Cuando 5 Seconds of Summer fue invitado a unirse al nostálgico When We Were Young Festival en 2023, su respuesta inmediata fue un sí entusiasta. Probablemente habrían terminado en el recinto del Festival de Las Vegas incluso si no estuvieran actuando. El cartel era una lista exhaustiva de casi todas las bandas que amaron y de las que aprendieron durante su infancia en Sídney, Australia. 5SOS subiría al escenario después de Yellowcard y las actuaciones previas de Sum 41, Good Charlotte y los cabezas de cartel Green Day. Era obvio.
Pero una vez que su entusiasmo inicial se disipó, quedaron un poco perplejos ante la oferta.
“La pregunta que surge es, ‘¿Encajamos?’”, le dice el guitarrista Michael Clifford a Rolling Stone. “Y, bueno, la respuesta seguía siendo no”. Al mirar la barrera, pudo distinguir quiénes estaban allí claramente para los artistas más veteranos que actuarían esa misma noche, quiénes descubrieron a 5SOS durante los tres años que pasaron de gira con One Direction y quiénes se toparon con “She Looks So Perfect” durante uno de sus recurrentes auges virales en TikTok. No pudieron definir su propia clasificación: “¿Somos una banda alternativa? ¿Somos estrellas del pop? ¿Somos músicos de rock? ¿Somos una boy band? ¿Somos nostálgicos?”. Cada uno de los presentes podría responder a estas preguntas de forma diferente, dependiendo de su propio punto de entrada en la intersección entre el pop y el punk.
Los dos géneros orbitan perpetuamente el uno sobre el otro. Cada pocos años, el punk se transforma en pop (o viceversa), a través de un éxito o regreso inesperado. Artistas veteranos transforman su sonido e irrumpen en una nueva era, o una generación más joven aprovecha el ansia de nostalgia. Las oleadas rara vez duran más de unos meses en el mainstream, pero el auge siempre regresa. Los fans territoriales que, desde un principio, no querían que el público pop comercial se infiltrara en su escena nunca se entusiasman demasiado con los nuevos oyentes ni con los giros pop de sus dioses del rock. Pero otros, que alguna vez no conocían el género, experimentan la emoción de escuchar un estribillo pop impactante filtrado por guitarras desenfrenadas y percusión punk.
Los primeros recuerdos pop-punk de Clifford incluyen jugar a Guitar Hero y ver al baterista de Blink-182, Travis Barker, versionar “Crank That (Soulja Boy)” en YouTube en 2007. Ese mismo año, Paramore lanzó el LP disruptivo Riot!, Fall Out Boy colaboró con Jay-Z y Babyface en Infinity of High, Avril Lavigne se convirtió en el éxito pop más grande en mucho tiempo, y Boys Like Girls estaba grabando “The Great Escape”. Con el paso de los años, la ruta del pop-punk hacia el mainstream se vio alterada de forma similar por los éxitos crossover de Machine Gun Kelly, Lil Peep, Halsey, Willow y otros. Cada nuevo auge demostraba a los fans del pop más conservadores que siempre había algo más en juego en las afueras de su género favorito.
“Componer canciones es interesante porque los géneros pop punk y emo tienen progresiones de acordes sencillas, pocas partes, un concepto muy claro, letras emotivas, melodías muy pegadizas y mucha energía; eso es esencialmente música pop”, dice el productor y compositor Andrew Goldstein, cuyos colaboradores abarcan desde Blink-182 y Bring Me the Horizon hasta Addison Rae y Britney Spears. “La mayoría de la música pop se compone de tres o cuatro acordes, una melodía muy pegadiza y un concepto que casi cualquiera puede entender. Eso es lo que realmente conecta con la gente. Esas similitudes son las que permiten a estos artistas alcanzar un gran éxito”.
