El 28 de octubre se celebra el Día Mundial de la Animación en conmemoración de la primera proyección pública de cine animado, realizada en 1892 por el francés Émile Reynaud. Este pionero presentó su Théâtre Optique en el Museo Grevin de París, utilizando una innovadora tecnología que proyectaba imágenes en movimiento. Desde entonces, la animación ha evolucionado en formas inimaginables, ganándose un lugar fundamental en la cultura popular y en la historia del cine. En el Día Mundial de la Animación se celebra el legado de esta técnica mágica y su capacidad inigualable de transformar sueños en realidades.
La animación no es un género en sí mismo, sino una técnica poderosa y versátil que permite explorar todos los géneros, desde la ciencia ficción y la fantasía hasta el drama, el terror y la comedia. A través de la animación, los creadores logran representar mundos fantásticos, personajes inolvidables y temas universales con una libertad creativa que va más allá de las limitaciones del cine en acción real. Es una forma de contar historias donde lo visual es tan importante como lo narrativo, creando una conexión única entre el espectador y la obra.
Existen varias técnicas principales en la animación, cada una con su propio encanto y características. La animación tradicional, también conocida como 2D, es la técnica en la que cada fotograma se dibuja a mano. Los clásicos de Disney como Pinocchio, Bambi, Alice In Wonderland fueron pioneros en este estilo. El stop-motion o animación cuadro a cuadro, conjurada por el español Segundo de Chomón, es una técnica que utiliza objetos físicos, como marionetas o figuras, que se animan fotograma a fotograma. Los estudios Aardman (Chicken Run, Wallace & Gromit), Laika (Coraline, Kubo And The Two Strings) y directores como Guillermo del Toro (Pinocchio), Henry Selick (The Nightmare Before Christmas) y Tim Burton (Corpse Bride) intentan mantener viva esta tradición.
La animación digital en 3D, popularizada por los estudios Pixar (Toy Story, A Bug’s Life) utiliza modelado y renderización digital para dar vida a personajes y mundos tridimensionales. Junto a Pixar, estudios como DreamWorks (Shrek), Illumination (Despicable Me) y el difunto Blue Sky (Ice Age), han representado este estilo de una manera magistral. Por su parte, la animación recortada o cut-out, consiste en mover piezas de papel o elementos planos en lugar de dibujar cada fotograma. Las aventuras del Príncipe Achmed (1926), el primer largometraje animado de la historia que sobrevive (dirigido por la pionera Lotte Reiniger), es un ejemplo impresionante de cómo esta técnica puede crear una estética distintiva y única.
10. LE PLANÈTE SAUVAGE (EL PLANETA SALVAJE)
(1973)
Dir. René Laloux
Esta película francesa, ganadora del Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes, es una experiencia única de ciencia ficción que explora temas de opresión y resistencia. Ambientada en un planeta donde los humanos son mantenidos como mascotas por una raza gigante y avanzada llamada Draags, la cinta despliega una animación surrealista que la convierte en una obra atemporal y con una fuerte crítica social que la equipara con Animal Farm (1954), la joya de la animación británica basada en la novela de Orwell. Su animación recortada y detallada a mano, le da a la película un aspecto único que refleja ese grandioso estilo visual psicodélico de finales de los setenta y comienzo de los setenta, que nos recuerda a Yellow Submarine (1968), ese viaje mágico y misterioso protagonizado por las versiones animadas de los Beatles.
9. SNOW WHITE AND THE SEVEN DWARFS
(BLANCANIEVES Y LOS SIETE ENANITOS)
(1937)
David Hand y otros bajo la supervisión de Walt Disney
Aunque la cinta perdida El apóstol (1917) del argentino Quirino Cristiani, Las aventuras del príncipe Achmed (1926) de Reiniger y Le Roman de Renard (1937) de Iréne y Ladislas Starevich fueron primero, este clásico de Disney definitivamente revolucionó la industria cinematográfica. La historia de la princesa Blancanieves, inspirada en el cuento de los hermanos Grimm, que a su vez se inspiró en un cuento de hadas ruso, cautivó al público mundial y sentó las bases de lo que sería la narrativa y la estética de Disney. En ella participaron 750 artistas y se completaron cerca de dos millones de dibujos para completarla, dando como resultado una cinta preciosista, muy cercana al sueño de un niño.
8. SEN TO CHIHIRO NO KAMIKAKUSHI (EL VIAJE DE CHIHIRO)
(2001)
Dir. Hayao Miyazaki
La segunda película animada más taquillera en la historia de Japón (la primera es Demon Slayer: El tren infinito) y la primera cinta de animación no estadounidense en ganar el Óscar en su categoría, nos cuenta la historia sobre una joven llamada Chihiro que se adentra en un mundo de espíritus y dioses, en una mezcla de misticismo y crecimiento personal. El maestro Hayao Miyazaki (La princesa Mononoke, El castillo vagabundo) crea un universo vibrante y lleno de simbolismo, consolidándose como uno de los maestros del cine animado.
