vió triunfar fuera de su ciudad natal. “Fue en un bar muy chiquito en el centro de la ciudad, creo que ya no existe. El concierto fue un fiel reflejo de lo que pasaba y sigue pasando en México, que es lo que me atrajó tanto. Recuerdo que fue un show colaborativo con más artistas, entre ellas Ximena Sariñana, quien fungía como una especie de madrina del espectáculo”, compartió. “Recuerdo que nadie sabía una canción mía, pero vi algo que me hizo sentir que había un camino. La gente me escuchaba con una sonrisa en la cara, con muchas ganas de recibir. Siempre pienso en esto. Me llevé algo muy lindo de esta experiencia”.
Desde su postura, Alejandro Jiménez compartió algunos ajetreos que se viven en la industria musical actual. El experto aseguró que actualmente la complejidad financiera puede presentar un desafío para mantener la calidad del proyecto, sobre todo cuando se pone una gira internacional en la conversación. “Llevarnos todo lo que se quiere ver en el escenario es plata. El desafío tiene muchas incomodidades en el proceso de crecimiento. Creo que mi recomendación es tener un buen equipo que entienda de finanzas. Se tienen que sacrificar muchas cosas creativas por razones de costos. Es desafiante y doloroso, pero algo que todos los proyectos tienen que hacer”, recomendó.
Bajo este contexto, la plática dio paso a uno de los temas que más se frecuentan en la escena hispanohablante: ¿Cuál es el camino que se debe tomar para alcanzar la globalidad? J Noa destacó que un punto fundamental es la autenticidad, ya que el público aprecia conocer a un artista sin filtro y que cuente la historia que hay detrás de su fama. “No te tienes que parecer a alguien. A la gente le gusta ver cosas nuevas y propuestas frescas. En la escena hispana es muy difícil encontrar a alguien igual. Es difícil confundirnos porque cada quien trae proyectos diferentes”, aseguró. Por su parte, Jiménez dio como ejemplo específico el proyecto de Ca7riel & Paco Amoroso, ya que el dúo argentino está viviendo un auge exponencial y vertiginoso sin precedentes que los ha proyectado a un público internacional. “Tenemos que curar las capas, no solo lo sonoro, sino también lo visual. Tenemos que cuidar cómo se va a ir contando su historia”, dijo.
El conversatorio siguió bajo la importancia que toman las raíces culturales y sonoridades autóctonas en el posicionamiento de un artista en el mercado global. Desde su perspectiva, J Noa declaró que los orígenes fungen como un sinónimo de la fuerza que posee cada artista, ya que los sonidos que influenciaron el crecimiento artístico de cada exponente juega un papel fundamental para marcar su identidad en el panorama musical contemporáneo. “La gente de afuera quiere escuchar qué es lo que traes, qué hacen en tu país. En mi caso, ellos quieren saber cómo rapea un dominicano”, reveló. “Lo que más me dicen es que cambie para que conecte con más público. Sin embargo, yo quiero enseñarle a la gente cuál es la jerga dominicana. Nuestras raíces influyen bastante en lo que somos como artistas porque cada uno quiere dar la cara por su bandera. Qué mejor manera de hacerlo que a través de los sonidos con los que crecimos”.
Al igual que la artista dominicana, Alejandro no dejó pasar la oportunidad de mencionar la relevancia que toman las raíces en los proyectos de los artistas, por lo que aseguró que no es una simpleza el dejar a un lado de dónde vienes y quién eres. Por otro lado, Spalla compartió que uno de los errores más grandes que se cometen en la actualidad es realizar producciones forzadas que traten de llegar a la mayor cantidad de gente. “Yendo a lo más personal, a ese lugar que crees que nadie conectará porque es demasiado propio, es justamente donde la gente te creerá todo porque entra mucho el origen y la raíz, de dónde eres y cuál es la música con la que creciste”, reflexionó.