El pop-punk se afianzó en Goldstein a principios del milenio. Se topó con New Found Glory y Sum 41, así como con los líderes emo Taking Back Sunday y Thursday, pero fue Blink-182 quien lo redefinió musicalmente. Encontrarlos justo en el punto de inflexión de Enema of the State le hizo querer coger una guitarra y conectar con el público como lo hizo su nueva banda favorita con él. “Recuerdo que el hermano mayor de mi amigo dijo: ‘¡Oh, se agotaron!'”, dice. “Si alguien se vuelve popular, es fácil decir que se está agotando porque hay diferentes pasos que hay que dar para complacer a la base de fans”. Tocar en salas grandes, hacer pedidos masivos de merchandising, grabar en estudios de alta tecnología: todo eso podría considerarse agotar las entradas. Para los fans del pop, es inconcebible que alguien quiera otra cosa.
Ese fue el caso de 5SOS. “Siempre dijimos desde el principio que queríamos ser lo más grandes posible”, dice Clifford. Al venir de Australia, tuvieron que aprovechar cada oportunidad. Antes de lanzar música propia, 5SOS compartió versiones de A Day to Remember y Go Radio, junto con versiones de One Direction y Justin Bieber, en YouTube. La influencia de Green Day y Blink-182 fue innegable en su álbum debut homónimo, lanzado en 2014, y la huella imborrable de artistas como Mayday Parade y All Time Low se hizo patente en su siguiente álbum, Sounds Good Feels Good. Pero sus melodías pegadizas y estribillos siempre tenían un toque pop.
“Ese estilo musical había caído en picado y a nadie le interesaba”, dice Clifford sobre la escena pop-punk de aquel entonces. “Pensábamos: ‘Un momento, tenemos una buena idea de cómo podemos volver a popularizarlo’. Y sí, habrá que hacer algunos cambios cuando evoluciones para llevar ese estilo musical a otro lugar”. 5SOS se apoyó en “los rasgos que le gustaban a la gente de la cultura de las bandas de chicos”, ya que era “de lo único que se hablaba”; pero seguían “anhelando la aceptación de una comunidad a la que representábamos con tanta pasión”. Tuvo un precio. “La comunidad nos rechazó al instante”, dice Clifford. “Simplemente se fijaron en nuestra apariencia y lo descartaron”.
Si el género quería prosperar y sobrevivir, no podía seguir tratando el éxito pop como una sentencia de muerte. “A veces la gente se adelanta a la curva, y les lleva tiempo darse cuenta de la brillantez de un disco cuando sale”, dice el productor y compositor John Feldmann, cuyos extensos créditos incluyen Vices & Virtues de Panic! at the Disco. El cambio puede ser difícil, y no hubo un momento más difícil para los fans del pop-punk original que 2013. Ya estaban recuperándose de la separación de My Chemical Romance y se sentían desconectados del cambio de dirección de Panic! at the Disco en Too Weird to Live, Too Rare to Die. También estaban siendo reintroducidos a Fall Out Boy después de una pausa prolongada, mientras que Paramore marcó el comienzo de una transformación creativa con un explosivo éxito crossover.
Feldmann vio a Paramore sentar las bases para ese momento años antes, cuando escuchó por primera vez “That’s What You Get”, una canción de rock ardiente de Riot! con un gancho innegable. Recuerda que el fundador de Fueled by Ramen, John Janick, le dijo: “No podemos publicar esto. Es demasiado pronto para esta banda. Todavía no pueden ser tan populares”. Ya habían triunfado con “Misery Business”, pero esto podría haberlos dejado estancados en el otro lado. “Con el pop, es más difícil crear un legado porque lleva mucho tiempo”, dice Goldstein. “Se necesitan muchos fans”. Los fans de la escena pop-punk fomentaron un sentido de lealtad diferente al del pop, y esperaban que fuera recíproco.
La progresión de Paramore hasta ese punto tenía que ser natural para que funcionara. “Con esa canción se veía claramente lo que estaba por venir”, dice Feldmann. “¿Sabes cómo ‘Still Into You’ se convirtió en una de sus canciones más importantes? Eso ya estaba planeado con ‘That’s What You Get'”. Para 2013, Paramore iba por su cuarto álbum y su enésimo cambio de formación. No obtendrían más que una falsa seguridad al retroceder y repasar la música que ya habían hecho, con un claro anhelo de evolucionar. Es comprensible que los oyentes anhelen el tipo de música que descubrieron durante sus años de formación. “Esos son los discos que moldean toda tu existencia”, añade Feldmann, pero señala que “todo artista debería poder experimentar y no ser acosado por expandir su horizonte sonoro”.