7. THE IRON GIANT (EL GIGANTE DE HIERRO)
(1999)
Dir. Brad Bird
Basada en la novela de Ted Hughes, esta entrañable película sigue la relación entre un niño y un robot gigante (con la voz de Vin Diesel), en medio de un entorno de guerra, sacrificio y búsqueda de la paz, en un marco retro visualmente impactante. Esta cinta de culto, inicialmente poco valorada en la taquilla, fue auspiciada por Steven Spielberg, quien fue una figura clave para convencer a los estudios Warner de producir la película. Brad Bird, quien trabajó previamente en The Simpsons, luego trabajaría con Pixar en la dirección de otras dos obras maestras de la animación: The Incredibles (2004) y Ratatouille (2007).
6. SEN NOCI SVATOJÁNSKÉ (SUEÑO DE UNA NOCHE DE VERANO)
(1959)
Dir. Jiří Trnka
Este maestro de la animación nacido en Checoslovaquia (El ruiseñor del emperador, Viejas leyendas checas, El buen soldado Švejk) fue considerado como el “Walt Disney del Este de Europa” y fue pionero en el uso de marionetas animadas para películas, estableciendo un nuevo estándar en este tipo de técnica, utilizando de una manera experta sombras y luz para darles vida. Esta adaptación libre de la obra de Shakespeare en stop-motion (el último largometraje de su carrera), representó un hermoso pináculo en la cinematografía de marionetas. El estilo visual exquisito de Trnka sumerge al espectador en la magia de este clásico cuento de amores y enredos.
5. HOTARU NO HAKA (LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS)
(1988)
Dir. Isaho Takahata
Esta devastadora película de los estudios Ghibli narra la vida de dos hermanos durante la Segunda Guerra Mundial y es conocida por su dura crítica a los horrores de la guerra, siendo uno de los dramas animados más potentes y tristes jamás creados. El fallecido maestro Takahata (Recuerdos del ayer, Mis vecinos los Yamada, La princesa Kabuya) utilizó una paleta de colores muy específica para representar el tono trágico de la historia, y los colores de los cielos nocturnos fueron pintados con unos trazos que enfatizan la angustia y la desesperación.
4. FANTASTIC MR. FOX
(2009)
Dir. Wes Anderson
Esta animación en stop-motion combina el estilo distintivo de Anderson (Isle Of Dogs) con una divertida historia de astucia. El Sr. Fox (con la voz de George Clooney) lidera a una pandilla de animales en una serie de ingeniosas artimañas, en una obra colorida, artesanal e inconfundiblemente peculiar. “Siempre amé Fantastic Mr. Fox”, recordó Wes Anderson en 2009 sobre la novela de Roald Dahl que inspiró su aclamada película. “Fue el primer libro que realmente me perteneció, con mi nombre escrito en la portada en una pequeña etiqueta”. El amor de Anderson se refleja en cada uno de los fotogramas.
3. WALL-E
(2008)
Dir. Andrew Stanton
El equivalente animado de 2001: A Space Odyssey (1968) de Kubrick, sigue la historia de un robot encargado de limpiar un planeta Tierra deshabitado y polucionado. Los primeros 30 minutos de la película no contienen diálogos, un riesgo que resultó ser un gran acierto, capturando la atención y emociones del público de una manera única. WALL-E es quizás la mejor cinta de Pixar, un estudio colmado de grandes trabajos de animación (Monsters, Inc, Finding Nemo, Cars, Inside Out, Soul) y constituye una reflexión existencialista sobre la soledad, el amor y el impacto ambiental en una sociedad futurista.
2. AKIRA
(1988)
Dir. Katsuhiro Otomo
La obra maestra del cyberpunk basada en el manga escrito y dibujado por su director, redefine el género con una historia compleja ambientada en un Tokio post-apocalíptico. Akira ha sido aclamada por su impactante animación y por explorar temas como el poder, la corrupción y la identidad. Su producción utilizó 160,000 celdas de animación, superando los estándares de la época, y empleó colores y técnicas que hasta ese momento eran poco comunes debido a su alto costo. El resultado es impresionante.
1. FANTASIA
(1940)
Varios directores bajo la supervisión de Walt Disney
¿Es posible ver la música? ¿Pueden los dibujos animados ser considerados arte? Esta cinta responde a estas dos preguntas con un “sí” definitivo y calla a cualquier detractor. Una obra maestra experimental que combina música clásica con imágenes animadas para crear un espectáculo visual y auditivo. Dividida en ocho segmentos temáticos abstractos, sublimes, aterradores y graciosos, Fantasía ha inspirado a generaciones de animadores y músicos por su audacia y originalidad, pero nunca ha podido ser superada (pese a que en el año 2000 tuvo una secuela). Para su película, que en su época fue un rotundo fracaso comercial, Disney desarrolló un sistema de sonido llamado Fantasound exclusivamente para la película, siendo uno de los primeros intentos de sonido envolvente en el cine. Toda una experiencia inmersiva adelantada a su tiempo.