A partir de la destacada trayectoria de cada uno de los expertos, se dio inicio a una sección fundamental y reflexiva del conversatorio: una serie de consejos dirigidos a las nuevas generaciones —aquellos que ya están abriéndose camino o están por llegar—, quienes buscan transformar lo establecido, pero que también comprenden que ser un artista hispanohablante es una bendición que no está exenta de grandes desafíos. “Yo les diría que no suelten el timón de su barco, especialmente cuando tienes acuerdos discográficos. Cuando entendí que J Noa no era yo, sino mi proyecto de vida, empecé a empujar al igual que las demás personas. Fui aprendiendo en el camino. Apreté, hice canciones y propuestas. Tu proyecto no eres tú, más bien tú eres el director; las demás personas están por y para ti. Hay que empujar entre todos. Tú eres el que más debe de empujar porque a ti te debe de interesar más lo que pase con tu carrera”, compartió J Noa.
A su vez, Duplat hizo referencia a aquellas figuras dentro de la industria que aseguran tener la fórmula para alcanzar el éxito musical. ¿Esto en realidad existe? “Creo que la historia de la música nos sigue demostrando que la genialidad viene de los artistas, quienes se inventan cosas que jamás se habían hecho y los que rompen los esquemas. No podemos perder nuestra visión y soltar nuestra autenticidad creativa. Si esto pasa, se iría a la borda el proyecto. En esto está nuestra esencia. Hay que ser un poco ciegos en lo que pasa en el mundo para seguir con nuestra visión”, dijo. Por su parte, Daniela compartió un consejo fuera de lo común, pero muy funcional: “La visión empresarial es lo que te permite llevar tu música a donde quieras. Nadie mejor que tú sabe eso. El trabajo es en comunidad y no tienes que esperar que los demás lo hagan. Mi enseñanza más valiosa es no soltar las riendas, nunca”.
Desde su postura, Alejandro le dio un foco a la importancia que toma la planeación en los proyectos de los artistas, más allá de qué género trabajan o cuál es el imaginario que tienen pensado para abordar. “Suena obvio, pero tener un plan de tres o seis meses y cumplirlo es muy desafiante en un proyecto artístico. Hay muchas variables, como los productores, las discográficas, los contratos, las finanzas, la plata y más cosas. En muchos casos, el éxito está atado en tener un calendario organizado y cumplirlo”, reveló.
Considerando que la industria no se detiene y que miles exponentes están buscando la forma de dejar su huella en la historia de la música al transformar y romper las reglas de lo preestablecido dentro de la escena musical hispanohablante, los panelistas abordaron una de las grandes interrogantes que enfrenta el panorama contemporáneo: ¿Cómo será el futuro de los artistas hispanos en cinco años?
Alejandro inició por compartir su deseo de romper cualquier límite sonoro y geográfico. “Me estresa saber que estamos volviendo a narrativas que están dividendo en lugar de juntar comunidades. Al final, no hay nada que enriquezca más que el que nos reconstruyamos culturalmente. Hay que plantearse cómo uno es creativo, pero entendiendo las capas culturales”, aseguró. En su perspectiva, J Noa dijo que la industria no dejará de evolucionar, lo que dará como resultado el nacimiento de grandes artistas que buscarán representar el sonido de sus regiones.
En el panorama futurístico de Duplat, destacó la posición que tienen las tecnologías con respecto a la producción musical. El colombiano mencionó que la inteligencia artificial llegará a un extremo que ayudará a los productores, artistas y discográficas a tener beats y elementos sonoros en cuestión de segundos. ¿Esto a qué nos llevará? “Creo que esto hará que se sature de música que suene bien en todas partes. No será difícil. Espero que esto valorice el talento escénico, la virtud, los cantantes con habilidad, los bailarines y los músicos que tocan en vivo. Las cosas orgánicas del live serán mucho más valiosas”, consideró.
Para finalizar, Daniela Spalla comentó sobre la saturación que actualmente gobierna la industria musical. “Está tomando relevancia la música en vivo. También está tomando fuerza el disco en obra porque hay mucho sencillo y sencillo tras sencillo. A mí, en cinco años, me gustaría que se trabaje el tema de la inclusión. La industria no mira a la comunidad y solo los toma en cuenta en junio. Creo que los artistas trans necesitan más oportunidades. Están batallando más que otros exponentes”.