Es la misma encrucijada que Fall Out Boy enfrentó cuando grabaron su quinto álbum, Save Rock & Roll. “No me interesaba hacer un disco de pop punk con nadie. Estaba un poco agotado, como creo que le pasaba a la mayoría”, declara el productor Butch Walker a Rolling Stone. “A ellos no les importaba. Pensaban: ‘No, vamos a perder muchos fans, pero necesitamos conseguir nuevos. Necesitamos atraer a toda una nueva generación. ¿O por qué hacemos esto? No estamos creciendo como banda'”. Cuando volvieron al mundo del pop, estaba dominado por artistas como Rihanna, One Direction y Macklemore. Su camino estaba totalmente abierto.
Para toda una ola de fans del pop, la banda ayudó a traducir el pop-punk a un formato accesible. Cuando Fall Out Boy lanzó “My Songs Know What You Did in the Dark”, Taylor Swift contó a sus 25 millones de seguidores en Twitter que la había escuchado 43 veces en un día. “Me encanta Fall Out Boy”, declaró Swift a la revista Rolling Stone en 2019. “Su composición me influyó mucho, líricamente, quizás más que nadie. Toman una frase y la retuercen”. Ambos artistas compartieron un colaborador, Walker, quien recuerda la primera vez que escuchó Dookie de Green Day en un estacionamiento de Nebraska con la misma claridad con la que Swift le mostró “Everything Has Changed” la mañana que la escribió.
Como productor, no tenía notas. El sencillo de Red llegó casi perfecto, incluso con el reverbero de los azulejos del baño en la nota de voz. Walker clasifica a Swift como “una de las mejores compositoras de la música pop de todos los tiempos” y expresa el mismo entusiasmo al elogiar a Pete Wentz. “Acertó al dejarse influenciar por eso, porque creo que ese es el ADN de su música”, dice. Cuando Walker conoció a Fall Out Boy, no tenían contrato discográfico, eran “un desastre en el escenario” y ya escribían letras ingeniosas. “¿Cómo pueden pensar tan a lo grande y con tanta poesía?”, recuerda haberse preguntado. “Pete tiene una habilidad con las palabras como nadie más”.
‘My Songs Know What You Did in the Dark’ terminó siendo el mayor éxito de Fall Out Boy desde ‘Thnks Fr Th Mmrs’. Para Walker, representa “un ejemplo clásico de una banda que rompe barreras, rompe barreras, derriba los muros”. La canción surgió con John Hill durante las sesiones de presentación del álbum de otro artista, pero se quedó en el olvido durante un año antes de que Walker les mostrara el borrador de la demo. Se lanzaron a por ella. “Los chicos decían: ‘Ese es nuestro sonido. Ese es nuestro nuevo disco. Urgente, potente, pegadizo, sucio, ruidoso, agresivo, pero pop'”.
Durante nuestra llamada, Walker rescata la nota de voz original y le da al play. Confirma que la melodía del estribillo siempre ha sido irresistible. “¿Quieres oír el final?”, pregunta. “De hecho, fue escrita para Rihanna”.
Es intrigante imaginar qué podría haber hecho la estrella del pop con él. Lo más cercano que hemos llegado a Rock Rihanna es “Rockstar 101” de Rated R con Slash y “Disturbia”; no el sencillo original de Good Girl Gone Bad, sino la versión que The Cab grabó para Punk Goes Pop en 2009. “Punk Goes Pop fue algo tremendo”, dice Goldstein sobre la serie de recopilaciones de Fearless Records en la que las canciones pop se transforman en rock. “Mostró la fuerza de las buenas canciones. Fue una gran puerta de entrada a la música pop para que la gente dijera: ‘Guau, me gusta la canción, es solo que quizás no me gusta la presentación'”. Mayday Parade y Pierce the Veil reimaginaron “Somebody That I Used to Know” de Gotye, y años después, State Champs renovó “Stitches” de Shawn Mendes. Punk Goes Pop ofreció lo mejor de ambos mundos.
“Había algo en estas canciones pop que ya me sabía la letra completa porque sonaban constantemente en la radio y de repente tenían gritos, guitarras y baterías potentes”, dice Ada Juarez, baterista de la banda de pop-punk Meet Me @ the Altar. Durante sus conciertos, suelen versionar “Since U Been Gone” de Kelly Clarkson y “Burnin’ Up” de los Jonas Brothers con un intenso toque rockero. 5SOS, a quienes se unieron en una gira en 2023, hizo lo mismo con “Teenage Dream” de Katy Perry al principio de su carrera. “Todos los que venían a vernos decían: ‘Tío, si pudieran escribir una canción como ‘Teenage Dream’, serían la banda más grande del mundo’”, recuerda Clifford. “Y yo pensaba: ‘Bueno, eso es lo más difícil de hacer’”.
Y si bien es esencial que una canción sea excelente, la interpretación también debe ser convincente. “Si te centras completamente en lo que tus fans quieren, puedes complacerlos mucho, pero puede que no conectes”, dice Goldstein. “Pero si te pasas con eso de ‘Voy a hacer algo mainstream’ o ‘¿Qué quiere la gente? ¿Qué es relevante ahora mismo?’, ahí es cuando puedes meterte en problemas. Ya no suena real. Puedo ver a qué hacías referencia y es esa canción que salió hace seis meses. Para cuando sale el disco, cualquier sonido que buscabas ya está hecho”. Cuando el pop-punk resurgió con fuerza en 2020, impulsado por la angustia del confinamiento y Machine Gun Kelly, sectores de la industria se apresuraron a capitalizarlo.
“Tienen que volver a empezar y hacer lo que hicieron al principio”, recuerda Clifford que le dijeron. 5SOS es más pop que punk hoy en día, aunque el recién lanzado álbum debut en solitario del guitarrista, Sidequest, revive esas influencias. “Todos dijimos claramente que no”, dice. “No era nuestro lugar”. Otros artistas pensaron que valía la pena intentarlo. Durante años, los fans originales de Demi Lovato anhelaron su regreso al rock. Sus discos de la era Disney influyeron en mostrarle al público joven que también podían ser estrellas de rock. Pero cuando finalmente cedió con Holy Fvck en 2022, no logró cruzar el charco a pesar de su talento pop y sus raíces emo. “Definitivamente, se sintió como una forma de sacar tajada, en cierto modo”, dice Edith Victoria de Meet Me @ the Altar. “Si lo hubiera hecho años antes, creo que a todos nos habría encantado”.
El año anterior, la estrella emergente Olivia Rodrigo fue comparada con Hayley Williams, Avril Lavigne y Alanis Morissette cuando sus sencillos pop-punk “Good 4 U” y “Brutal” irrumpieron en el Hot 100, consolidándola como una fuerza que trascendió el género. “Olivia Rodrigo impulsó ese género más que nadie desde que tengo memoria”, dice Clifford. “Tomó el ADN y la base de lo que hizo al pop-punk y le dio una nueva vida fresca”. Cuando se adentró aún más en el sonido en Guts, nunca se sintió artificial. Feldmann elogia “All-American Bitch”, estableciendo paralelismos con el estilo alternativo de Sonic Youth y Green Day. Hay que reconocerle a Machine Gun Kelly que “abrió las puertas para que mucha gente se dejara influenciar por él, para crear lo que sea que la música pop-punk se convierta en el futuro”, dice Juárez, al igual que Paramore y Pierce the Veil lo hicieron por ellos. “Simplemente está evolucionando para siempre”.
A estas alturas de 2025, nada en el Hot 100 recuerda siquiera un poco al pop-punk. Lo familiar prevalece. Pero otra ola podría estar a la vuelta de la esquina. La banda de hardcore punk Turnstile podría abrir la puerta con su nuevo álbum que desdibuja los géneros, Never Enough, o Pierce the Veil podría aprovechar el inesperado fervor viral que crece en TikTok en torno a su tema “So Far So Fake”, rompiendo así las barreras del pop. Si el próximo álbum de Beyoncé, que cambia de género, es realmente rock, podría ser otra puerta de entrada importante para las bandas que ansían agotar las entradas. No tienen que encajar en el panorama pop de inmediato. Simplemente tienen que lanzarse. Es esa pasión la que mantiene viva la eterna pasión por el pop-punk.
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